Partir

Una película llena de pasión y locura protagonizada por la inglesa Kristin Scott Thomas y el español Sergi López. Nos narra la historia de Suzanne una mujer de clase media alta, esposa y madre de familia que vive una vida normal al sur de Francia. Cuando decide volver a montar un consultorio para su profesión se enamora de Iván, uno de los obreros, y lo que en un principio parece un desliz pasajero se transforma rápidamente en una obsesión por la cual Suzanne lo abandona todo si medir las consecuencias, y lo que se pensaba era una historia de amor y libertad, se derrumba cuando el esposo ofendido usa todas sus influencias en una guerra de humillación y poder, que da como resultado el retorno a casa de ella y un desenlace en el que todos pierden.

La historia es desarrollada de forma sencilla con el clásico esquema de novela europea (el triángulo amoroso). Los personajes son bien definidos y aunque Iván es el amante, realmente el peso de la pasión es Suzanne que sin una razón mayor a la de su propio placer arrastra su familia y a Iván al desastre.
La cinta agrada por su fotografía y ambientación, dejándonos conocer parajes hermosos del sur de Francia y Cataluña donde la pareja de amantes da rienda suelta a sus emociones y aunque es una película con varias escenas eróticas, es mucho más fuerte el drama como hilo conductor.
Bajo la superficie de la cinta también podemos saborear un poco de la Europa actual, de su situación económica de la cual España lleva la peor parte, de la mezcla de idiomas y de la vida del inmigrante, en este caso no de un inmigrante foraneo sino de los mismos comunitarios que van de un país a otro.
Una historia de reflexión sobre el matrimonio, la libertad, la pasión. Sobre medir las prioridades y sobre como un capricho puede terminar en tragedia.

Martyrs

Bueno y siguiendo con mi jornada de terror de principio de año, tenemos esta sorprendente película francesa; y digo sorprendente porque los franceses realmente no son muy cercanos al género del terror y tal vez sea uno de los países grandes de Europa de los que nunca había visto una producción del género, a diferencia de ingleses, alemanes, italianos, daneses que han disfrutado con la sangre y las cuchilladas desde los inicios del cine y últimamente españoles y rusos que se han unido a la causa.

Mi primer contacto con la cinta fue a través de Amazon, donde estaba con un buen descuento y quería comprarla pero una voz me dijo: No, esa cinta nadie la conoce, para que comprarla. Pues dejé a un lado el antojo y me abstuve, para meses después encontrar información sobre la cinta, casi siempre con calificaciones positivas y elogios, tanto para esta película como para otra llamada À l'intérieur. El arrepentimiento fue inmediato, pero lamentablemente en Colombia la cinta NO existe, así que opté por el desesperado y último recurso de los amantes del cine: “Descargarla por la web” (señores no hagan esto en casa, ni en la oficina porque según el papa Benedicto, la piratería es uno de los nuevos pecados que incluyó en su catecismo y no me gustaría que se fueran al infierno por mi culpa, y según el FBI, hasta prestar una cinta de nuestra propiedad es un delito, vea pues).
Aunque la búsqueda no fue fácil, finalmente la encontré y afortunadamente con subtítulos. La vi dos veces seguidas ya que la primera vez la disfruté tanto que realmente no la analicé; lo primero que puedo decir es que la cinta además de ser de terror, es de una violencia y un sadismo extremo, algo que no es nuevo en el cine francés del que hemos podido ver cintas perturbadoras como Viólame o Irreversible y definitivamente es la cinta sobre martirización, más profunda que he visto incluso por encima de algunas asiáticas que hasta ahora tenían la bandera.
Pero más allá de lo gore, la cinta es bastante hermosa, la producción y fotografía son sencillas pero efectivas y las actuaciones desesperantes pero justas.

La historia está dividida en 2 partes claras, la primera podría llamarse de liberación y la segunda de sacrificio. La película comienza con la pequeña Lucie, huyendo de lo que aparentemente era un sitio de tortura y con signos evidentes de maltrato y degradación física. Ella es puesta en un orfanato en el que conoce a otra niña, Anna, la única persona con la que Lucie realmente logra hacer contacto y mantener una relación de amistad. Anna por su parte siempre ayuda y encubre a Lucie, tratando de que supere sus traumas que están encabezados por el alma de una mujer que tortura y hiere a Lucie cada vez que quiere.
15 años después Lucie ingresa a una casa de una familia acomodada y asesina a toda la familia segura de que la pareja de esposos, fue la causante de su tortura y de que matándolos calmara su sufrimiento. Anna quien no está segura de que lo hecho por Lucie sea lo mejor, pero que espera la alivie de su dolor, ingresa a la casa y se horroriza con lo sucedido, además todo parece haber salido mal ya que a pesar de lo hecho el ser sigue atormentando a Lucie incluso con mayor violencia. Anna descubre que la madre de la familia sigue aún con vida e intenta ayudarla pero cuando Lucie se da cuenta la asesina de forma brutal, en ese momento el ser se congratula con Lucie y esta se suicida liberando su dolor. Anna cada vez más consternada limpia el cuerpo de Lucie y trata de ocultar los demás, mientras esto sucede descubre un pasadizo que conduce a una escalera y luego a unas recámaras especiales en el sótano de la casa donde encuentra a una joven desnuda, torturada, encadenada a una silla y con un artefacto clavado a su cabeza que le impide ver, ella la saca e intenta ayudarla, pero un grupo de seguridad entra y mata a la joven, entierran los cuerpos, interrogan a Anna, y la esposan sin explicación. Un rato después una mujer misteriosa entra y habla con Anna quien se encuentra en shock, le explica que luego de muchos intentos descubrieron que solo las mujeres jóvenes y decididas logran sobrepasar el dolor y hacer contacto con Dios. Que son unos seres escasos pero necesarios para entender lo que sucede después de la muerte y que el único camino hacia dicho éxtasis es la martirización. Luego de esto la mujer se va y Anna es esposada a la misma silla de la joven, a la casa se muda una nueva pareja y comienza la tortura, durante muchos días ella trata de resistirse, pero luego entiende que se debe entregar, una entrega que culminará mucho peor que cualquier cosa imaginable.

Antichrist

El año pasado en el festival de Cannes se midieron pulso a pulso dos de los más consentidos directores de dicho festival, nada menos que el austriaco Michael Haneke con su producción The White Ribbon (cinta que esperamos sea exhibida pronto en Colombia) y el Danés Lars von Trier con Antichrist (que tampoco ha sido estrenada pero tuve la fortuna de ver). Ambos directores siempre caracterizados por ser polémicos, por desarrollar cintas oscuras y difíciles de digerir, pero también por ser grandes innovadores y perfeccionistas.
El ganador obviamente fue Haneke quien se llevó la Palma de Oro, pero el ganador en los medios fue von Trier ya que su película fue una fuente de polémica absoluta, debido a su perturbador desarrollo.

La historia es sobre El y Ella, una pareja de esposos que pierden a su pequeño hijo quien cae por una ventana mientras ellos hacen el amor, y debido al trauma que esto genera en ella, él, que es un reconocido psiquiatra, sugiere una terapia de exposición en la que ella debe enfrentar su mayor miedo, que al parecer es el bosque y específicamente una cabaña llamada Edén, en la que ella realizó su tesis de especialización que trataba el tema de la violencia contra las mujeres. Al principio ella parece estar superando su temor pero el bosque y los temores interiores representados en los tres vagabundos: el ciervo, el cuervo y el zorro, la convierten poco a poco en un ser insaciable de sexo y violencia y totalmente destructivo. El comienza a descubrir que mientras ella llevaba a cabo su tesis investigó sobre cacería de brujas, misoginia, oscurantismo y que sus escritos poco a poco se hacían más violentos y desordenados, también descubrió unas radiografías donde se veía una deformidad que su pequeño hijo tenía en los pies de la cual él no sabía y fotografías de ella y el niño donde este tenía los zapatos cambiados de pie, lo que indicaba que la deformidad había sido inducida por ella. En su investigación de tesis ella concluye totalmente convencida que la mujer es un ser maligno.

En un ataque de desesperación en el que piensa que él la va a abandonar, ella lo ataca, rompe sus testículos e inconsciente lo masturba hasta que él eyacula sangre, luego con un taladro agujera una de sus piernas y le atornilla una pesa para prevenir un escape. Al despertar él trata de escapar pero es nuevamente hallado por ella, quien lo lleva a la cabaña y lo ataca con unas tijeras con las que posteriormente se automutila cortándose el clítoris. Ella le había predicho a él momentos antes que cuando los tres vagabundos se junten alguien deberá morir; en un momento de silencio y mientras él intenta quitarse la pesa, el ciervo, el cuervo y el zorro entran a la cabaña desencadenando un final entre trágico y surrealista.

Narrativamente la historia está dividida en un prólogo, 4 capítulos y un epílogo, cada uno con su propia estética y tratamiento. La edición, fotografía y dirección artística son impecables, la gran cantidad de situaciones surrealistas e incluso las grotescas escenas de sexo y violencia tienen el mejor tratamiento visual. La perturbación a la que se expone el espectador es gigantesca, es un terror sin escape, sucio pero bello, las actuaciones de Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg son desgarradoras, entregadas y profundas. La temática confusa y abstracta pero con base en el dolor en todas sus formas es finamente expresada en algunos capítulos y violentamente impactante en otros.

Esta cinta no es para disfrutar, es una obra maestra del horror en sus formas más crudas y no la recomiendo para personas muy sensibles. La polémica que suscitó está bien ganada y fue tal que el jurado de Cannes le dio un anti-premio, llamándola la película más misógina de su director (el cual ya había sido acusado de expresar odio hacia las mujeres en varias de sus anteriores obras), sin embargo esta decisión enfureció al director del festival que la calificó de censura. Por otra parte Gainsbourg ganó el premio a mejor actriz con su interpretación entre sádica, insaciable y traumada.

Antichrist definitivamente es una buena cinta, muy difícil de interpretar, llena de dolor desde su concepción ya que von Trier sufría de depresión clínica mientras escribió el guión y durante gran parte de la filmación. Una cinta no apta para todos y que tal vez despierte más odios que alabanzas, pero que sin dudar goza de una belleza irrepetible en muchos de sus aspectos.

L'Heure d'été

Esta cinta que traduce Las Horas Del Verano, es la nueva a puesta del director francés Olivier Assayas. En esta podemos apreciar una obra de estilo naturalista, propio del cine francés, que nos cuenta una historia simple, sin artilugios, pero con un entramado fuerte y profundo.
La historia narra como tres hermanos deberán decidir que hacer con los bienes heredados de su madre luego del fallecimiento de ella. De esta forma la cinta toca temas profundos como el duelo, el desprendimiento, el recuerdo y sentido de apropiación sobre los objetos familiares, los recuerdos de una casa, las promesas rotas, la desintegración lenta pero visible del núcleo familiar y la dispersión de la misma. También es notable como mucho del sentimiento de la cinta es vivido por parte de Eloise, la empleada de la casa quien es el personaje con el mayor sentido de duelo debido a la situación.

En su producción la cinta es impecable, una hermosa pero sencilla puesta en escena, un manejo de la luz profundo y una cámara que trata de capturar conversaciones de más de tres personas de forma agradable. Este estilo me recuerda la forma narrativa de algunas cintas de Woody Allen como Maridos y Esposas y también algo del cine Dogma en especial Celebración.

El elenco es bastante bueno así como sus interpretaciones, naturales, diferenciales y muy creíbles y aunque la cinta se promociona sobre los hombros de Juliette Binoche, es realmente Charles Berling, quien interpreta a Frederic el mayor de los tres hijos, el eje central de la historia y quien debe soportar el peso de hacer efectiva la venta de los objetos y además ser el más arraigado a ellos.

Las horas del verano es dramática, fresca y por muchos momentos cotidiana y divertida, pero por sobre todo es un espejo o una reflexión de una situación que tarde o temprano afrontaremos todos.

Caché

En este post voy a extenderme por diversos temas ya que esta cinta ha generado en mi una gran reflexión sobre la influencia de la crítica, el esnobismo de la misma, la comercialización y la opinión del público.
Todo comienza en los años 60 cuando aquel magnifico grupo de realizadores franceses que se unieron en un movimiento llamado la nueva ola, quiso diferenciarse de los demás mortales y en textos de Godard y otros se inventaron los términos cinéfilo y cine arte, este último solo como un embuste literario para que sus cintas no se mezclaran con otras películas del género drama, el verdadero género al que pertenecen casi todas las cintas de este movimiento y obviamente para partir cobijas con el dominante cine americano.
Desde entonces todos los mamertos de bufanda terciada y gafas redondas han querido meternos los dedos a la boca proliferando su condición de cinéfilos y por su puesto, su preferencia única y encarnizada hacia el llamado cine arte.
Mi rechazo hacia este término es visceral, realmente creo que el término correcto es Cine de Autor, una expresión que leí a mis 15 años y que hasta el día de hoy nadie ha podido tumbar, y que se refiere a los directores cuya realización es tan original o novedosa o que tienen un estilo determinado y atractivo que sobrepasa al género en el cual se enmarcan los guiones que dirigen.
Sumándose a los queridos cinéfilos están las tiendas de alquiler de películas y los distribuidores de DVD que han tenido el pepazo de crear un estante llamado cine arte, en el que básicamente ponen cintas que no son gringas, que no saben donde poner o que han ganado muchos premios. Estas tiendas además están en una maratónica carrera de rebajas que aunque favorables para el comprador, dejan mucho que desear en la calidad de lo que venden.

Pero bueno vamos al grano, una noche esperando a una persona en un centro comercial entro a una de estas tiendas solo por curiosear y me encuentro con que sus rebajas están enfocadas en el estante llamado CINE ARTE, realmente lo que había ahí eran cintas clásicas, algunas extranjeras ¿pacto con lobos cine arte? y otras premiadas. Dentro de estas últimas encontré una llamada Caché, de la cual nunca había oído hablar y que me causó curiosidad ya que la portada solo muestra una mancha de sangre. Una de las frases promocionales la describía como terrorífica (uuu me gusta) y la comparaba con la obra de Hitchcock (mi director favorito, mmm) y además exhibía un sinnúmero de premios que había ganado (3 cannes entre otros vea pues), su director es el austriaco/alemán Michael Haneke (la pianista, bien, ganador este año de la palma de oro, muy bien), sus protagonistas son de calidad (Daniel Auteuil y Juliette Binoche, aguantan) y el precio era bueno así que me decidí a comprarla.
Yo que pensé haberlo visto todo me he encontrado con la cura a todos los problemas de insomnio, un ladrillo en forma de CD imposible de ver, tuve que intentarlo 5 veces para poder completar toda la cinta uniendo las partes que veía entre cada jornada de sueño.
Y es que una cinta por lenta o somnífera no significa que sea mala, para la muestra Allegro una muy buena película pero que en cierta escena hizo que absolutamente toda la sala con excepción de mi novia se durmiera, o las cintas de Wong Kar-wai, un señor que definitivamente camina a otro ritmo, que no tiene afán, que no cree en la cadencia pero cuyas cintas son demasiado hermosas.

Realmente en lo que peca esta cinta es en el esnobismo de querer presentar un método como el eje central de la narrativa, un método en el que se mezcla tomas de video a cámara fija con la narración general, haciendo que la película aunque de perfecta factura sea un suplicio visual, el no uso de banda sonora también aporta su granito a la lentitud de la misma. Sinceramente es la película más aburrida que he visto en la vida, por encima de una francesa que vi sobre tres personas millonarias que hacen una especie de retiro para lograr un objetivo: no hacer nada. También está por encima del esnobismo moralista y católico de Kieślowski, de quien soporté no solo su trilogía de colores sino su tortuoso Decálogo (10 cortometrajes basados en los 10 mandamientos hechos para televisión).

Sin embargo esta cinta de Haneke sobrepasa cualquier resistencia ocular a que se cierren los párpados, además el que se promocione como cinta de terror es un gran fraude, a pesar de que los grandes críticos digan que su temática es una metáfora sobre el miedo a que se descubran nuestros oscuros secretos, en realidad esto es un drama familiar salpicado con gotas de misterio. El terror se define como la sensación de sentirse atrapado por algo que nos invade, que crece constantemente y que supera nuestras fuerzas. En las obras de cine y literarias para que el terror sea efectivo debe ser constante, no dejar huecos, debe hacer que el espectador lo sienta como propio, no es que tenga que asustar (ese es el horror), no es que tenga que dar asco y salpicar sangre (ese es el gore), el terror tiene que asfixiar, angustiar, como una boa constrictor que se apodera de su presa. Pero por favor en esta cinta no pasa eso, la temática está en tan enlagunada por el drama familiar y por la contextualización lenta de los personajes y aún más por la técnica de edición, que nunca logra su objetivo.

Caché, que en español se llama Escondido es otra de esas banderas que los críticos alzan para dar sus clases de análisis cinematográfico, para decir yo reinaré, pero que en realidad no creo que nadie en su sano juicio pueda disfrutar ni recomendar, ni siquiera por venganza.

La Escafandra y la Mariposa (Le Scaphandre et le papillon)

Me fue difícil realizar una reseña sobre esta cinta ya que quedé sin palabras luego de verla, dejé un buen tiempo pero definitivamente no puedo ser objetivo. Esta cinta es una obra maestra tanto visual como emocionalmente.

Julian Schnabel, director americano conocido en el mundo por su obra Antes que anochezca, reúne un estupendo grupo de actores franceses, en especial de mujeres hermosas, para recrear la tragedia y superación que sufrió el periodista Jean-Dominique Bauby, editor de la revista Elle,quien sufrió un colapso masivo y repentino, sufriendo del síndrome de encierro (quedar consciente dentro de un cuerpo paralizado) y cuya única forma de comunicación fue a través del parpadeo de su ojo izquierdo.
La cinta muestra no solo el sufrimiento de un ser que no puede comunicarse sino del sufrimiento de sus seres queridos, pero también es un canto a la imaginación de un hombre que decide dar su última batalla y que gracias a la ayuda de sus terapeutas, logra desarrollar un sistema de comunicación desgastante pero efectivo, a través del cual trata de llevar una vida en lo posible normal y que le sirve para dictar un libro: La escafandra y la mariposa, donde narra sus fantasías y compara su encierro a estar en el océano dentro de una escafandra de la que escapa para volar libre.

La primera parte de la cinta es dura y dolorosa ya que es producida en primera persona, desde la perspectiva de Bauby, mostrando interior de su encierro y sufrimiento. El resto de la cinta se enfoca en los conflictos familiares y recuerdos de su vida normal. la cinematografía es hermosa y sorprendente, así como la banda sonora, llena de melodías emotivas. La actuación de Mathieu Amalric como Bauby es difícil, interesante y muy física, todo un deleite, así como volver a ver a la hermosa Emmanuelle Seigner en toda su dimensión ya que la última vez fue en un papel secundario (Titine en La Vie en Rose).

Los 22 premios internacionales que ha ganado la cinta son apenas un pequeño y merecido homenaje a un trabajo de tanta calidad y a un hombre que dejó un legado de lucha y esperanza a pesar de no poder haberlo disfrutado.

Una Mujer Partida en Dos

A sus 78 años Claude Chabrol, el legendario director francés, nos trae esta historia de drama, sobre Gabrielle, una joven y hermosa periodista que al ser seducida, usada y dejada por un escritor famoso (Charles Saint-Denis) de quien se enamora perdidamente, decide casarse con su desquiciado pero simpático pretendiente, quien a su vez no soporta el recuerdo y la marca que Charles ha dejado en su amada, generando una tragedia que cambiará la vida de todos.

La cinta aunque es un drama en términos generales, se presenta en forma de comedia, en especial con el personaje de Paul, el excéntrico y traumado pretendiente de Gabrielle, añadiéndole un sabor extraño pero agradable a la trama. Las locaciones en Francia y Portugal son hermosas, así como la iluminación y los decorados. pero no solo el formato cómico de la cinta es extraño, también lo es su música que recuerda a las cintas mudas o a algunas cintas de misterio de los 40 y 50, además la escena final que es una metáfora surrealista de los sentimientos de la protagonista.

Una mujer partida en dos no llega a ser una gran cinta, pero es divertida y bien realizada; una historia dura, con tintes de humor y la innegable presencia artística del maestro Chabrol.

No le digas a nadie (Ne le Dis à Personne)

Un inquietante film de suspenso francés que narra las angustiosas penurias de un hombre (Alexandre Beck), al que se le derrumba la vida debido al brutal asesinato de su esposa y 8 años después es involucrado en la investigación como principal sospechoso. Como si esto no fuera suficiente comienza a recibir comunicaciones por E-mail las cuales al parecer le indican que su esposa posiblemente está viva. Beck entonces se verá involucrado en una serie de misterios y asesinatos que a cada minuto que pasa parecen más difíciles de resolver pero sobre todo de demostrar su inocencia.

Elogiada por la crítica, ganadora de múltiples premios y con la excelente actuación de François Cluzet como Alexandre, No le Digas a Nadie, es uno de los mejores thrillers de los últimos años que explora hasta donde es capaz de llegar el hombre para cumplir una misión de amor y justicia y en otro caso para cumplir una venganza sin importar los años que han transcurrido ni las atrocidades que se deban cometer.

Guillaume Canet cumple el objetivo de entregarnos una obra de arte limpia y sin pretensiones, una historia que no nos dejará levantarnos de las silla, llena de actuaciones solventes y paisajes hermosos, pero sobre todo una historia sobre un misterio que oculta una horrible verdad.

Elizabeth The Golden Age

La segunda parte (10 años después) de la exitosa Elizabeth, pone en evidencia los malos resultados de cuando se quiere explotar un producto exitoso. Cate Blanchett vuelve como la reina Elizabeth en su edad madura y en medio del conflicto bélico con España, pero la cinta se centra en un trío romántico y en embelesar la figura de la reina con un melodramatismo exasperante. El director Kapur pone la producción por encima de la historia: el detalle artístico es exagerado y la música intrusiva, pero lo peor es la tergiversación histórica y la evidente propaganda anticatólica.

Lástima que de una cinta con ese presupuesto, producción y casting no haya mucho que decir, es una segunda parte como la mayoría de secuelas, mala y exagerada.

Perfume: The Story of a Murderer

Una adaptación efectista, con una cadencia adormecedora.

Pasa lo mismo que con las adaptaciones de todos los libros de realismo mágico: cuando llegan a la pantalla pierden el elemento narrativo que es su verdadera magia. No aporta nada salvo un arte e iluminación hermoso y deja claro que una adaptación no debe ser necesariamente literal para ser satisfactoria.