Sherlock Holmes

Al parecer Guy Ritchie quería sacudirse de ese bloqueo creativo que mantuvo durante todos sus años de relación con la super estrella Madonna y es que Ritchie era lo más parecido a un músico de los que llamamos One hit wonder, que solo pegan una canción y luego se diluyen en el tiempo.
Pero Ritchie, fiel a su tradición de cineasta pendenciero volvió y esta vez nos trae una versión interesante pero subjetiva del detective Holmes. Y es que esta faceta del célebre personaje se parece más a una reproducción inteligente y un poco más sofisticada del personaje de Brad Pitt en cerdos y diamantes que a aquel personaje de la Inglaterra victoriana... Si es Sherlock Holmes pero con un nuevo lema: si no puedes resolver los crímenes con lógica resuélvelos sin camisa y a los golpes.

A mi modo de ver Guy fue muy sagaz o muy suertudo al lograr que fuera Robert Downey, Jr. quien se apropiara del papel, ya que realmente el peso de la trama lo lleva él y no solo eso sino que fue el responsable de dar veracidad a esta nueva etapa del personaje y digo nueva porque claramente pronto veremos por lo menos una secuela.

Y fuera de Downey que más hay? un buen ritmo, algo muy importante en una historia de misterios y detectives. El arte aunque a veces me parece sofisticado es muy bueno, e tono gris azulado es útil en la creación de una atmósfera londinense. Las demás actuaciones están bien sin ser nada del otro mundo, Jude Law luce apropiado como el doctor Watson pero también es muchas veces opacado por la versatilidad de Downey. De lo que si carece la cinta totalmente es de antagonistas, que según la tradición deben ser hombres tan o más inteligentes que el propio Holmes, pero la verdad fueron rivales aburridos y de segunda.

Lo que queda es la satisfacción de una historia refrescante y bien contada pero el temor de que la secuela esté a la altura del buen detective.

Slumdog Millionaire

Esta cinta me produjo el mismo efecto que La Escafandra y La Mariposa, el efecto que toda buena experiencia deja en la vida, un silencio, un sin palabras y la buena sensación de la satisfacción interior, en este caso desde el punto de vista artístico, la belleza, la imagen, el sonido.
Aunque la vi hace mucho, solo hoy puedo escribir algo razonable, pero lo mejor que puedo decir es véanla, cómprenla, alquílenla, lo que sea, pero no se queden sin disfrutarla, ojalá si pueden en una sala de cine y no tan lejos de la pantalla.

La cinta es la consagración de Danny Boyle como tal vez el director independiente, vigente e inglés más importante del momento, y digo vigente porque a mi gusto no hay nadie que se le acerque al maestro Peter Greenaway, quien lamentablemente ha decidido dedicarse a la docencia y dejar el cine que considera muerto y del que dice, últimamente solo produce basura. Hay que aclarar que Danny Boyle codirigió la cinta con Loveleen Tandan, una directora india, que en términos generales se encargo de hacer el casting, traducir a los actores indios y dirigir a los niños.
Y aunque muchos no saben quien es Boyle, lo cierto es que no es ningún desconocido y que él ya había vivido su momento de gloria con su segundo film Trainspotting, además a pesar de solo haber rodado 8 films en su carrera 4 de ellos han sido muy premiados.
De todas formas Slumdog Millonaire es sin lugar a dudas su obra cumbre, y no es producto de una casualidad o genialidad, es el resultado de sus experimentos, su trabajo dedicado y todo lo que ha hecho en su carrera, la influencia cinematográfica de sus anteriores films en este es notable, en especial la fotografía, manejo de cámaras y color es muy similar a su trabajo en sus dos filmes de horror: 28 Days Later y Sunshine.

La historia si se mira desde el plano general es sencilla, hasta tonta, una historia de amor imposible con un final feliz, algo extraño en las temáticas que Boyle suele llevar al cine, pero la magia de esta película es su narrativa, la inteligencia del guión, de los parlamentos, la puesta en escena, las buenas actuaciones, el humor en medio de la tragedia, la música que adorna el caos de Mumbay y ese sabor colorido y picante que deja La India en el espectador.

Jamal Malik un joven sin hogar Indio, que fue pordiosero y ladrón en su niñez, se encuentra al borde de cambiar su vida al estar a una respuesta de ganar el concurso ¿Quien Quiere Ser Millonario?, el problema es que la policía lo captura y tortura sospechando que ha hecho fraude y solo si explica de manera satisfactoria cada una de las respuestas que ha dado podrá volver a la libertad antes de que vuelva a comenzar el show. Todo lo que pasa de ahí en adelante son las mágicas vivencias de un pobre joven que solo trata de lograr su sueño: conquistar a Latika.

La cinta altamente exitosa en occidente, ha sido objeto de una tonelada de críticas por parte de la comunidad India en especial de la cinematográfica que la consideran mala, irreal y muy por debajo de las producciones Indias, en lo que más centran su ataque es en el hecho de que haya sido rodada en inglés y que no muestra la realidad de Mumbay. Lo cierto es que la obra de Boyle no es un documental, es una historia de ficción que pudo ser rodada en las favelas de Brasil o las comunas de Medellín o cualquier lugar pobre del planeta y en ningún momento trata de ser una película India, es una película inglesa realizada en la India. Boyle no es un novato y siempre ha sobrepuesto su sentido artístico al dinero o la fama, esta cinta casi no pudo ser realizada por falta de presupuesto, pero Boyle triunfó en premios, taquilla y crítica, el cine indio a pesar de ser el más prolífero (es el mayor productor de cine del mundo) y uno de los más caros, nunca ha querido internacionalizarse, sus producciones a pesar de ser hermosas e interesantes son casi desconocidas en occidente por su propia decisión, debían aprender un poco más de los chinos, quejarse menos y dejar que Boyle y esta buena camada de actores disfruten de su éxito, un éxito más que bien merecido.

Mamma Mia!

La máquina de hacer dinero Mamma Mia, un musical para adolescentes pero protagonizado por actores veteranos, basado en las canciones del grupo ABBA, confirma el porque siento mucha aversión hacia el género musical, que crei que estaba en recuperación con buenas y modernas propuestas como Dancer in The Dark, Moulin Rouge y Dreamgirls, entre otras...
Pero No!!!! a pesar de la buena interpretación de Meryl Streep quien canta bastante bien y se ve rejuvenecida y hermosa, la cinta, su argumento y las 200 canciones que se interpretan durante la misma son una completa tortura, una historia estúpida y predecible, personajes caricaturescos e irreales, más allá de las coreografías no hay nada, ni puesta en escena, ni siquiera es medianamente graciosa.

Pero los productores están tan felices con la cinta y tienen porque, siendo la producción inglesa más taquillera de la historia y el DVD inglés más vendido, lo malo: ya nos están amenazando con la segunda parte.

Stardust

Una mágica historia de amor entre un nerd del siglo ¿diecinueve? y una estrella con forma de mujer es el eje central de esta aventura. La cinta mezcla diferentes géneros y temáticas pero en términos generales el argumento es bastante absurdo y aunque fue bien recibida por el público son muy pocas las cosas favorables que deja y personalmente la encontré aburrida e infantil.

Todo sucede en Stormhold, un mágico reino escondido en una dimensión a la que solo se puede acceder atravesando un muro/portal localizado en la población rural inglesa de Wall (llamada así por el muro). La cinta hace una contextualización de personajes bastante larga y falta de ritmo y minutos más tarde nos encontramos con Tristan, un perdedor que quiere impresionar a la mujer de la que está enamorado, prometiendo traerle una estrella fugaz que vieron caer. Esta estrella es un conjuro realizado por el despiadado rey de Stormhold que acaba de morir y cuyo trono lo debe heredar el último príncipe de sangre pura que quede vivo y que además encuentre la estrella que trae consigo un rubí mágico. Pero no solo ellos van tras la estrella (Tristan y los príncipes) sino que la situación también es aprovechada por un trio de hermanas brujas encabezadas por Lamia (reina de las brujas interpretada por Michelle Pfeiffer), las brujas están interesadas porque si devoran el corazón de la estrella podrán recobrar su juventud.

Como les dije una temática traída de los cabellos y aunque parecería aceptable para una cinta infantil, lo cierto es que la película es muy romántica, sufre del mismo defecto que años atrás sufrió The Last Action Hero, que por querer abarcar mucho terminó siendo una película infantil para un público adolescente y no gustó ni a los unos ni a los otros. Además el elenco es absolutamente desperdiciado: tener a Peter O'tool, Robert DeNiro, Michelle Pfeiffer, Mark Strong y Claire Danes para semejante fiasco. Esta última es la que mejor se ve dentro de la cinta, no solo por su hermosura natural sino por que interpreta muy bien el papel de la estrella Yvaine. El caso de DeNiro es absurdo ya que la cinta se promociona con su nombre como protagonista y él mismo fue el mayor impulsor de esta, pero realmente tiene solo un papel secundario y tal vez sea una de las peores interpretaciones de su carrera. Por otra parte es agradable volver a ver a Pfeiffer tan hermosa como siempre, quien actúa bien a pesar del papel.
Stardust es otro suceso taquillero que trasciende solo gracias a una buena estrategia de mercadeo.

Hannibal Rising

Esta cinta que se anunció en Colombia desde hace meses nunca se estrenó, sin embargo la podemos ver en estos meses en el canal Moviecity. Esta historia nace del simple afán mercantilista de un productor y de la avaricia de su autor; estamos hablando de Dino de Laurentis y Thomas Harris, quien vendió al primero los derechos sobre su creación Hannibal Lecter hace muchos años. Pues bien una mañana del 2006 Dino se levantó y se dió cuenta que se podría ganar unos pesitos más si volvía a explotar la historia del doctor canibal, así que llamó a Thomas y le dijo que por favor le escribiera un guión sobre el origen del mal del doctor Lecter, el escritor se negó en un principio pero cuando Dino le dijo que si no la hacía él se lo daba a otro, este accedió.

De esta anécdota se derivan libro y película sobre la infancia y adolescencia del doctor Hannibal Lecter, una historia traída de los cabellos con más coincidencias y situaciones previsibles de las posibles, que además desdibuja notablemente al mítico personaje y lo reduce a un loco semiautista, traumado en su infancia y con un afán de venganza imparable.

Aunque el libro es mucho mejor que la cinta ya que tiene menos situaciones inverosímiles y hay una profundización mucho más amplia en los personajes, lo cierto es que para el espectador es una historia absolutamente lejana del personaje ya establecido esto es aún mayor ya que en ninguna de las cintas anteriores se toca el tema del asesinato de Misha, la hermana de Lecter, aunque este si es tratado en los libros. También es la primera vez que Lecter es el único eje de la historia, porque aún en Hannibal, donde él es el protagonista principal, la historia se amplía a las vidas de Clarice Sterling, Mason Verger y el inspector Renaldo Pazzi.

La historia además presenta algunas inconsistencias con los anteriores libros en especial es notable la edad de Lecter cuando presencia el asesinato de su hermana y su aspecto físico (en Hannibal es descrito como un hombre bajo, muy social, elocuente, gracioso y con una gran fuerza en sus brazos, mientras que aquí es alto, atlético y delgado, pero mudo, traumado, llorón y absolutamente asocial), aquí es una especie de aristócrata, con entrenamiento ninja y por arte de magia prodigio de las ciencias naturales y la anatomía.

El director de la cinta Peter Webber no tiene la culpa, el hace lo que el señor Dino le diga y pues la verdad es que su trabajo es más que satisfactorio; la caracterización de la época, el casting de actores y locaciones es bastante bueno; la fotografía e iluminación son hermosas y la música intrigante, sin embargo Hannibal Rising nos presenta a Lecter como un aburrido vengador que lvarios años después de presenciar como canibalizan a su hermana, caza a sus victimarios transformándose en el monstruo que supuestamente conocemos.

Quantum Of Solace

Tal vez es la primera vez que dentro de las cintas de James Bond se hace una segunda parte, pues Marc Foster se lanzó al agua y el resultado es una aburridísima y enredada historia de venganza.
Y es cierto, aunque esta historia tiene más escenas de acción que Casino Royale su argumento es tan confuso y mal contado, que termina es por despertar más bostezos que emociones. Aparte de Bond los demás personajes, en especial las mujeres que siempre tienen un papel importante pasan como puros extras, en ningún momento se profundiza en lo que es la organización Quantum y Daniel Craig parece más Terminator que James Bond, cero seductor, cero simpático, cero expresividad; sabemos que en este momento James Bond está triste por la muerte de su amada Vesper y furioso por la traición y engaño de la que fue víctima, pero realmente el tratamiento argumental de la psiquis del personaje es ya demasiado frío.

En la cinta no hay una continuidad real de la historia anterior y mientras Casino Royale se presentó como una Precuela de la saga completa, tratando de mostrar a la organización Quantum como una gran mantis de oscuridad, en esta se pierde ese misterio, todo queda materializado en Dominic Greene el villano que quiere dejar sin agua a Bolivia, interpretado por el gran actor Mathieu Amalric quien se nota fuera de contexto en un papel que no le sienta bien; él ya ha interpretado villanos como en Munich, pero su estilo es mucho más elegante e inteligente y se nota sobre actuado en los pantalones del iracundo Greene.

Quantum of Solace es solo otra cinta de Bond que gana en taquilla gracias al buen recuerdo de su predecesora.

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street

La sangrienta adaptación de la obra musical de Stephen Sondheim no hubiera sido tan gratamente recibida por mí, ya que en general el musical es uno de los géneros del cine que menos afecto me produce, si por otro lado no hubiera sido dirigida tan acertadamente por uno de mis directores favoritos: Tim Burton. Sin haber leído entrevistas puedo asegurar que Burton tal vez cumplió uno de sus mayores sueños ya que es un gran aficionado a los musicales y aunque ya había dirigido dos, es la primera vez que lo hace con actores reales, no con animación, así como la primera vez que lo hace con una obra reconocida.

Un hombre que fue injustamente acusado, separado de su familia y condenado de por vida, logra escapar y volver a Londres transformado en un monstruo desalmado que solo quiere saciar su sed de venganza y para esto recurre a su profesión: la de barbero, y a la ayuda de su sangrienta y práctica vecina que vende pasteles de carne. Aunque busca vengar la supuesta muerte de su esposa y el rapto de su hija por parte del corrupto juez Turpin, en su locura decide que todos son culpables y comienza a matar indiscriminadamente a sus clientes, mientras las señora Lovett se lucra al utilizar los cuerpos de sus víctimas como insumo para sus pasteles y fantasear con el amor del señor Todd. Una historia sobre lo peor de los sentimientos humanos, con un final tan trágico como el principio, pero tan sorpresivo que ni el mismo Todd se lo esperaba.

Actuaciones estupendas de Johnny Depp y Helena Bonham Carter en los roles principales; una dirección artística de gran factura que nos muestra a Londres como una extrema y sucia cloaca de tonos grises donde solo resalta el color de la sangre; La música finamente interpretada que combina a la perfección con las voces de los actores, sobre las que destaco la de Bonham Carter, fina y estremecedora a la vez. En genaral el sognido es magnífico, tal vez una de las últimas cintas que he visto con tal calidad sonora y una buena edición de principio a fin. Los efectos, en especial los de tomas de degollamiento, son de gran significancia ya que cada una posee su propia personalidad de acuerdo a la víctima de turno.

Una cinta que nos recuerda al Burton gótico, oscuro pero divertido, que nos ha llenado la imaginación de personajes parecidos y memorables. Por ejemplo el atuendo de Todd y el salón de barbería ubicado en el alar de la casa, nos manda de regreso a escenas del joven manos de tijeras.

En general la cinta es más que sobresaliente, es entretenida e inteligente tanto visual como argumentalmente. Una obra de gran valor artístico que es una bofetada para los críticos del género musical, que lo refresca pero lo sacude hacia un nuevo plano, hacia un mundo donde no hay bailarines ni vestidos de pompa, sino salpicaduras de sangre por doquier.

28 Weeks Later

Lo malo de esta cinta es que ya hay planes de hacer la tercera, lo bueno es que no es tan mala como uno podría imaginar. La secuela de la exitosa 28 Days Later, llega mucho más sangrienta, más vertiginosa, tal vez con más presupuesto, pero menos sorpresa, menos profundidad, menos humanidad y extrañamente menos terror.

Se nota que hubo un esfuerzo interesante en realización con la contratación de buenos actores, una buena utilización de locaciones, efectos especiales de altura, una fotografía convincente y aunque sea por los laditos se nota la mano de Boyle quien aunque no la dirigió, porque en ese momento filmaba Sunshine, estuvo involucrado en la realización, pero lamentablemente la historia es extremadamente plana, los personajes no están vivos el tiempo necesario como para poder crear una conexión con ellos, el argumento cae en la cinta típica de zombies pero lo peor de todo es que a pesar de ser tan gráfica no asusta, no perturba.

Aunque Boyle alista su andamiaje para la tercera entrega, la historia por lo menos en este momento no da para más y ya en la próxima cinta no habrá más virus para regar ni más cuellos para morder.

Eastern Promises

A David Cronenberg le fascina el sexo, las plagas infecciosas o deformaciones físicas y la violencia en exceso. Y aunque su trabajo en los últimos años ha dejado de lado un poco el tema sexual y el terror, cada vez explora más el tema de la violencia y nunca sus cintas han dejado el género del thriller psicológico.

El sigue desarrollando un cine personal y a sus 65 años, este canadiense es uno de los directores más provocadores, originales, polémicos y siempre exitoso. En sus comienzos a finales de los 60 y durante toda la década de los 70 su cine era calificado como basura, repetitivo, incoherente, sin tema y casi todas sus cintas fueron clasificadas como B-movies, pero la temática se repetiría una vez más en 1981 con Scanners y fue tal el éxito que se convirtió en una cinta de culto. Cronenberg es un director muy popular y aunque su nombre no es muy recordado basta con nombrar algunas piezas de su filmografía para recordarlo y darse cuenta de su estilo y grandeza: Scanners, Videodrome, The Dead Zone, La Mosca, Naked Lunch, M. Butterfly, Crash (Extraños Placeres), eXistenZ, Una Historia de Violencia y ahora nos trae Eastern Promises.

La cinta se centra en la comunidad rusa de Londes, específicamente en una familia de la mafia rusa, que se ve amenazada por Anna (Naomi Watts), una partera que solo cuenta con un diario escrito en ruso, para saber la historia de Tatiana, la adolescente que murió en su sala de hospital producto del maltrato y la explotación. El eje de la historia es Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen), el conductor del hijo del capo mayor, quien quiere ganarse el favor de su jefe para poder pertenecer a la “familia”. El resto de la historia se desarrolla de una forma inesperada e inteligente y se posa sobre las excelentes actuaciones de un elenco de actores maduros y de gran trabajo como la hermosa Naomi, el tal vez actor francés de carácter más popular del momento Vincent Cassel y la indiscutible y fantástica interpretación de Mortensen, quien se transforma en el frío y obediente asesino y conductor. La cinta que contiene gran cantidad de escenas de violencia psicológica y gráfica, requirió de Viggo un entrenamiento físico evidente, aprender a hablar ruso, manejo del cuchillo y lucha cuerpo a cuerpo. En esta película hay dos elementos poco comunes: el primero es respecto a la cinematografía y es el uso del enfoque centrado en la fotografía, algo que puede ser molesto y que prácticamente en el cine moderno no existe (se dejó de utilizar masivamente en la década de los 50) y que solo vemos en una que otra cinta más como un toque experimental o psicológico que otra cosa. La segunda curiosidad es el uso del cuchillo, a pesar de ser una cinta sobre la mafia, nunca se usan armas de fuego, todos los asesinos tanto ucranianos como rusos solo utilizan un cuchillo curvo de uso industrial. Los tatuajes y el estudio de los mismos dentro de la cultura mafiosa rusa también son parte fundamental de la trama y la música que salpica ocasionalmente las oscuras escenas está bellamente construida.

El fin de la vida de Tatiana es el comienzo de la vida de una bebé con un pasado desconocido, pero el punto de partida de una historia de venganzas y traiciones, de sangre y oscuridad y en algunos casos de perdón y bondad.

Elizabeth The Golden Age

La segunda parte (10 años después) de la exitosa Elizabeth, pone en evidencia los malos resultados de cuando se quiere explotar un producto exitoso. Cate Blanchett vuelve como la reina Elizabeth en su edad madura y en medio del conflicto bélico con España, pero la cinta se centra en un trío romántico y en embelesar la figura de la reina con un melodramatismo exasperante. El director Kapur pone la producción por encima de la historia: el detalle artístico es exagerado y la música intrusiva, pero lo peor es la tergiversación histórica y la evidente propaganda anticatólica.

Lástima que de una cinta con ese presupuesto, producción y casting no haya mucho que decir, es una segunda parte como la mayoría de secuelas, mala y exagerada.

Sunshine

Danny Boyle nos presenta un thriller psicológico de ciencia ficción donde el enemigo no proviene de la oscuridad sino de la luz, el sol como dios poderoso que nos castiga con su ausencia y que obliga a los humanos a enviar una misión espacial para lanzar una bomba a su núcleo y de esta forma evitar su extinción.

Una tripulación de científicos internacionales es enviada como última esperanza ya que el primer intento falló desapareciendo junto con la nave y los tripulantes, y digo última esperanza porque para esta segunda bomba se usaron todas las reservas de materiales inflamables de la tierra.
La cinta es del tipo Backstory ya que desarrolla su propia historia al margen de este evento mayor: en primera instancia nos muestra como el viaje, la exposición a la luz fuerte y las distorsiones espacio-temporales afectan a los miembros de la tripulación, como estos metódica y rigurosamente planeaban el ataque al sol y la vuelta a casa. pronto la nave percibe la llamada de auxilio de la primera misión y al ir a su rescate se encuentra con una nave vacía y una tripulación inmolada. De pronto la muerte se apodera de la nave y un enemigo lunático y con delirios de grandeza transforma la cinta en una historia de terror y asesinatos.

La película a pesar del buen recibimiento de la crítica fue un fracaso taquillero que solo dio pérdidas, sin embargo es un gran ejemplo de preproducción y dirección tanto de fotografía como escénica. Boyle reunió un grupo de excelentes actores internacionales y los entrenó de tal manera que pudieran adaptarse a situaciones de aislamiento y discernimiento científico: los actores fueron obligados a vivir juntos 6 meses, recibir clases de física y sobre todo acerca del sol, se les envió a experimentar gravedad cero en un avión, también un curso de buceo con escafandra y los llevaron a un viaje en submarino para que experimentaran claustrofobia, se les dio a leer libros de cosmología, viajes espaciales, conferencias sobre el futuro, etc. Así mismo la producción de la cinta fue asesorada por expertos científicos de diversas áreas y de la NASA. Sin embargo ellos mismos critican que los escritores se hayan salido tanto del límite de lo “posible” y hayan creado situaciones que no se ajustan a la realidad.

La música también es un elemento hermoso que se funde con una fotografía brillante y distorsionada que trata más de reflejar sentimientos que imágenes y que se ajusta a la psicología de cada personaje. El trabajo actoral es sobresaliente y no se podía esperar menos de un equipo de actores serios encabezado por Cillian Murphy (El viento que acaricia la pradera), cada personaje es bien definido y en ningún momento tratan de interpretar héroes sino personajes científicos y racionales.

Sunshine es una hermosa propuesta escénica, difícil de digerir, con un ritmo pesado y una fotografía por momentos extraña y envolvente, pero sin duda con escenas que recordaremos siempre.

Notes On A Scandal

Hay cintas donde los actores superan a la misma producción, ejemplos hay muchos, como la para mí, mejor interpretación en la carrera de Anthony Hopkins en The remains of the day, una interesante pero somnorífera historia sobre el amor platónico de un mayordomo hacia su compañera de trabajo. Esto mismo sucede en Escándalo, donde Judi Dench y Cate Blanchett nos deleitan con sendas interpretaciones profundas y muy convincentes.

Una historia dramática sobre la relación prohibida que sostiene una maestra aburrida de su vida actual, con uno de sus alumnos y las consecuencias de estos actos, es la base sobre la que se desprende una escalofriante historia de terror psicológico, el la que Dench destila un veneno enceguecedor y sumerge al personaje de Blanchet en un laberinto sin salida y con el fin de saciar sus fantasías reprimidas. La voz de Dench como narradora principal y sus parlamentos mordaces pero refinados son insuperables, su postura, rigidez y movimientos no son casuales sino el resultado de un gran ejercicio histriónico, por otro lado Blanchet destella inocencia, belleza, pasión y una fragilidad que aveces enfierecen. La cinta demás cuenta con una buena producción de cámaras, iluminación, sonido y personajes secundarios. Tal vez la única falla es la historia misma, con situaciones por momentos poco creíbles y una escena final para olvidar a menos que queramos aprender lo que es un cliché.

Premios y nominaciones para dos actrices que se siguen consagrando año tras año.

28 Days Later (2003)

Dos películas de terror en una, además con dos finales distintos, uno complaciente y otro Más exigente. Las historias las conocemos aunque no se habían visto juntas: la infección que vuelve zombis a los habitantes del Reino Unido, los cuales son puestos en cuarentena y finalmente una persecución a muerte dentro de un castillo en medio de una tormenta.

Dos historias conocidas pero con un tratamiento técnico y artístico sobresaliente: una convincente y hermosa reproducción en estudio de Londres abandonada; convincentes y justas actuaciones, sin heroísmos exagerados y una musicalización como solo Boyle le agrega a todas sus películas.