Sunshine

Danny Boyle nos presenta un thriller psicológico de ciencia ficción donde el enemigo no proviene de la oscuridad sino de la luz, el sol como dios poderoso que nos castiga con su ausencia y que obliga a los humanos a enviar una misión espacial para lanzar una bomba a su núcleo y de esta forma evitar su extinción.

Una tripulación de científicos internacionales es enviada como última esperanza ya que el primer intento falló desapareciendo junto con la nave y los tripulantes, y digo última esperanza porque para esta segunda bomba se usaron todas las reservas de materiales inflamables de la tierra.
La cinta es del tipo Backstory ya que desarrolla su propia historia al margen de este evento mayor: en primera instancia nos muestra como el viaje, la exposición a la luz fuerte y las distorsiones espacio-temporales afectan a los miembros de la tripulación, como estos metódica y rigurosamente planeaban el ataque al sol y la vuelta a casa. pronto la nave percibe la llamada de auxilio de la primera misión y al ir a su rescate se encuentra con una nave vacía y una tripulación inmolada. De pronto la muerte se apodera de la nave y un enemigo lunático y con delirios de grandeza transforma la cinta en una historia de terror y asesinatos.

La película a pesar del buen recibimiento de la crítica fue un fracaso taquillero que solo dio pérdidas, sin embargo es un gran ejemplo de preproducción y dirección tanto de fotografía como escénica. Boyle reunió un grupo de excelentes actores internacionales y los entrenó de tal manera que pudieran adaptarse a situaciones de aislamiento y discernimiento científico: los actores fueron obligados a vivir juntos 6 meses, recibir clases de física y sobre todo acerca del sol, se les envió a experimentar gravedad cero en un avión, también un curso de buceo con escafandra y los llevaron a un viaje en submarino para que experimentaran claustrofobia, se les dio a leer libros de cosmología, viajes espaciales, conferencias sobre el futuro, etc. Así mismo la producción de la cinta fue asesorada por expertos científicos de diversas áreas y de la NASA. Sin embargo ellos mismos critican que los escritores se hayan salido tanto del límite de lo “posible” y hayan creado situaciones que no se ajustan a la realidad.

La música también es un elemento hermoso que se funde con una fotografía brillante y distorsionada que trata más de reflejar sentimientos que imágenes y que se ajusta a la psicología de cada personaje. El trabajo actoral es sobresaliente y no se podía esperar menos de un equipo de actores serios encabezado por Cillian Murphy (El viento que acaricia la pradera), cada personaje es bien definido y en ningún momento tratan de interpretar héroes sino personajes científicos y racionales.

Sunshine es una hermosa propuesta escénica, difícil de digerir, con un ritmo pesado y una fotografía por momentos extraña y envolvente, pero sin duda con escenas que recordaremos siempre.

The Incredible Hulk

Algo se trae Marvel entre manos y ese algo es una versión de The Avengers para el 2011, por eso ya está preparando terreno con cintas como Iron Man y la nueva versión de Hulk, no se nos haga raro ver próximamente versiones cinematográficas de Captain America o Thor, quienes también hacen parte del equipo de héroes.

Esta cinta que en un comienzo fue pensada como segunda parte de la realizada por Ang Lee, gracias a Edward Norton fue totalmente cambiada y relanzada como una nueva versión, menos psicológica pero con mucha más acción, la cinta nos presenta la historia de persecución bastante influenciada por la serie de televisión de los 70s: Se utiliza la melodía de piano cuando Banner camina y hace autostop, los ojos de Banner se tornan verdes antes de transformarse, Lou Ferrigno hace la voz y gritos de Hulk (además aparece brevemente como celador), la máquina del laboratorio donde sufre el accidente es igual a la utilizada en la serie, se hace una reconstrucción del accidente de Banner tal cual se hacía al principio de cada capítulo de la serie, etc.

En términos generales es mejor que su predecesora, el monstruo es mucho más realista y humano, no un ente que solo tira cosas, se podría decir que en lo único que se equivoca esta entrega es que no se ve realmente una preocupación de Banner por su situación, simplemente sigue una rutina para controlarla y pasar desapercibido, pero nunca hay ese deje de insatisfacción y dolor interno que si han transmitido otras versiones. Otro punto a favor es que al final Hulk se enfrenta a un enemigo a su altura, no simplemente a soldados que no le hacen daño. Norton como siempre, serio y distante; Liv Tyler decepciona con un personaje entre tierno y tonto pero William Hurt y Tim Roth se roban el show como los villanos.

En una cinta de estas no hay que dejar de lado los efectos especiales, muy buenos, por cierto y acompañados de una iluminación estupenda. La cadencia de la cinta está bien manejada y aunque es vertiginosa en casi todo momento, está bien fundamentada y siempre es cíclica, haciendo que tenga buenos espacios para respirar y descansar de la acción.

Hulk es un monstruo sensible y en algunos casos con humor, la cinta no defrauda y sin superar a Iron Man es propicia para una tarde de acción y aventura.

Requiem

La mayoría de críticos no aceptarían nunca que de dos películas sobre el mismo tema, la primera un thriller de terror y misterio americano y la otra una película dramática alemana con gran enfoque artístico, sea la primera mucho mejor que la segunda, esto pasa con The Exorcism of Emily Rose y Requiem.

Hans-Christian Schmid nos entrega esta ladrilluda historia que solo dura 90 minutos pero que se estira y se hace eterna hasta la desesperación del espectador. La cinta basada también en el exorcismo de Anneliese Michel nos cuenta la historia de Michaela Klingler, una muy hermosa joven alemana que ha sufrido toda su vida de una epilepsia progresiva y que a sus 21 años ingresa a la universidad y justo en su primer año de colegiatura la enfermedad que había sido controlada en casa se vuelve a desatar. Ella abandona el tratamiento médico debido a su ineficacia convencida de su posesión y comienza a ser tratada espiritualmente a través de exorcismos por dos sacerdotes.

Schmid trata de profundizar en el debate espiritual-científico, además de ubicar la cinta en un ambiente muy cercano al de la historia real con una ambientación estupenda de la Alemania de los años 70. El mayor acierto de la cinta es tal vez mostrar la intimidad de una joven muy religiosa que empieza a descubrir el mundo, el amor, la libertad, la música (por cierto una muy buena selección de rock de la época), pero que tiene que enfrentar socialmente sus problemas mentales. La cinta debate mucho sobre el aspecto médico de los sufrimientos de Michaela y sobre el conflicto moral que representa la seguridad de la casa vs. la libertad de crecer vs. su fanatismo religioso, pero es precisamente por lo largo de estos debates que básicamente la cinta se queda flotando en el nudo y nunca tiene un desenlace, es hora y media en la que se habla mucho pero al final no queda nada y para el espectador la cinta termina abruptamente, aunque la cadencia es tan lenta y falta de emociones que lo último que uno quiere es que dure más, además la técnica documental de cámara en mano no cumple el objetivo de hacer más real o sensible la historia, y en una historia de drama resulta incluso molesta, aunque los primeros planos si son bastante interesantes y ayudan en las escenas profundas y en la interiorización de los personajes.

Para recordar los hermosos paisajes de las colinas alemanas y las actuaciones soberbias de la mayoría de actores menos de los sacerdotes, pero sobre todo la de Sandra Hüller, hermosa, muy sensible y profunda, una gran calidad en esta actriz formada en el teatro que tiene un aire a Cate Blanchett y que por su interpretación ganó el Oso de plata del festival de Berlín, así como la de Burghart Klaußner actor que interpreta a un padre cariñoso, comprensivo, fuerte y decidido.

Requiem es un claro ejemplo de cuando el llamado cine arte es solo una etiqueta de venta.

Mr Brooks

Esta es una de esas buenas ideas echadas a perder por tratar de abarcar demasiado. Mr Brooks, interpretado por Kevin Costner, es un exitoso hombre de negocios quien también es una especie de asesino serial con ansia de retirarse y que lleva dos años en Alcohólicos Anónimos para calmar su patología.

Esta vez Mr Brooks no se puede resistir y por un descuido se ve envuelto en un chantaje por parte de un pervertido que quiere aprender a matar. Este es el tema central, sin embargo la cinta se pierde en varias historias paralelas como la de la detective interpretada por Demmi Moore, amenazada por un convicto que ha escapado y por su esposo que piensa desfalcarle en el juicio de divorcio; la hija de Mr Brooks embarazada y que mató a hachazos a un compañero de clase; historias que no aportan pero si hacen desviar el hilo del argumento principal.
Otro error en el que cae el argumento es en el de mostrar a Mr Brooks como un psicótico en vez de como un psicópata, que sería el mal que sufren los verdaderos asesinos en serie, el personaje en cambio se arrepiente a toda hora de lo que hace, reza, jura y rejura que lo va a dejar, es un gran padre y esposo considerado, etc. lo único que tiene de asesino en serie es hacer rituales cada vez que mata a alguien, otra falla es que es demasiado consciente de lo que hace.

Tal vez lo más interesante de la historia es la conciencia asesina de Brooks: Marshall, interpretado de buena manera por William Hurt, un personajé irónico, descarado, pero que cae bien y refresca la inexpresiva actuación de Costner.
La cinta además carece de cadencia, en algunas escenas parece una cinta de acción pero en la mayoría, una mezcla de suspenso, drama psicológico y familiar.

Mr Brooks se arrepiente de sus asesinatos y yo de perder dos horas viéndola.

North Country

La fórmula novelera gringa vuelve y juega: una injusticia que termina en un largo juicio, el débil que lucha contra el poderoso e indolente, litros de lágrimas y cuando todo se cree perdido un milagro que lo cambia todo.

La hermosa directora neozelandesa Niki Caro nos trae una historia basada en el juicio que redefinió las leyes de acoso sexual y también de ambiente laboral para las mujeres en USA. Aunque uno podría creer que es un gran tema, la historia se desvirtúa con el exceso de melodrama, heroísmo, y clichés a los que nos somete Caro, eso sin contar la introducción de la historia, tan larga, aburrida y fuera de contexto que no aporta nada más que 20 minutos de bostezos.

Los puntos a favor de la cinta son claramente las actuaciones brillantes de la mayoría de actores, en especial de Frances McDormand y Charlize Theron quien confirmó en un papel mucho más real que el de Monster que es una actriz a tener en cuenta. La producción es bastante buena, la ambientación de la mina y los años 80s es impecable, la música acorde y nada empalagosa. Del plano argumental lo único rescatable es que todos los personajes se definen con precisión y son bastante creíbles.

North Country solo nos deja la bella imagen de Charlize, fuerte y decidida en medio de una comunidad fría y un paisaje de nieve y carbón.

El hombre de arena

La primera película de un director siempre está llena de sorpresas, buenas o malas, pero en el caso de esta cinta del español José Manuel González, son excelentes. Este director debutante nos regala una historia sencilla, bien contada, enmarcada en una hermosa fotografía y puesta en escena, así como un trabajo de iluminación notable.

El argumento es la narración de una historia de amor en medio de la intolerancia y el dolor: Mateo, un inconforme que es condenado en los años 60 por la ley de vagos y maleantes que imperaba en España, a pasar una condena injusta en un hospital psiquiátrico, devuelve la vida y alegría a los habitantes de este lugar y vive una historia de amor que no puede ser con una de las internas. Y es esta unión el eje de una hermosa historia; la lejana ternura y extraña belleza de María Valverde, como Lola, una mujer con mucho dolor y el alma rota por los abusos de los que fue víctima, se complementa de forma fantástica con el afán de libertad y orgullo del soñador Mateo (Hugo Silva). Pero alrededor de ellos una serie de personajes bien definidos se ganarán el cariño y en otros casos el odio de los espectadores, cada uno de ellos con un rol definitivo en la historia y por que no, con su propio discurso, muy especial sobre todo el personaje llamado El francés, interpretado por Samuel Le Bihan, espectador, testigo, amigo, pero sobre todo sorpresa tras sorpresa en cada una de sus intervenciones.

Buenas actuaciones, mucho sentimiento, mucho humor, pero sobre todo un argumento sólido y una dirección limpia, es el regalo que este director nos trae y que esperamos siga por una buena senda cinematográfica y así como su personaje Mateo que no quiere ser un hombre de arena que se lo lleve el viento, sus cintas sigan siendo personales y fuertes como esta.

Citizen Kane

Esta cinta solo la he visto 3 veces en la vida, la última el día de ayer, pero solo falta verla una vez para entender su magnitud. Para la crítica es la mejor cinta de la historia, para los historiadores el llamado segundo momento más importante de la historia del cine, para todos el gran ejemplo a seguir.

Orson Welles, un actor de teatro de 24 años sin ninguna experiencia en el cine y lanzado a la fama por una versión radial tipo noticiero de La guerra de los mundos que causó caos y paranoia, se aventura a realizar, dirigir y protagonizar una historia donde ironizaba y criticaba ferozmente al magnate de las comunicaciones del momento: el multimillonario William Randolph Hearst.

Rosebud, la última palabra pronunciada antes de morir, por el magnate Charles Foster Kane, es el eje central de una investigación periodística, que recorre la vida de este hombre con el único fin de hallar el significado de esta. ¿Qué o quién es Rosebud? ese es el misterio que todos quieren saber.
Kane, un hombre educado para el éxito, la ambición y los negocios, es un ser solitario que no sabe amar, incapaz de sentir pero que busca por todas las formas que lo acepten y lo amen. Manipulador de la opinión y la sociedad, incendiario sin escrúpulos que consume a todas las personas que se le acercan y que al final escapa de una sociedad que considera imperfecta, creando su propio reino de lujo e infelicidad.

Sin embargo, la importancia de esta cinta no radica en su argumento, que es bastante bueno, sino en el gran logro alcanzado por Welles, quien definió la forma de hacer cine desde ese momento al utilizar técnicas ya creadas de forma eficiente y prestando gran detalle a la producción así como al montaje, que para ese entonces no existía o si existía era un recurso puramente técnico más no conceptual. Iluminación del expresionismo alemán, técnicas documentales y propagandistas del cine ruso, utilización de grúas en las cámaras, efectos y movimientos de cámara, profundidad de campo, narración implícita, gran uso de efectos de sonido, escenografías completas y techadas, maquillaje y caracterización cronológica, una historia vista desde el punto de vista del narrador y contada de forma inversa. Todo esto finalmente se amalgamó en un gran montaje, donde la cadencia, los efectos, las transiciones y el sonido, transitan de manera fluida aportando carácter, emoción y sentido a la historia.

Orson Welles creó lo que se llama la espiral argumental que es la que define si una cinta es buena o no, básicamente la espiral la conforman todos los elementos técnicos y artísticos que giran alrededor de la trama, estos deben alimentar la trama de forma eficiente sin sobrepasarla o sobreponerse a esta, pero tampoco sin deficiencias, de esta forma todos los elementos por ejemplo un movimiento de cámara, deben tener un significado, producir una emoción, involucrar al espectador o reforzar el argumento.

Welles nunca pudo superar su ópera prima. Aunque en sus siguientes obras se nota madurez y un mayor conocimiento, siempre será recordado como la imagen del cine, como el gran Ciudadano Kane.

La Sconosciuta

En su última cinta Giuseppe Tornatore se aleja de su conocida temática melancólica y nos trae un thriller de suspenso, violencia psicológica y física.
La historia de Irena, una mujer traumatizada, exprostituta esclavizada y sometida a los más crueles vejámenes que busca su propia idea de liberación materializada en una pequeña que cree que es su hija. Irena hará todo lo posible por llegar hasta ella, ganar su cariño y ayudarla, aunque realmente como lo dijo el propio Tornatore lo que busca es "reconquistar un pedazo de su vida echado a perder".
Irena no escatima en recursos para lograr su cometido y no le importará pasar por encima de nadie, aunque la sombra de su pasado nunca la deja y la sigue buscando venganza.

Una sólida y fría interpretación de Irena hace la actriz rusa Ksenia Rappoport, quien solo se desvanece en presencia de la niña, a la que ama y que padece de una extraña enfermedad que ella le ayuda a superar. A propósito de esta niña, Clara Dossena, es un gran descubrimiento, una promesa que cumple el reto de una interpretación difícil y profunda. Los demás actores son viejos conocidos del cine italiano quienes en general hacen interpretaciones intensas y misteriosas.

La cinta, es muy moderna en su fotografía, la cual se mezcla de forma excelente con la música clásica y electrónica gracias a la dirección del maestro Ennio Morricone, tomas rápidas, recuerdos perturbadores, primeros planos de gran expresividad y un implacable violín que desgarra y estremece. El único punto desconcertante de la cinta es como se desamarran lo nudos argumentales. De todas formas la cinta ganadora de 5 premios Donatello (el equivalente italiano del oscar), es una gran muestra de manejo escénico y dramático por parte de Tornatore y el debut internacional de una actriz que esperamos seguir viendo.

Iron Man

Lo mejor de esta película es su héroe, Iron Man, pero sobre todo Tony Stark quien es tal vez el héroe más realista y más interesante de todo el espectro Marvel y DC comics. Tony Stark tiene todas las características de los villanos: millonario, inquieto, derrochador, mujeriego, arrogante, egocéntrico, trabaja en la industria bélica, pero si lo pensamos bien, si existieran los superhéroes en la vida real, serían personas de estas características, porque quien más podría vivir de esto, solo un millonario, con acceso al poder, a las armas y a la tecnología. Héroes como los X-Men, Superman y hasta Batman son solo idealismos, personas traumatizadas, exconvictos, fracasados, mutantes, extraterrestres y todo ese oscuro pasado que rodea a los superhéroes suena bonito pero Tony Stark no sufre de nada de eso a pesar que es huérfano, bueno aunque más adelante en el comic Tony se vuelve alcohólico pero es más por su tipo de vida (y por darle algo de morbo de parte de los escritores) que por otra razón. Esto me recuerda lo bien recibida que fue la personalidad de Peter Parker en la última entrega de Spiderman, cuando empieza a ser influenciado por Venom, un tipo arriesgado, conquistador y eufórico.

La cinta recrea muy bien los comienzos del héroe, en un ambiente actual, los efectos son muy realistas y muy bien manejados, el único deje es que debido a que Tony dura casi toda la película creando su traje las escenas de batalla son más bien pocas, algo que se pudo haber condensado ya que Obadiah Stane crea el Iron Mungle como en 5 minutos. Las únicas diferencias notables con el comic es que Pepper Potts no usa minifalda y que Stark al final revela su identidad, algo que no pasa en el comic.

Las actuaciones aunque se centran en los personajes de Tony y Obadiah son buenas: Robert Downey Jr. sorprende al salirse de sus encasillados papeles dramáticos, incluso revela un trabajo físico importante al subir en su masa muscular y es bastante imponente y cómico. Jeff Bridges sufre una transformación al mostrarse rapado y con barba, casi irreconocible y muy bien caracterizado como villano. los demás personajes salen poco aunque me imagino que cobrarán mayor relevancia en las siguientes entregas, a propósito, esperen a que se acaben los créditos para salirse de la sala. Hasta el robot Baba sale bien librado en su interpretación como la mascota-ayudante de Stark.

Una cinta divertida, muy entretenida, con una producción impecable y una gran cantidad de humor, incluso que sirve para la reflexión sobre la industria armamentista y los efectos de la misma.

Children Of Men

Una trágica historia sobre la esperanza.
Basada en el libro de P.D. James, Alfonso Cuarón nos trae una muy buena cinta que se podría clasificar como una road movie. Situada en el año 2027, nos muestra como una pandemia ocurrida 18 años antes dejó a a los humanos (a las mujeres, aunque en el libro es a los hombres) infértiles y como el caos se ha apoderado del mundo, siendo Inglaterra el único gobierno que se sostiene persiguiendo a inmigrantes y refugiados, aunque amenazado por los Fishes (un grupo insurgente de oposición que vela por los derechos de estos) y también por grupos musulmanes que ya se han tomado casi todo Estados Unidos.
Theo Faron un activista alcohólico y fracasado es contactado por su ex-esposa (la lider de los Fishes) para ayudar a Kee, una inmigrante africana, a pasar la frontera y poder llegar a la embarcación Tomorrow, donde un grupo de activistas y científicos trabajan por conservar la especie. Lo trascendental del asunto es que Kee es la primera mujer embarazada luego de 18 años.

Cuarón nos cuenta esta historía a través de una magnifica producción escénica, un gran elenco encabezado por Clive Owen, y una cinematografía exquisita, Cuarón buscaba que la cinta no respondiera interrogantes a diferencia del libro e hiciera pensar a los espectadores básicamente en el tema central que es la esperanza, no quería una historia complaciente ni repetitiva sino que los espectadores tuvieran que leer entre líneas, la cinta hace clara apología al nacimiento de Jesús y otras referencias cristianas y religiosas como la palabra Shanti, utilizada por la gitana que les ayuda y al final de los créditos y que significa paz interior. También es antifuturista ya que no nos muestra un futuro hi-tech, sino una propuesta más cercana y contemporánea, recordándonos un poco a la Naranja Mecánica. Las escenas de guerra son muy urbanas, utilizan cámara del tipo documental y nos referencian sobre todo a películas como Rescatando al soldado Ryan o Black Hawk Down. Otro punto inmportante en su producción es la afición de Cuarón por las Single-shot sequences (Secuencias largas grabadas en una sola toma), una técnica arriesgada y difícil para los actores que no están acostumbrados a ellas y que en este caso son mucho más difíciles ya que los actores tienen que interactuar con CGI y por lo tanto requieren coreografías con cosas que no existen mucho más largas y complejas.

El tema es bastante bueno, muy de moda (I Am Legend, cintas de catastrofes o virus mortales) y casi que rayando en el cine de terror ya que los protagonistas van muriendo uno a uno mientras continúa el road. Un tema de esperanza en medio del caos, de la última luz para la humanidad y porque no, del tema de la inmigración que es tan complejo y actual.

Perro Come Perro

Es la ópera prima del director Carlos Moreno, quien viene del mundo de la publicidad y los videos, una nueva producción de RCN después de su exitosa pero insulsa Paraiso Travel. Una película que existe hace mucho pero por cosas del mercado hasta ahora se estrena, eso si con toda la parafernalia de los medios de comunicación.

Perro Come Perro nos trae una historia de traición y más traición, robos, muerte, venganza, brujería y toda la truculencia imaginable; La decisión de Victor Peñaranda, un sicario amargado y con problemas sentimentales, de robar a su patrón, será la bola de nieve que desencadena muerte tras muerte y litros de sangre desparramados por la pantalla. El tema es muy sencillo, altamente utilizado incluso en cintas tan aclamadas como No Country For Old Man, pero de todas formas repetitivo y absurdo. Esta cinta se destaca más por su producción y actuaciones que por otra cosa. Aunque muy merecido el premio que Marlon Moreno ganó en Guadalajara por su actuación, es de destacar las interpretaciones de: Blas Jaramillo (El orejón); Alvaro Rodriguez, quien con su descarado humor marca el ritmo de muchas de las escenas; Paulina Rivas, una actriz natural que sorprende con su sólida interpretación de la bruja Iris; pero sobre todo la profunda y oscura interpretación de Oscar Borda como Eusebio, sicario compañero de Peñaranda quien es atormentado por la venganza y la magia negra.

La cinta nos muestra escenarios naturales, muy urbanos, sucios y contemporáneos del Valle Del Cauca, un manejo exagerado de la cámara en mano pero muy acertado cuando de primeros planos y detalles se trata; es notorio el uso de story board para las tomas.
Una coloración manipulada que no transmite ningún significado, un excesivo uso de la música (aunque hay que destacar que la banda sonora y sobre todo el tema principal de Superlitio son muy buenos). En general es una cinta de buena producción pero llena de clichés técnicos y argumentales, muy superior a su antecesora (Paraiso Travel) en casi todos los detalles pero inmadura en su cinematografía y espiral argumental, ya que a pesar de su ritmo, buen humor, escenas surrealistas e hiperrealistas, es una cinta donde no se resuelve ninguno de sus nudos, donde no se llega a ningún lado.

Perro come perro es un acertado esfuerzo de un director novato, un viaje truculento pero entretenido a las peores expresiones humanas, también es uno de los últimos legados (junto con su papel de sacerdote en Satanás) de Blas Jaramillo quien murió en Agosto del año pasado y quien siempre se destacó por su imponecia escénica y profesionalismo.

The Painted Veil

Una hermosa adaptación (la tercera) de la novela de W. Somerset Maugham, una historia de amor profunda y de antaño enmarcada en los extraños y solitarios paisajes de la china rural.

El castigo de una infidelidad obliga a Kitty a acompañar a su esposo a una localidad china infestada de pobreza y epidemias. En medio de su desespero ella se ofrece como voluntaria en un orfanato católico donde conocerá a su esposo por medio de su bondad, buenas obras y cariño por los niños y la comunidad. El amor despierta en sus vidas con pasión y honestidad, pero acompañado de la tragedia y el dolor.

Hermosa fotografía llena de luz, paisajes deslumbrantes y grandes planos, sirven de fondo para la clásica hermosura de Naomi Watts, para la dura y estudiada postura de Edward Norton y para un guión consistente, con diálogos acordes a la temática y la época.

Una historia de amor de principios del siglo 20, amor que se cree, amor que se esconde, que se descubre, se pierde y vibra de pasión sobre la profunda y emotiva musicalización que le mereció varios premios a Alexandre Desplat.

10 Items Or Less

Una cinta muy barata, con una historia muy sencilla, con un elenco reducido y que básicamente no generó ganancias, nos presenta una muy divertida historia sobre la cotidianidad y el deseo de superación.

Morgan Freeman se representa a si mismo y lo hace muy bien, hasta tiene la misma ropa que le vemos en todas las entrevistas y sirve como guía entrometido, espectador despistado y manipulador despiadado de la vida de Scarlet Morales, una muy frustrada inmigrante española y cajera de supermercado, representada por la hermosa Paz Vega. Freeman la conoce porque supuestamente viajó a los barrios pobres de Los Angeles para aprender el oficio de Administrador de minimercado que interpretaría en una cinta. Sin embargo la vida y personalidad de Morales lo cautiva y juntos emprenden una aventura citadina de un día, en la que Freeman busca dejar algo bueno en la vida de esta mujer.
Diálogos inteligentes, buenas actuaciones, extras con parlamentos graciosos y una moraleja final, hacen de esta cinta una agradable puesta en escena, muy original y llena de buenos momentos.

A propósito esta película ha sido reconocida como uno de los “momentos más significantes del cine”, debido a que fue la primera cinta de la historia en ser autorizada para descargarla gratuitamente en la web mientras se encontraba en cartelera.

Notes On A Scandal

Hay cintas donde los actores superan a la misma producción, ejemplos hay muchos, como la para mí, mejor interpretación en la carrera de Anthony Hopkins en The remains of the day, una interesante pero somnorífera historia sobre el amor platónico de un mayordomo hacia su compañera de trabajo. Esto mismo sucede en Escándalo, donde Judi Dench y Cate Blanchett nos deleitan con sendas interpretaciones profundas y muy convincentes.

Una historia dramática sobre la relación prohibida que sostiene una maestra aburrida de su vida actual, con uno de sus alumnos y las consecuencias de estos actos, es la base sobre la que se desprende una escalofriante historia de terror psicológico, el la que Dench destila un veneno enceguecedor y sumerge al personaje de Blanchet en un laberinto sin salida y con el fin de saciar sus fantasías reprimidas. La voz de Dench como narradora principal y sus parlamentos mordaces pero refinados son insuperables, su postura, rigidez y movimientos no son casuales sino el resultado de un gran ejercicio histriónico, por otro lado Blanchet destella inocencia, belleza, pasión y una fragilidad que aveces enfierecen. La cinta demás cuenta con una buena producción de cámaras, iluminación, sonido y personajes secundarios. Tal vez la única falla es la historia misma, con situaciones por momentos poco creíbles y una escena final para olvidar a menos que queramos aprender lo que es un cliché.

Premios y nominaciones para dos actrices que se siguen consagrando año tras año.

Los hijos de Húrin

El año pasado fue anunciado con bombos y platillos el “nuevo” libro del fallecido JRR Tolkien. Todos los amantes de la literatura Tolkeniana nos preguntamos si era otra avanzada comercial de su hijo Christopher quien a sus 84 años no pierde oportunidad para esculcar en los bolsillos de su padre para ver si encuentra una nueva nota tachada y publicarla. Aunque con mucha desconfianza por fin compré el libro, me encontré con una obra que tiene un cuerpo central muy bien redactado, emocionante, trágico y gustoso. Lo más agradable del libro es que la historia es corta y se puede leer de una sola sentada (a pesar de la complejidad y cantidad de nombres), algo para nada común en la obra de Tolkien, también hay que sumar las hermosas ilustraciones en blanco y negro de Alan Lee, artista que ha acompañado la la tierra media mucha veces y que ha creado el imaginario gráfico de los mundos y personajes del Arda.

El libro comienza con una poco necesaria introducción en la que Christopher trata de contextualizar a los lectores nuevos dentro de la primera edad, los personajes, etc y además trata de explicar de donde vino el texto y como fue editado. Esto sería de gran ayuda si hubiera sido bien escrito, pero la narrativa es tan incongruente y desordenada que parece dictada por un borracho y confunde más de lo que explica. Afortunadamente para los que creían que el cuerpo de la historia había sido escrito por él, la introducción nos demuestra que es tan mal escritor que solo su padre pudo dar vida a los diálogos y situaciones narrados.

La novela nos trae una versión dialogada de la historia de Húrin, héroe de la primera edad, pero se centra sobre todo en la maldición que Morgoth lanzó sobre su prole y cuyo ejecutor fue su propio hijo Turin, y es en este personaje en el que recae la mayor parte de la trama, tanto así que tras su muerte no se aclaran los destinos de Húrin y otros personajes importantes. A pesar de que Túrin no fue un personaje lleno de hazañas (la más importante fue matar a Glaurung, padre de todos los dragones), su historia es tan detallada y trágica que fue una de las tres grandes leyendas creadas por Tolkien que fueron retomadas por éste durante toda su vida; las otras dos fueron la historia de Berén y Lúthien, que es contada brevemente en El Señor de los Anillos y la tercera es la Caída de Gondolín. Estas tres historias fueron además los poemas más extensos desarrollados por Tolkien en idioma élfico y podemos encontrarlas en su totalidad en el Silmarillón.
La historia aunque trágica es hermosa y nos habla del destino del hombre, de su impaciencia y codicia y transcurre en un universo de grandes reinos y ejércitos, de bestias y poderes muy malignos, un imaginario mucho más mágico que el de El señor de los anillos o el Hobbit (que fueron escritos rápidamente y se posan sobre la tercera edad en la que los reinos existentes, en su mayoría de hombres, solo son un reducto producto de la caída de los grandes reinos élficos y posteriormente de Númenor).

Túrin es el portador de la tragedia, de una maldición que afecta reinos enteros y sobre todo a sus seres queridos; venganza, heroísmo, honor, dolor, incesto, el bien y el mal en constante desafío. Los Hijos de Húrin es un buen ejemplo de ese universo de leyendas inagotables que a través de la magia nos transportan a grandes batallas pero que siempre dejan un mensaje entre líneas.

Away from her

Una hermosa cinta canadiense sobre como una pareja de 45 años de matrimonio afronta la separación a causa del mal de Alzheimer que comienza a ser evidente en Fiona y los conflictos emocionales que esto deriva en Grant, el esposo.
Interesante visión de una historia de amor y comprensión, cuyos matices y tumbos son marcados de manera impredecible por los cambios que la enfermedad hacen mella en la personalidad y decisiones de ella y como su esposo solo puede amoldarse y convertirse en un espectador que sufre.

Gigantesca interpretación de Julie Christie como Fiona, siempre tan hermosa y bien puesta, siempre dura y cariñosa, una mujer que acepta la pérdida de memoria y escoge sumirse en esta antes que seguir viviendo una vida que poco a poco desaparece. Increible la hermosura y postura de Julie a quien no es fácil reconocer por los años que se posan en su piel y cabellera y además que la última vez que la vimos en una gran interpretación, aunque ha hecho muchas otras cintas como Dragonheart, fue en American Gigolo como coestrella junto a Richard Gere, y nunca la olvidaremos como Lara en Doctor Zhivago. Que bueno el regreso de esta actriz y que buenos los premios y nominaciones de los que ha sido merecedora. También es un placer ver de nuevo a Olympia Dukakis en un papel entre frío y cómico.

Para destacar la fotografía llena de luz y paisajes fríos, como una metáfora de la soledad creciente entre los protagonistas y la hermosa música de piano que salpica agradablemente en segmentos de la cinta.

No Country For Old Men

Esta cinta no ofrece nada de lo que el espectador espera, no es complaciente, su narrativa es difícil y su concepción confusa, aclamada por la crítica pero que genera en el público menos que un disgusto o rechazo.

Esta es una película que deja más interrogantes que respuestas, pero el principal es: una obra de arte debe ser complaciente con el espectador?, creo que la respuesta debe ser no, sin embargo mucha gente al comprar un ticket asume que su dinero automáticamente genera un sentido de apropiación sobre la obra y que esta debe satisfacerlo. El cine es un arte y aunque la mayoría de películas no le hagan honor a esta frase, sigue siéndolo y una obra solo debe tener sentido y apropiación para su propio autor en, este caso los hermanos Coen. El público debe asumir su lugar y observar, pero no puede juzgar solamente bajo el fundamento personal de gusto o disgusto.

Basada en un libro (y según dicen los que lo han leído es una reproducción bastante fiel del mismo), No country for old men es en términos generales un gran ejercicio visual; la historia se centra en la explicación de un Sheriff del sur de Estados Undos (Tommy Lee Jones) de los hechos que lo llevaron a su jubilación, y tal vez este es el punto que genera discordia ya que debido al método que se utiliza, el público no entiende que es una narración puramente reflexiva sobre este hecho y que es el Sheriff el protagonista de la cinta. La confusión narrativa se incrementa debido a que este personaje aparece por mucho como un simple espectador, no se sumerge en la trama (casi que la evita) y solo se atraviesa en ella ocasionalmente, mientras que los personajes de Brolin y Bardem, llevan consigo más del 90% del contexto argumental.

La cinta nos entrega una muy buena fotografía y recreación de los años 70 en los estados sureños y la frontera con México, pero su peso real son las estupendas actuaciones de los tres protagonistas, quienes se transforman instintivamente en los personajes que interpretan. Sin lugar a dudas la acogida que Bardem ha tenido en los medios es bien merecida. Esto además es reforzado gracias a que en el montaje se evita totalmente la utilización de música, lo que hace que el público pueda apreciar más a conciencia la caracterización física e interiorización de los actores.

Anton Chigurh no puede saciar su sed de sangre y se introduce como mensajero de la muerte en un círculo de violencia que se incrementa minuto a minuto y que se nutre de una guerra entre carteles y una persecución mortal. Una cinta con escenas de mucha violencia gráfica, oscuras y tensionantes secuencias de suspenso, acción y gran cadencia en los primeros dos tercios, abismo y decepción en el último.

Anton Chigurh es inseguro, inhumano, letal y muchas veces divertido, pero lamentablemente para el público Anton Chigurh es quien realmente se atraviesa en la vida del Sheriff Tom Bell, contándonos una historia fría pero emocionante.

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Bueno, más allá de la cinta y haciendo un poco de abogado del diablo: 3 hombres en la lejanía, una historia de muerte y ambición, un sheriff, una maleta llena de dinero, muertes en la carretera, asesinos que se mueven en autos robados, los hermanos Coen, cero música, un final incierto, nominaciones al Oscar...
estamos hablando de FARGO?

Y finalmente un agradecimiento a Bardem quien no solo nos complace de corazón con su interpretación sino con su estupenda pronunciación del inglés, ojalá les recomiende el curso que hizo a Banderas y a su novia Penélope Cruz quienes llevan años tratando y no han podido.

The Exorcism of Emily Rose

Una cinta interesante basada en los sucesos que se desencadenaron luego del exorcismo y muerte de una joven alemana llamada Anneliese Michel en 1978.
La película construye un argumento propio, con una historia parecida a la original pero actual y norteamericana, cargada de efectismos argumentales y audiovisuales y que se debate entre las cintas de juicios, el drama moral y el cine de horror.

La historia comienza tras la muerte de Emily aparentemente a causa de los descuidos sufridos durante y tras su exorcismo y cubre el juicio realizado al padre Richard Moore acusado de homicidio involuntario. La cinta nos muestra ambos puntos de vista, el racional y el espiritual tratando de argumentar los alegatos de una y otra parte, como trasfondo nos presenta además, una historia de la lucha de fuerzas ocultas que influyen peligrosamente en la vida de los protagonistas.

Buena producción y maquillaje (Los efectos especiales fueron basados únicamente en maquillaje), un sonido estremecedor y una muy física y buena actuación de Jennifer Carpenter como Emily, quien fue capaz de desprender gemidos tan impresionantes en casi toda su interpretación así como extrañas flexiones y movimientos de articulaciones en las escenas de genuflexiones y rigidez.

Emily era una mujer enferma o estaba poseída por los seis demonios que ella misma argumentaba?, era una mártir o simplemente una mujer traumatizada ególatra y sensible? El pensamiento diferente y las necesidades espirituales deben estar regidas por leyes y explicaciones científicas? un buen debate en una cinta poco trascendente, que no es tan interesante como la vida en la que estuvo basada pero que es lo suficientemente entretenida y bien realizada para ver una noche de domingo y no cambiar el canal.

The Bucket List (Antes de partir)

Sentimientos encontrados me genera esta cinta, por un lado un producto totalmente comercial, totalmente del mainstream norteamericano, por otro una cinta bien hecha con un muy buen desarrollo argumental, divertida y aleccionadora.

Cuando pensamos en las cintas que le gustan al pueblo americano, vemos un modelo repetitivo, cintas complacientes, repletas de escenas hilarantes y trágicas, lecciones de superación, del amor que lo puede todo, de la justicia que triunfa sobre el mal... y los ejemplos pululan y no solo de cintas de Estados Unidos sino de otras latitudes, claro, hechas con dinero gringo para público gringo (Forrest Gump, La vida es bella, Amelie, Milagros Inesperados, Titanic y la lista continúa y continúa). Antes de partir es un producto de estos: los últimos días de dos hombres que lo único que tiene en común es su deseo por encontrarse así mismos a través de una aventura en la que cumplirán sus sueños y pretenden no esperar la muerte postrados en una cama. Como es de esperarse al final lo que cuenta son las acciones sencillas que superan el esplendor y regocijan el espíritu.

Sensacionales actuaciones de Jack Nicholson y Morgan Freeman, que realizan una interpretación sin esfuerzo pero entera, con la misma base y método que utilizan normalmente en sus papeles: Un Nicholson arrogante, excéntrico, cruel, refinado y burdo a la vez, lleno de excesos y desafiante, y Freeman humilde pero inteligente, mesurado, analítico, con buen gusto y una sonrisa cargada de inocencia. El guión se mueve entre la comedia y el drama médico, enseñándonos un poco sobre el cáncer invasor, por lo menos desde el punto de vista del sufrimiento, también nos deja ver algunas maravillas del mundo y en general es muy bien llevado, buena iluminación y fotografía y un final inesperado complementan de buena forma la cinta.

Antes de partir es un producto digerible, que nos cuenta una historia muchas veces contada pero tal vez con un refinamiento y arte mucho mejor, una cinta que extrañamente no vemos en las nominaciones al Oscar, tal vez llego tarde a la competencia, pero ha recibido algunos galardones en otras premiaciones, una cinta suave con moraleja ideal para pasar el rato pero nada más.

Paraíso Travel

Año nuevo, fiasco nuevo…
Otra vez como ocurrió en el 2007, RCN nos quiere vender la “mejor película del año” y tienen razón, Paraíso Travel es años luz mejor que la truculenta y espantosísima tragicomedia Esto Huele MAL (MUY MAL), pero que no nos metan los dedos a la boca, esta es una cinta técnicamente suficiente pero cinematográficamente llena de falencias y desaciertos, lo malo del asunto es que a la gente se le vende la idea de que va a ver un producto muy bueno, cuando lo ven cree que es cierto (si se le compara con lo que siempre les han ofrecido) y cuando salen quedan convencidos de su excelencia, lamentablemente esto es falso, es una mera ilusión mediática y todavía nos falta pero mucho para llegar a la excelencia, aún con propuestas de gran factura como Satanás. Paraíso es lo que es y nada más: otro intento de un director de videos de hacer una película con todo el efectismo propio de un video musical y dejando de lado el lenguaje propio del cine.

NO hay mucho que decir: malas actuaciones, un argumento con todos los clichés tanto técnicos como interpretativos que uno se pueda imaginar, un John Leguizamo tan desperdiciado que uno se pregunta porque aceptó ese papel, unos vacíos argumentales gigantescos, como las coincidencias tipo ley de murphy que le pasan al protagonista a cada rato (se encuentra con todo el mundo en New York menos con la que está buscando, entre muchas otras); personajes innecesarios y con historias no contextualizadas: el loco del edificio, el cubano/boricua, la mamá de Reina, el personaje de Leguízamo; a esto sumémosle el efectismo melodramático: escenas de sexo puramente efectistas, la cámara en mano con ángulos cerrados y desenfoque premeditado; flashbacks excesivos y que no son congruentes con la línea del guión (salen porque si) ni tampoco tienen un inductor (recuerdos, sueños, pesadillas, reflexiones), esto recuerda un poco el desorden narrativo de El Paciente Inglés; Y una musicalización constante sin espacios. A propósito de esto último, algunos dirán que es un elemento interesante, pero la verdad es que cuando se utiliza en demasía y sin ser parte de lo que se llama el espiral argumental para lo único que sirve es para tapar falencias actorales o volver más lacrimógena alguna escena, no se donde Brand encontró tanta música de Sigur Ros, hermosa por cierto, para llenar tanto hueco pero lo hizo sin darle un respiro al espectador o un espacio silencioso y reflexivo a algún actor. Y ni hablemos de los clichés de siempre: la caleña fácil, los paisas ladrones y emprendedores, el gringo pervertido, el american dream, la ramplonería idiomática de mal gusto de siempre, el doble sentido del colombiano, los ladrones chicanos, solo faltó un pastuso para completar el chiste, claro esto no es culpa del director sino de Jorge Franco y su club de admiradores quienes lo consideran un buen escritor.

Algunos puntos a favor son las buenas actuaciones del protagonista y de la mexicana Ana de la Reguera, quien es bastante natural y profunda en su interpretación de Milagros. Una buena edición final, limpia con buen sonido y ningún altibajo. Extrañamente dentro del contexto argumental lo más interesante son precisamente los flashbacks, donde se inmersa al espectador en la esta odisea que es pasar ilegal a través del hueco y no del hueco corto desde México sino del largo desde otros países de Centroamérica. La cinta cuenta con secuencias divertidas, en especial gracias al talento de Múnera y Leguízamo, hermosas mujeres y en general es bastante agradable a la vista, urbana, sucia, interesante en lo visual.

Paraíso Travel no es ningún paraíso, solo un ejercicio cinematográfico gracioso pero totalmente intrascendente, esperemos al próximo mes para ver la nueva “mejor película del año”.

I Am Legend

Francis Lawrence no trae una nueva versión de la historia del último hombre en una tierra habitada por zombies.La importancia de la novela original es que ha sido la base por más de 50 años de las historias apocalípticas sobre plagas que convierten a la gente en zombies, muertos vivientes o vampiros y que ha sido de gran inspiración para varios directores, los cuales han creado prácticamente un género a partir de esta temática como George Romero.

La cinta cuenta con la buena actuación de Will Smith, y la muy plana pero de moda Alice Braga. La producción se aleja bastante de la historia original y el guión falla en la forma como contextualiza al espectador a través de flashbacks lentos dejando grandes vacíos en la explicación de los hechos; no se hace una diferenciación entre los zombies y los "aún vivientes" que son los que salen a la calle y el final realmente no explica el verdadero significado de la frase "Soy Leyenda", que le daría un vuelco total a la historia tal y como lo pretende la novela original. Aunque la cinta ha sido catalogada dentro del género acción la verdad es que el guión es tan inconexo que fácilmente se mueve por el terror, el suspenso e incluso el drama.

La producción por su parte fue bastante ambiciosa y para esto trasladó la historia a New York, donde el sentido de soledad se puede sentir con mayor intensidad. La edición de la cinta es impecable y el manejo de sonido excelente creando el ambiente perfecto para introducir al espectador en un ambiente de angustia, soledad y desesperación. Los efectos especiales dejan mucho que desear sobre todo en el aspecto de los zombies y sus perros, los cuales no asustan y parecen salidos de un videojuego.

Soy leyenda aunque no desagrada en lo absoluto, deja un sin sabor de que el resultado pudo ser mucho mejor.

Aliens vs. Predator: Requiem

Mientras que las cintas de Predator siempre estuvieron dentro del genero acción-ciencia ficción, las de alien siempre se movieron entre el cine fantástico de horror, algunas con más acción que otras; AVP Requiem lleva las dos criaturas dentro del subgénero gore (más gráfico pero menos profundo) y como en todas estas cintas nos muestra un grupo de personas (siempre con adolescentes incluidos) que huyen, gritan, corren, pero siempre terminan sin cabeza.

Aunque la cinta continúa donde termina su predecesora, lamentablemente parece una B-Serie, actores desconocidos, diálogos malogrados y demasiada oscuridad. Las secuencias de acción no son buenas, los personajes no se desarrollan lo suficiente y no se pueden apreciar a plenitud las criaturas en especial la híbrida. Es una lástima ver como se desperdicia una exitosa franquicia a través de un producto de baja calidad.

Les Triplettes de Belleville

Una hermosa cinta animada, ganadora y nominada a múltiples premios internacionales en el 2004, que recrea la historia de Champion, un ciclista francés secuestrado por la mafia y llevado a Belleville (una parodia de New York), en donde su abuela, su perro y las trillizas, tratarán por todos los medios de hallarlo.

La cinta se burla con gran acierto de los estereotipos de franceses y americanos y nos brinda una historia sencilla pero rica en fantasía y humor. La película no utiliza diálogos pero si un gran manejo del sonido gracias a la combinación de pantomima y efectos especiales, mostrando una gran influencia de las cintas de Jacques Tati. Respecto a la gráfica utiliza un estilo totalmente retro, influenciado especialmente por las cintas animadas de los años 30, en algunos casos con secuencias surrealistas que recuerdan las cintas de Betty Boop, pero contextualizada en un ambiente más moderno (años 60 o 70), con colores cálidos, hermosas texturas y una iluminación de excelente factura.

Chomet nos demuestra una pieza de originalidad absoluta, apta para todo público, con humor fino y belleza en cada detalle, una cinta arriesgada que no cae en las cursilerías de Disney ni en el ya poco imaginativo animé japonés.

30 Days of Night

El conocido director de videos David Blade nos presenta esta muy bien realizada cinta basada el el primer libro de la saga 30 Days Of Night, que trata sobre el ataque de vampiros a la población de Barrow, Alaska, durante los días que permanece en la oscuridad.

La cinta tiene un comienzo largo, aburrido e incoherente, el cual no sirve para contextualizar de forma efectiva la trama de la misma, pero solo basta esperar a que comience la matanza para que la historia tome forma y nos sumerja dentro de la misma. Aunque la cinta pertenece al sub-género gore y toma muchos elementos de las películas de zombies de este tipo (en algunos tramos recuerda 28 days later), es un gran ejemplo de originalidad artística y de creatividad dentro del mito vampírico, mostrándolos como seres ajenos al humano, como bestias insaciables con su propia filosofía de vida (racistas, puritanos y sectistas).

Un film con altibajos como las convincentes actuaciones de Josh Hartnett y Melissa George, pero planas actuaciones del resto del elenco que se evidencian aún más gracias a diálogos repetitivos y muy pobres. Pero como retribución, Blade que viene del mundo de la música, nos deleita con una edición perfecta, apoyada sobre una clase magistral de la utilización del sonido como elemento vital de la trama, aunque la cinta goza de un gran casting de locaciones, muy buena producción artística, hermosa iluminación (o ausencia de esta) y una fotografía con planos memorables (el barco anclado en la nieve, la coreográfica matanza vista desde el cielo, la muerte de billy, etc), el sonido es el que conduce, asusta, estremece, atormenta, calma, intriga, un sonido que fluye a través de una mezcla excelente de cadencias profundas y entrañables, trayendo como remembranza del trabajo de Ridley Scott en Alien.

30 Days es una cinta que aunque un poco subestimada por la audiencia, debutó en su premier como número uno en USA y sin contar con una gran historia, ni tampoco pretendiendo asustar hasta los huesos, no puede ser catalogada como una cinta más de terror, sino como una pieza de gran factura que ningún amante de las historias de vampiros se puede perder.

Beowulf

Una calificación justa para una cinta a medias cuyo mayor logro es en la parte técnica, al lograr por fin que una cinta realizada con la técnica motion-capture, lograra el realismo necesario para transmitir sentimientos, en especial es de destacar lo logrado con los ojos que ya no parecen muertos ni espectrales. Por lo más es una cinta de entretenimiento puro, con algunos vacíos en la cadencia y gran exhuberancia en su sonido y escenas de acción, que puede resultar entretenida y con una historia creíble para las personas que no han leído el poema Beowulf. Sin embargo el guión está plagado de lugares comunes, diálogos de baja factura y una increíble tergiversación de la historia hasta el punto de convertirla en menos que un chiste, haciendo que a veces uno crea estar frente a otra secuela de Shrek.

La historia es “novelizada” a tal punto que el 80 % de lo que sucede en esta, jamás pasa en el libro original, pero lo peor es que el sentido de caballería y honor que es la fuente de inspiración del escrito antiguo, es cambiado por lujuria y avaricia, esto aunque pueda parecer poco importante para algunos, es indiscutible que la película desinforma sobre todo a los niños (recordemos que la cinta a pesar de sus escenas con contenido sexual, lenguaje vulgar, apología a la violación de mujeres y excesos en litros de sangre digital es apta para todo público), quienes podrán tomar por literal el guión sin la oportunidad de leer nunca el libro.

Zemeckis desperdicia la oportunidad de realizar una pieza cinematográfica con la trascendencia de El Señor de Los Anillos y se conforma con una versión burlesca y vertiginosa de la historia original, la cual afortunadamente es fácil de olvidar.

Transylvana

Un hermoso viaje al interior de un ser y su búsqueda por algo que aunque no está definido se podría llamar la felicidad.

Tony Gatlif escribe y dirige una historia sin trama concreta, pero llena de magia, sentimientos y musicalidad, una cinta francesa que transcurre en una semi-rural Transilvania, mostrándonos una cultura que se aleja del concepto clásico europeo al que estamos acostumbrados y que forma una amalgama del folklore húngaro, rumano, sajón y gitano.

Zingarina que se funde en la oscuridad mientras huela la chaqueta de su amado; Los gritos de dolor que superan la algarabía del festival popular; El feto pintado sobre el vientre tatuado; Marie en absoluta soledad maldiciendo el mundo con un poema; Un exorcismo fraudulento pero eficaz; La lámpara de bohemia que ilumina el bosque; Una receta rápida para preparar ensalada; El oso que interrumpe la escena de sexo y muchas otras secuencias inolvidables y poéticas es lo que nos deja esta película enmarcada en una fotografía de gran factura, una iluminación íntima y evidente pero sobre todo una musicalización ininterrumpida y álgida, interpretada por protagonistas, extras o la banda sonora y editada sin sobresaltos, que nos muestra la alegría de este pueblo y la profundidad de los sentimientos de Zingarina, Marie y Tchangalo.

Un regalo a la vista y el arte es la actuación de la hermosa Asia Argento, tan inmersa en su papel que parece maldita, borracha, perdida. Transylvania es un buen ejemplo de cine de autor, difícil de clasificar pero fácil de disfrutar.