Bridge to Terabithia

Josh Hutcherson es el actor adolescente tal vez con mayor proyección del momento, comenzó su carrera a los 10 años en el 2002 y cada vez protagoniza más cintas taquilleras, tal vez la más conocida sea Viaje al centro de la tierra con Brendan Fraser, pero la verdad son bastantes: Zathura, Little Manhattan y muchas otras.

Pues bien, El mundo mágico de Terabithia, como se conoce en Latinoamérica es una cinta estrenada a finales de 2007, con Josh como protagonista; él interpreta a Jess, un niño con tendencias artísticas y un don para dibujar, a su escuela llega Leslie, una hermosa niña con una gran imaginación que se vuelve la burla de sus compañeros, pero poco a poco, conquista el corazón de Jess y juntos se convierten en grandes amigos. Con los dones creativos de ambos, convierten un bosque cercano a su casa en un reino mágico llamado Terbithia donde todas las tardes viven grandes aventuras. Todo va bien hasta que ocurre un accidente y toda la magia se convierte en dolor, desde ese momento Jess deberá superar el sufrimiento y volver a vivir.

La historia que está basada en un libro es hermosa, no es para nada complaciente y es un ejercicio interesante sobre todo para el público infantil que pocas veces tienen la oportunidad de ver películas duras dirigidas a ellos. Es evidente la influencia de las Crónicas de Narnia, aunque en esta historia no hay batalla épicas, sino un profundo estudio de la amistad, la pérdida y el dolor, así como la hermandad y la crueldad infantil. AnnaSophia Robb en su papel de Leslie enamora a cualquiera, es tan alegre y optimista, pero sin caer en el cliché idealista de siempre. La banda sonora es también muy interesante y los paisajes de Nueva Zelanda una vez más sirven de fono para una historia de fantasía.

Terbithia es creatividad, compañerismo, no es un mundo irreal sino la fantasía que todos quisimos crear y vivir para escapar de la realidad y poder cumplir nuestros sueños.

Stardust

Una mágica historia de amor entre un nerd del siglo ¿diecinueve? y una estrella con forma de mujer es el eje central de esta aventura. La cinta mezcla diferentes géneros y temáticas pero en términos generales el argumento es bastante absurdo y aunque fue bien recibida por el público son muy pocas las cosas favorables que deja y personalmente la encontré aburrida e infantil.

Todo sucede en Stormhold, un mágico reino escondido en una dimensión a la que solo se puede acceder atravesando un muro/portal localizado en la población rural inglesa de Wall (llamada así por el muro). La cinta hace una contextualización de personajes bastante larga y falta de ritmo y minutos más tarde nos encontramos con Tristan, un perdedor que quiere impresionar a la mujer de la que está enamorado, prometiendo traerle una estrella fugaz que vieron caer. Esta estrella es un conjuro realizado por el despiadado rey de Stormhold que acaba de morir y cuyo trono lo debe heredar el último príncipe de sangre pura que quede vivo y que además encuentre la estrella que trae consigo un rubí mágico. Pero no solo ellos van tras la estrella (Tristan y los príncipes) sino que la situación también es aprovechada por un trio de hermanas brujas encabezadas por Lamia (reina de las brujas interpretada por Michelle Pfeiffer), las brujas están interesadas porque si devoran el corazón de la estrella podrán recobrar su juventud.

Como les dije una temática traída de los cabellos y aunque parecería aceptable para una cinta infantil, lo cierto es que la película es muy romántica, sufre del mismo defecto que años atrás sufrió The Last Action Hero, que por querer abarcar mucho terminó siendo una película infantil para un público adolescente y no gustó ni a los unos ni a los otros. Además el elenco es absolutamente desperdiciado: tener a Peter O'tool, Robert DeNiro, Michelle Pfeiffer, Mark Strong y Claire Danes para semejante fiasco. Esta última es la que mejor se ve dentro de la cinta, no solo por su hermosura natural sino por que interpreta muy bien el papel de la estrella Yvaine. El caso de DeNiro es absurdo ya que la cinta se promociona con su nombre como protagonista y él mismo fue el mayor impulsor de esta, pero realmente tiene solo un papel secundario y tal vez sea una de las peores interpretaciones de su carrera. Por otra parte es agradable volver a ver a Pfeiffer tan hermosa como siempre, quien actúa bien a pesar del papel.
Stardust es otro suceso taquillero que trasciende solo gracias a una buena estrategia de mercadeo.

The Day the Earth Stood Still

Es una lástima que a los críticos de cine les paguen por su trabajo, pienso que ver y hablar sobre cine es un placer y que lamentablemente muchas de estas personas solo tratan de destrozar todas las cintas porque de esta forma despertarán más sonrisas y lectores gracias a su sarcasmo.
Este remake de la legendaria película de los 50 ha sido masacrado por la crítica, pero de las más de 20 que he leído aún no encuentro un comentario razonable o real de lo que esperaban de la cinta. La mayoría concuerda en que la cinta es una vil reproducción de la primera y que no aporta nada, que no debió ser hecha nunca. Pero seamos objetivos, yo creo que un remake es simplemente una nueva recreación de una misma cinta, en este caso aprovechando los avances tecnológicos se recrea de una forma más actual y convincente una historia de ficción, haciéndola más accesible a públicos jóvenes que no han visto la cinta original. Por que seamos sinceros, no creo que ni el 10 % de la población actual haya visto la cinta original, yo la vi afortunadamente hace más de 10 años y aunque es cierto que esta cinta no le aporta nada a la anterior (y no creo que debería hacerlo) tampoco lo quita mérito.

La historia nos habla de la llegada de Klaatu, un extraterrestre cuya misión es la de destruir la raza humana y sus obras, tratando de salvar el planeta de una extinción propiciada por la mala administración del hombre. En su viaje Klaatu trata de contactar a los líderes mundiales para realizar una negociación, pero no lo logra, su decisión es finalmente cambiada debido a que las personas que lo ayudan le demuestran la capacidad de bondad de los humanos.

La cinta trata temas de gran profundidad como la ecología, el cambio interior, la unión social, entre otros, también sin duda es una metáfora religiosa ya que Klaatu es una representación de Jesús, un personaje que se sacrifica y cuyo ser es parte de una trilogía evidente entre él, la esfera y Gort (el autómata).

Sobre las actuaciones no hay mucho que decir, digamos que son consecuentes de sus personajes y bueno, pedirle a Keanu Reeves que actúe pues es perder el tiempo. Los efectos especiales son otra historia, espectaculares y creíbles; este Gort es mucho más impresionante que el primero (que apenas alcanzaba los 2 metros de altura) y la idea de usar esferas hechas de una sustancia viva es muy interesante y más adecuada que el conocido platillo volador plateado de la primera versión.

El día que la tierra se detuvo es una cinta de ación y ficción profunda, sensible y bien realizada, un espectáculo visual que rinde homenaje a una de las historias de postguerra más populares del cine.

El Baño Del Papa

Es extraño ver una película uruguaya en Colombia, más aún saber que ha ganado premios en el país y que ha sido seleccionada a Cannes. Bueno por estos días podemos disfrutar de esta sencilla pero divertida y muy humana historia, sobre personas humildes, sus sueños, sus miserias, su vida.

El baño del papa es una historia compuesta, con una trama principal y otra de fondo que se entrelazan y terminan en una mismo punto; nos ubicamos en Melo, una ciudad de Uruguay fronteriza con Brasil en 1988, la ciudad vive prácticamente de la industria textil pero sobre todo del contrabando a través de los quileros (contrabandistas en moto o bicicleta que recorren una dificil ruta para traer mercancías a la ciudad, siempre por encargo) y tras el anuncio de la visita del Papa Juan Pablo II, todos los ciudadanos ven una oportunidad económica única, la cual es avivada por los medios de comunicación que se vuelcan a la ciudad y que anuncian con bombos y platillos la llegada de más de 50000 brasileros y de esta manera inflan las ilusiones de los Meleros quienes invierten todo su capital en la producción de comida y souvenirs para el gran evento.
Beto, un padre de familia trabajador, cuyo sustento se basa en los viajes que puede realizar a diario, sueña con comprar una moto y de esta forma poder asegurar mejor su futuro, viendo las ideas de sus vecinos, decide que con tanta comida el mejor negocio sería la construcción de un baño público. Para poder realizar la inversión Beto comienza a trabajar para quien no debe y el sino de tragedia comienza a asomar en la vida de Melo.

Además de una buena historia, los directores Enrique Fernández y César Charlone profundizan en sentimientos como la amistad, la familiaridad, la lealtad, la corrupción y la bondad de la gente sencilla y trabajadora. La música también nos trae una gran sorpresa, compuesta por Luciano Supervielle y Gabriel Casacuberta de Bajo Fondo, es un excelente complemento para la trama. Los actores por su parte son extraordinarios, aunque no estoy informado sobre si son actores naturales o profesionales, cumplen a cabalidad sus papeles, sin exageraciones ni melodramatismos, pero si con una naturalidad impresionante.

La cinta nos presenta un país que desconocemos, paisajes y lenguaje diferente, pero la necesidad de siempre, de salir adelante, de pensar en el futuro y como esta ilusión es explotada por quienes pueden y al final termina en una dura realidad, donde los sueños se convierten en dolor y la promesa de algo mejor se derrumba como piedras.

El Nido Vacío

Deliciosa cinta argentina de Daniel Burman, un viaje imaginativo por la relación de una pareja madura que afronta una pequeña crisis cuando los hijos se van.

Tal vez la mejor película que personalmente he visto este año, una obra sólida y fluida de principio a fin donde la cinematografía, la música y la actuación (Oscar Martínez natural y gracioso, Cecilia Roth más hermosa y seductora que nunca) son una sola, no un complemento, sino una sola masa deliciosa y perfumada que va del drama al humor, de la realidad al surrealismo, de Argentina a Israel y que nos deja una extraña enseñanza que se insinúa muchas veces en el desarrollo de la cinta: la verdad es solo aquello que creemos recordar así no lo hayamos vivido.

There Will Be Blood

Esta película es de una belleza tal que puede estar a la altura de obras maestras del cine y porque no ser una de ellas. Paul Thomas Anderson nos deleita con esta historia escrita por él mismo aunque basada en una novela llamada Oil!.

La historia narra el ascenso de Daniel Plainview, un minero de grandes ambiciones que cuenta con suerte durante el boom de petróleo en California y gracias a su trabajo y codicia se convierte en un magnate del mismo. Un ser solitario cuya única meta es ser el mejor, el más exitoso y porque no, el único, sin importar que tenga que hacer ni por encima de quien tenga que pasar él lo logrará. También nos narra su relación con su hijo adoptivo H.W. y su supuesto hermano Henry, pero sobre todo el fino hilo conductor de la historia es su relación con los hermanos Sunday, en especial con Eli, un fanático pastor cristiano tan ambicioso como Plainview pero sin la sagacidad y experiencia de este.
El éxito de Daniel Plainview crece proporcionalmente a su locura y ambición, volviéndolo cada vez más aislado e infeliz y terminando cada una de estas relaciones con dolor y tragedia.

El arte de la película es asombroso, una época reconstruida a la perfección, una aridez que reseca la garganta del espectador, una banda sonora tan estremecedora como los pensamientos de Plainview y unas secuencias cinematográficas inolvidables, para mi gusto la secuencia del incendio en la torre es majestuosamente fotografiado.

De Daniel Day Lewis no se puede esperar menos, un papel sobresaliente y con una personalidad única, producto del estudio y la preparación y una voz que no parece las suya, profunda, simple y sin acentos.

Este director ya nos había sorprendido en cintas como Boogie Nights y Magnolia, pero There Will Be Blood es más que una consagración, un producto que trasciende las taquillas y se quedará para siempre en la historia del cine.

Shine a Light

Un agradable homenaje a la banda más importante en la historia del rock, una película que pude ser el testigo del punto más alto y tal vez culminante de una vibrante historia musical de más de 40 años.
Y no es un homenaje cualquiera sino una cinta de buen presupuesto con una calidad técnica impresionante y realizada bajo la lente del exitoso Martin Scorsese.
En esta cinta se pueden apreciar varias cosas, como por ejemplo el hecho de que cineastas consagrados en su etapa madura les nace la espina de realizar documentales; un trabajo con menos ataduras al estudio, mucho más barato, con un público diferente y muchas veces con un resultado exitoso: Wenders, Cameron, el fallecido Pollack, entre otros, han incursionado en el campo y aunque Martie ya lo había hecho se podría decir que este es el único que ha alcanzado fama mundial, claro, es indiscutible que esta banda es ganadora en cualquier escenario, incluso en la taquilla de un cine.
El film aunque se anunció en Colombia jamás se estrenó y es una lástima porque en cine la sensación y el audio deben ser impresionantes. A mi me tocó conformarme con comprarlo en iTunes, que aunque la calidad es buena, se queda corta ante la magnitud de la obra.

Decir que esta película es un documental es casi un desacierto, es básicamente un film en el que se exhibe un concierto de los Stones a beneficio de la fundación Clinton durante la gira A Bigger Bang Tour y que fue rodada en el New York City's Beacon Theater en octubre del 2006. La cinta es salpicada muy de vez en cuando con fragmentos de entrevistas desde sus inicios y que culminan con una especie de pulso entre Keith Richards y Ronnie Wood en el que bromean mientras deciden cual de los dos es mejor guitarrista y al final concluyen que ambos son muy malos pero que juntos suenan muy bien. Afortunadamente esto es solo el 5% de la cinta, mientras el otro 95 es el excelente espectáculo en el que la banda lo da todo, y en el que Martie ratifica que es un genio de la producción.

El único desacierto de todo el montaje fue definitivamente el público, a leguas se veía que no había un solo Rollinga en la audiencia, aunque esto era inevitable ya que al ser un show benéfico y al que asistieron la familia y amigos de Bill y Hillary Clinton no se podía esperar más. Además esto se acentuó ya que fueron muy pocos los Hits populares que interpretaron y más bien se dieron un paseo por el blues, el folk y hasta el country, es decir nadie se sabía ninguna canción.

De todas formas esto no importó, eran Mick Jagger y su combo dándolo todo. La banda se completó con músicos de gran calidad, por un coro de 3 mujeres newyorkinas e invitados especiales de reconocida fama.

Los puntos más altos del show fueron sin duda All Down The Line donde Jagger casi se desbarata bailando, la hermosa interpretación de Connection por Keith Richards que sin duda era el más carismático de los 4, Satisfaccion ya que realmente fue la que más hizo bailar al público (la única que se sabían); pero lo mejor fue la interpretación que hicieron junto a Buddy Guy de Champagne & Reefer, un verdadero homenaje al blues sureño américano, donde podemos ver a los 3 guitarristas retándose mutuamente y estos a su vez retando a Jagger quien interpreta magistralmente la armónica.

Esta es una cinta para disfrutar; fotografía, montaje y sonido de gran calidad, 4 músicos consagrados que no bajan la guardia sino que dan un paso más a la excelencia y un director que está más allá del bien y del mal y nos regala un buen momento de rock y mucho poder.

Zwartboek (La Lista Negra)

Paul Verhoeven es un director holandés que a lo largo de su carrera en Hollywood ha venido dando tumbos entre éxitos super taquilleros y fracasos rotundos. Esta vez retorna a su patria para escribir y filmar una cinta que a pesar de problemas financieros, quebrantos de salud de Verhoeven y una querella en los estrados judiciales con su protagonista, finalmente dio la luz en el 2006 para convertirse en la cinta holandesa más exitosa en taquilla en la historia de ese país, aunque también la más costosa.

La lista negra es un thriller de espías salpicado de humor, música, sexo y romance; narra la historia de Rachel Stein una joven y rica judía holandesa quien en los últimos años de la segunda guerra es víctima junto con su familia y otros judíos de una trampa de la que ella es la única sobreviviente. Luego de esto se convierte en Ellis de Vries y se une a la resistencia primero en servicios domésticos y luego en contra inteligencia; su misión es meterse en las sábanas de Ludwig Müntze comandante de la división Nazi en los países bajos y descubrir todos sus secretos, pero ella terminará enamorada de un hombre que resulta no ser tan malo como parecía. La historia se enreda a cada segundo y la telaraña que cubre a Rachel cada vez es más densa y difícil de escapar.

La cinta es bastante intensa, su cadencia es fluida, la trama es atrapante y la producción de gran calidad, sin embargo en la historia pululan las coincidencias, los clichés de siempre, el maniqueísmo que nos muestra a nazis malos y judíos victimizados, y una supuesta resistencia llena de héroes y patriotas sacrificados, en los parlamentos de Rachel son evidentes las frases de cajón y en algunas secuencias recuerda las cintas transgresoras por lo general italianas de los 70 en las que siempre se muestra al régimen nazi en situaciones sexuales y vejámenes absurdos, aquí aunque no es tan gráfico vuelven a recaer en esto.

Dos puntos importantes de la cinta son la Excelente actuación de la protagonista Carice van Houten, quien no solo es demasiado hermosa sino creíble, graciosa y profunda. El segundo punto es la música que se podría dividir en dos: las interpretaciones de clásicos alemanes e ingleses por parte de la misma van Houten, ya que su ella asume la identidad de una supuesta cantante retirada y se convierte en el alma de las fiestas nazis. Y por otro lado la música incidental, muy bien realizada y que es un homenaje a las cintas y series clásicas de suspenso y policiacas ya que manejan este mismo sonido y ritmo frenético.

La lista negra es entretenida, bien hecha, no muy profunda pero interesante, una cinta de acción y de época para pasar una buena tarde.

Michael Clayton

Esta historia la hemos visto varias veces: la lucha de un héroe anónimo o de una víctima contra una super corporación, contra millones de dólares y toneladas de poder, sin embargo que pasa cuando es precisa mente alguien que pertenece a ese mismo poder y sabe muchos secretos oscuros la persona que desafía a la potencia. Esta es la historia de Arthur Edens (Tom Wilkinson) uno de los prestigiosos representantes y abogados de la corporación U-North, empresa que afronta una millonaria demanda por posible envenenamiento de aguas con un herbicida producido por ellos y que al parecer produce cáncer. Arthur conoce a las víctimas, se enamora de una de ellas y decide ponerle fin a la mentira de la que él ha hecho parte, tratando de hacer público un memorando de una auditoría en la que se comprueba la culpabilidad de la empresa.

El problema es cuando otra de las abogadas jefes de la firma (interpretada por Tilda Swinton), siente que Arthur se convierte en una amenaza y debido a su inseguridad decide tomar medidas extremas para detenerlo. Por otro lado el jefe de la firma Marty Bach (penúltima interpretación de Sidney Pollack antes de morir), amigo de Arthur por 30 años recurre a Michael Clayton un abogado cuya función es ser un proveedor de recursos y solucionador de problemas quien además es amigo personal de ambos para que encuentre a Arthur y lo haga entrar en razón.
Michael Clayton no es el protagonista central de la historia sino un testigo neutral que minuto a minuto se ve involucrado en una conspiración de poder de la que no quiere hacer parte y finalmente lo hace estallar.

Buenas interpretaciones de los 4 protagonistas, sin exageraciones ni pretensiones. Una historia con un nudo bien formado y lo suficientemente fuerte para llegar al final con el mismo nivel de intensidad, a pesar de ser una cinta de abogados no cae en el aburrimiento ni los estrados judiciales, tiene la acción y el misterio suficiente para amarrarnos a la silla.

Rec

El cine fantástico, que reúne a los géneros de terror y ciencia ficción es el porque del cine como manifestación pública, es decir, el cine se creó para mostrarnos cosas que no existían, aventuras sin límite y entretenernos exaltando nuestras emociones. Esto nos da como conclusión que el éxito de una cinta de terror debe ser directamente proporcional a la cantidad de gritos, sobresaltos y angustia que genere en el público, incluso en reacciones más extremas como los desmayos o las nauseas. Ejemplos hay muchos en la historia del cine, como en el estreno de El Exorcista donde las personas hacían fila una y otra vez para volver al teatro y desmayarse. Pues bien, desde que tengo memoria nunca había compartido sala con una audiencia realmente conmocionada, nunca había escuchado tantos gritos, incluso había personas que pedían que por favor mataran rápido a todos los protagonistas para que la cinta se acabara, y no lo hacían porque estuvieran aburridos o se quisieran ir, simplemente el terror era tal que para algunos era insoportable.

Esta cinta española de bajo presupuesto y con una temática nada original (una mezcla de La Bruja de Blair y Resident Evil pero en un edificio de Madrid), es un hit total, un golazo creativo que se anotaron sus directores Jaume Balagueró y Paco Plaza, quienes producen una magnífica pieza de horror gracias al manejo de iluminación, sonido y una cámara subjetiva que es testigo en primera persona del 100% de la acción.

Angela, una periodista de un programa nocturno y su camarógrafo Pablo, se unen a un escuadrón de bomberos para documentar lo que es una noche el cuartel y las vivencias de estos. Angela acompaña al escuadrón a lo que se supone es una misión rutinaria para forzar la puerta del apartamento de una anciana que al parecer se ha accidentado y que grita encerrada en su habitación.
Todo parece normal hasta que junto con un par de policías logran entrar al apartamento y descubren a la anciana junto a un cadáver y esta destroza de un mordisco la garganta de uno de los oficiales. Tras el ataque el equipo periodístico y los bomberos tratan de sacar al oficial del edificio pero se dan cuenta que todo el edificio ha sido puesto en cuarentena. De ahí en adelante comienza una carrera por sobrevivir y entender el misterio de lo que sucede. Como les dije el tema no es nada del otro mundo, sin embargo el estilo documental de la fotografía, el maquillaje, los personajes, diálogos y la secuencia de escenas son tan bien realizadas que agregan un tono de veracidad y terror extremo.

La cinta ha sido merecedora de elogios y algunos premios, en especial para su protagonista Manuela Velasco, que entre otros ganó el premio Goya a mejor actriz revelación, aunque para ser sincero es el personaje que menos aporta a la trama ya que su papel simplemente se basa en gritar. El verdadero héroe de la cinta es Pablo, ayudante incondicional de Angela y testigo de todas las atrocidades que inundan el edificio.

Rec es el más puro terror, por favor verla en una sala de cine, no en su televisor.

No le digas a nadie (Ne le Dis à Personne)

Un inquietante film de suspenso francés que narra las angustiosas penurias de un hombre (Alexandre Beck), al que se le derrumba la vida debido al brutal asesinato de su esposa y 8 años después es involucrado en la investigación como principal sospechoso. Como si esto no fuera suficiente comienza a recibir comunicaciones por E-mail las cuales al parecer le indican que su esposa posiblemente está viva. Beck entonces se verá involucrado en una serie de misterios y asesinatos que a cada minuto que pasa parecen más difíciles de resolver pero sobre todo de demostrar su inocencia.

Elogiada por la crítica, ganadora de múltiples premios y con la excelente actuación de François Cluzet como Alexandre, No le Digas a Nadie, es uno de los mejores thrillers de los últimos años que explora hasta donde es capaz de llegar el hombre para cumplir una misión de amor y justicia y en otro caso para cumplir una venganza sin importar los años que han transcurrido ni las atrocidades que se deban cometer.

Guillaume Canet cumple el objetivo de entregarnos una obra de arte limpia y sin pretensiones, una historia que no nos dejará levantarnos de las silla, llena de actuaciones solventes y paisajes hermosos, pero sobre todo una historia sobre un misterio que oculta una horrible verdad.

Hannibal Rising

Esta cinta que se anunció en Colombia desde hace meses nunca se estrenó, sin embargo la podemos ver en estos meses en el canal Moviecity. Esta historia nace del simple afán mercantilista de un productor y de la avaricia de su autor; estamos hablando de Dino de Laurentis y Thomas Harris, quien vendió al primero los derechos sobre su creación Hannibal Lecter hace muchos años. Pues bien una mañana del 2006 Dino se levantó y se dió cuenta que se podría ganar unos pesitos más si volvía a explotar la historia del doctor canibal, así que llamó a Thomas y le dijo que por favor le escribiera un guión sobre el origen del mal del doctor Lecter, el escritor se negó en un principio pero cuando Dino le dijo que si no la hacía él se lo daba a otro, este accedió.

De esta anécdota se derivan libro y película sobre la infancia y adolescencia del doctor Hannibal Lecter, una historia traída de los cabellos con más coincidencias y situaciones previsibles de las posibles, que además desdibuja notablemente al mítico personaje y lo reduce a un loco semiautista, traumado en su infancia y con un afán de venganza imparable.

Aunque el libro es mucho mejor que la cinta ya que tiene menos situaciones inverosímiles y hay una profundización mucho más amplia en los personajes, lo cierto es que para el espectador es una historia absolutamente lejana del personaje ya establecido esto es aún mayor ya que en ninguna de las cintas anteriores se toca el tema del asesinato de Misha, la hermana de Lecter, aunque este si es tratado en los libros. También es la primera vez que Lecter es el único eje de la historia, porque aún en Hannibal, donde él es el protagonista principal, la historia se amplía a las vidas de Clarice Sterling, Mason Verger y el inspector Renaldo Pazzi.

La historia además presenta algunas inconsistencias con los anteriores libros en especial es notable la edad de Lecter cuando presencia el asesinato de su hermana y su aspecto físico (en Hannibal es descrito como un hombre bajo, muy social, elocuente, gracioso y con una gran fuerza en sus brazos, mientras que aquí es alto, atlético y delgado, pero mudo, traumado, llorón y absolutamente asocial), aquí es una especie de aristócrata, con entrenamiento ninja y por arte de magia prodigio de las ciencias naturales y la anatomía.

El director de la cinta Peter Webber no tiene la culpa, el hace lo que el señor Dino le diga y pues la verdad es que su trabajo es más que satisfactorio; la caracterización de la época, el casting de actores y locaciones es bastante bueno; la fotografía e iluminación son hermosas y la música intrigante, sin embargo Hannibal Rising nos presenta a Lecter como un aburrido vengador que lvarios años después de presenciar como canibalizan a su hermana, caza a sus victimarios transformándose en el monstruo que supuestamente conocemos.

Halloween

Rob Zombie vive para el horror: como músico en White Zombie y en solitario, su estética nos transportó al miedo, ahora en su rol de director nos lo ratifica en producciones hilarantes, insanas y altamente gráficas.

Esta vez Rob quiere hacer un homenaje a John Carpenter, produciendo y dirigiendo una mezcla entre precuela y remake del film Halloween, en español el título se complementa con ...El Origen del mal y es un buena frase ya que el gran aporte de Zombie es contarnos el porque de las cosas, porque Michael Myers es un asesino sediento de sangre. Para esto la historia se presenta partida en dos, la primera parte (la precuela) nos muestra la infancia de Myers, y sus primeros crímenes, el horror de su familia y como estalla la furia en su interior. También narra el estudio psiquiátrico al que es sometido Myers por parte del doctor Sam Loomis, interpretado de manera eficaz por Malcolm McDowell.

Digamos que todo va bien hasta el momento en el que Michael se escapa de la clínica, desde este momento la cinta se convierte en un remake de la primera versión y simplemente nos presenta otra cinta de adolescentes asesinados mientras tienen relaciones sexuales. Además la gran falla de Zombie es que nos quita a los espectadores esa magia de la cinta original que fue la que la hizo una de las películas independientes más exitosas de todos los tiempos, esa magia fue producir miedo, crear un suspenso latente y un uso fascinante de la cámara a subjetiva desde la perspectiva de Myers. Rob Zombie lo que hace es cambiar esos elementos por violencia gráfica gratuita, creando un producto gore como muchos otros con mucha sangre y pedazos de carne saltando pero sin producir miedo.

Halloween desea generar impacto y no lo logra, es una buena idea llevada a medias, pero también es un reconocimiento a John Carpenter y a su gran trayectoria y aporte al cine de horror.

Quantum Of Solace

Tal vez es la primera vez que dentro de las cintas de James Bond se hace una segunda parte, pues Marc Foster se lanzó al agua y el resultado es una aburridísima y enredada historia de venganza.
Y es cierto, aunque esta historia tiene más escenas de acción que Casino Royale su argumento es tan confuso y mal contado, que termina es por despertar más bostezos que emociones. Aparte de Bond los demás personajes, en especial las mujeres que siempre tienen un papel importante pasan como puros extras, en ningún momento se profundiza en lo que es la organización Quantum y Daniel Craig parece más Terminator que James Bond, cero seductor, cero simpático, cero expresividad; sabemos que en este momento James Bond está triste por la muerte de su amada Vesper y furioso por la traición y engaño de la que fue víctima, pero realmente el tratamiento argumental de la psiquis del personaje es ya demasiado frío.

En la cinta no hay una continuidad real de la historia anterior y mientras Casino Royale se presentó como una Precuela de la saga completa, tratando de mostrar a la organización Quantum como una gran mantis de oscuridad, en esta se pierde ese misterio, todo queda materializado en Dominic Greene el villano que quiere dejar sin agua a Bolivia, interpretado por el gran actor Mathieu Amalric quien se nota fuera de contexto en un papel que no le sienta bien; él ya ha interpretado villanos como en Munich, pero su estilo es mucho más elegante e inteligente y se nota sobre actuado en los pantalones del iracundo Greene.

Quantum of Solace es solo otra cinta de Bond que gana en taquilla gracias al buen recuerdo de su predecesora.

August Rush

La joven directora Kristen Sheridan (hija del director irlandés Jim Sheridan) nos trae la historia de Evan Taylor, un niño prodigio de la música que no conoce a sus padres ya que fue dado en adopción desde su nacimiento, como producto de una corta y trágica historia de amor entre sus padres ( un cantante y guitarrista de rock y una chelista prodigiosa) y que decide salir del orfanato a sus 11 años y buscarlos guiado por la música y su infinito optimismo. El niño siente a todo momento cualquier sonido y su cerebro lo transforma en música, posee un don extraño que lo aísla pero lo impulsa a conseguir sus metas. Evan emprende un viaje sin un norte definido en busca de su destino y en su camino encontrará al explotador de niños Wizard Wallace (Robin Williams) que le enseña a interpretar música de una forma real y más adelante a una niña, Hope, quien le enseña las notas musicales básicas.

Lamentablemente es una cinta que lo tiene todo pero no logra nada, un melodrama fantasioso de casi dos horas, una muy buena idea echada a perder por los repetitivos clichés, coincidencias y por la poca profundización en los personajes. La idea de la música como fuerza vital es tan extraordinaria como lo es el olfato del endemoniado protagonista de El Perfume, pero el argumento es tan insulso y el final tan predecible y repentino que no deja muchas cosas al recuerdo. Casi todos los personajes están llenos de lágrimas y arrepentimientos, pero el personaje principal es tan poco carismático (no por su culpa sino del argumento), que no le llega ni a los talones a la genialidad de un Vitus (siendo Evan en teoría un prodigio comparable con Mozart o Beethoven).

En lo que si no hay discusión es en la excelencia musical de la cinta (debe ser delicioso verla en una sala de cine por la calidad del sonido), que según se puede leer en internet Marc Mancini duró más de año y medio en completar. La guitarra de Evan es interpretada magistralmente por un prodigio real: Kiki King, una guitarrista hermosa y fuera de lo normal, especialista en la técnica de Tapping. La cinta además nos muestra a dos niños con demasiado talento en la actuación y la música como los son Leon G. Thomas III (Arthur) y Jamia Simone Nash (Hope). También es interesante oir a Jonathan Rhys Meyers en una faceta de cantante y su buena interpretación de guitarra.
La fotografía es acertada y la iluminación motivante. Los tres protagonistas dan en sus actuaciones lo que les es posible, lo que un guión tan plano y personajes tan desdibujados les deja interpretar, pero el que si se pierde por completo es Robin Williams en un personaje que no le sienta y en el que se nota ambivalente.

Bueno esperemos que Kristen nos traiga mejores noticias en sus próximos proyectos y algún día alcance la genialidad de su padre, porque definitivamente esta vez no fue.

Like Minds

La invasión mental entre dos personalidades que creen estar predestinadas a ser la misma, se convierte en el tema de esta cinta Australiana que se mueve entre el terror, el thriller policial y el suspenso. La cinta narra la historia de Alex un estudiante de una escuela privada y exclusiva de Inglaterra (en la cual solo pueden estudiar herederos de una orden que viene desde la edad media y que está relacionada con los caballeros templarios, en la actualidad poderosos miembros de la sociedad Europea), quien es detenido y acusado por el asesinato de Nigel e involucrado en una cadena de muertes relacionadas. El detective asignado para el caso es fuertemente presionado para liberarl al joven, aunque este fue hallado con el cuerpo, la escopeta con la que se perpetró el crimen y rastros de pólvora en sus manos. De esta forma se verá obligado a recurrir a la psicóloga Sally Rowe (Tony Collete) quien debe descubrir los móviles del crimen, pero quien se ve sumergida en una historia de manipulación y locura, que la llevará a creer en la inocencia de Alex, en la maldad omnipotente de Nigel, y finalmente a caer en un abismo de decepción e impotencia.

La cinta tiene cosas destacables como reprochables, la historia bastante original une en las fantasiosas mentes de estos adolescentes, la historia y los secretos de la orden templaria con los crímenes perpetuados, la cronología es acertada y aunque el flashback se usa con frecuencia no es molesto y sirve para generar un mayor suspenso, las locaciones y el casting son excelentes y esto se ve reflejado en la buena actuación de todos los actores, en especial de los dos protagonistas. De todas formas el ritmo de la película no es el adecuado y en más de una ocasión se torna aburrida. Sobre el argumento aunque es una historia que capta la atención no deja de ser predecible y algo realmente irritante son los diálogos rellenos de lenguaje pomposo, anotaciones históricas y palabras rebuscadas, que aunque sean usadas por jóvenes cultos de clase alta, con gran capacidad intelectual, estos no dejan de ser unos adolescentes y por momentos se oyen ridículos y amanerados.

En la película se nota visiblemente la influencia de cintas como Seven (la personalidad ególatra y psicópata de Nigel es parecida a la del John Doe, además de la dedicación a la investigación y la escritura de diarios) y el Silencio de los inocentes (la mujer que se involucra con el asesino para resolver un crimen; la escena donde Collete entra en la cueva para descubrir pruebas es muy parecida a la de Jodie Foster entrando en el depósito de una víctima; las casas antiguas y con pasadizos; la fascinación de Lecter por la anatomía es parecida a la de Nigel, el clima frío pero con suficiente luz, etc).

Like Minds (Mentes diabólicas), es un ejercicio muy bueno de llevar un cine de terror creíble a los adolescentes sin caer en los clichés de siempre, una cinta que atrapa pero no sorprende.

Blindness

La obra de Jose Saramago es tomada por Fernando Meirelles y convertida en imagen.

Una cinta que narra la historia de una serie de personajes sin nombre (El doctor, la esposa, el ladrón, la mujer de lentes oscuros, el ciego, etc) que son víctimas (todos menos la esposa) de una extraña epidemia ocurrida en una ciudad también sin nombre, la cual los deja ciegos de una forma diferente ya que en vez de quitarles la visión y dejarlos en oscuridad, lo que hace es que las personas vean todo blanco. Poco a poco todo el país se contagia y la sociedad colapsa.

Los protagonistas son las víctimas de la plaga que son aislados en una especie de campo de concentración y casi abandonados deberán sobrevivir bajo la mirada aislada y decidida de La Esposa, quien se convierte en parte y testigo de la vida de los ciegos y quien sufrirá la maldición de poder ver como se desploma la vida de todos.

La historia es un ejercicio de reflexión sobre los instintos humanos, sobre el dolor y la decadencia de la sociedad debido a que no reconocemos al otro, ni a nosotros mismos, la ceguera es solo un símbolo de nuestra propia impotencia y egoísmo.

La película con una realización más artística y conceptual que con una narrativa normal, es visual y auditivamente muy hermosa, los ejercicios de enfoque y desenfoque, los fundidos a blanco, las escenas vistas desde la perspectiva de los ciegos son memorables. Sin embargo y a pesar de su alto contenido de violencia y de que la cinta se podría considerar dentro del género de los desastres o las plagas, la película cae en la monotonía: tiene largos lapsos aburridos y repetidos y más allá de la fuerte personalidad de Julianne Moore, los demás actores pasan casi desapercibidos, sus aportes son menos que casuales y solo un par desarrollan historias propias de peso. El papel de Danny Glover (El Tuerto)es extraño y su ocasional intervención como narrador lo es aún más. El personaje de Gael García (El rey del tercer patio) es desaprovechado y desaparece prontamente sin un desarrollo real.

Ceguera es una cinta que no se debe tomar literalmente porque podría parecer absurda, es una metáfora social, una reflexión dura y destructiva pero efectiva. Fernando Meirelles hace un trabajo bueno, que aunque pudo ser mejor no lo es; una puesta en escena hermosa pero con el sinsabor de una historia desperdiciada.

Rosso come il cielo

Una hermosa cinta italiana del 2006 que hasta ahora se distribuye en América nos trae la historia de Mirco, un niño apasionado por el cine que pierde la vista en un desafortunado accidente y como su genio y decisión lo llevan a superar a la misma sociedad que excluye a las personas con discapacidades.

Mirco quiere comunicar sus sueños y recrear el mundo que algún día vió , su imaginación y altanería lo llevarán a tener problemas con las autoridades del instituto donde fue recluido, pero sus ganas de expresarse hacen que la gente abra sus oídos y su corazón a lo que los ciegos pueden sentir y aportar.

La historia está basada en un personaje real, Mirco Mencacci quien es uno de los ingenieros de sonido más reconocidos de Italia y nos muestra los incipientes pero efectivos métodos creados por él mismo para poder generar sonidos, reproducir sensaciones y editar cintas, hoy en día es miembro fundador de varias asociaciones e institutos de investigación y experimentación para el sonido.

Cristiano Bortone dirige de forma magnífica esta historia sencilla llena de tanto drama como comedia pero con una gigantesca base de imaginación, el guión es exquisito y nos trae entre muchas, dos escenas para no olvidar: cuando Mirco le describe a Felice como son los colores y cuando el le regala a Francesca su primera grabación y como esta imagina todo lo que oye. La interpretación de los niños es conmovedora teniendo en cuenta que la mayoría son ciegos y actores naturales, solo Francesca y Mirco son interpretados por actores videntes, aunque ella no tiene el papel de ciega. la música y el sonido juegan un papel fundamental en la historia y resaltan en las escenas en las que se les requiere.

Se podría pensar que por el tema que la cinta es melodramática y llena de clichés pero lo cierto es que no, todo lo contrario, el mensaje que busca es que las personas impedidas así deban tropezares una y otra vez se deben superar y tampoco muestra a los niños como víctimas sino como seres con personalidades propias, errores y actitudes tanto humanas y simpáticas como desagradables.
La película es además un homenaje al amor por el cine y a las cintas italianas de los 50, 60 y 70s, como el cine es un lenguaje universal y como el sonido es parte fundamental del mismo.

John Rambo / Rocky Balboa

20 y 18 años respectivamente tuvieron que pasar para volver a ver estos personajes en la pantalla. los últimos fracasos cinematográficos de Stallone fueron tal vez el impulso que necesitaba para decidir volver a sus dos personajes míticos y filmar las nuevas cintas, las cuales se caracterizaron por no llevar números en su título sino el nombre del personaje.

La primera en lanzarse fue Rocky, la sexta entrega de la saga; Stallone dice que quiso hacerla para cerrar el ciclo ya que la 5ta parte fue negligente y no le hizo honor al cierre de la saga. La cinta nos muestra a un Rocky viejo, dueño de un restaurante, buscando novia y con problemas en la relación con su hijo, quien es contratado para una pelea de exhibición con Dixon, el campeón mundial del momento. La cinta que se mueve entre el drama y la comedia es bastante ligera y su gran momento es la pelea misma, filmada en alta definición y con una muy buena coreografía. Personalmente pienso que ha sido la mejor pelea de Rocky en todas sus cintas y lo mejor de este combate, es que no había nada en juego, ni el honor, ni el amor, ni el pobre contra el rico, ni el italiano contra el negro, ni el capitalismo contra el socialismo, nada, una pelea por pura diversión y espectáculo.



Por el otro lado tenemos a Rambo, una cita catalogada por muchos como de las más violentas de la historia, con 262 muertos y litros de sangre y pedazos de carne que vuelan durante sus 80 minutos de proyección. La cinta mucho más fiel al libro First Blood en la construcción del personaje, nos muestra a un hombre realmente afectado y que nos confiesa su gusto por matar, tanto así que en una escena donde tiene la posibilidad de matar un enemigo con una flecha, un machete, un cuchillo o un fusil, prefiere simplemente arrancarle la traquea con la mano. Por otro lado Stallone quiere dejar en claro su rechazo al régimen de Birmania y dejar al descubierto las atrocidades que comete y que son altamente expuestas al principio de la película y en otra escena: genocidio a gran escala, desplazamiento, violación de mujeres y menores, esclavización, reclutamiento forzado, comercio de drogas, asesinatos de niños, tortura, sembrado de minas, etc, etc.

John Rambo deja su tranquila vida semirural por ayudar a un grupo de misioneros a llegar a Birmania, la población a la que llegan días después es arrasada por un comando Birmaní, quienes toman prisioneros a dos de los misioneros y luego Rambo se une a un grupo de mercenarios para tratar de rescatarlos, una cinta con mala edición pero mucha acción, con un Rambo más inexpresivo que nunca y con una lección diferente: el derramamiento de sangre solo se puede parar haciendo que la sangre corra.

In the Valley of Elah

Esta cinta que por fin podemos disfrutar en Colombia, ha sido muy polémica, sobre todo en Estados Unidos. La película trata sobre el desorden de estrés postraumático en un grupo de soldados americanos que vuelven de descanso de la guerra en Irak. El tema que ha sido tratado desde hace muchos años, incluso en cintas como Rambo y más recientemente en documentales, y hasta comedias, es un dolor de cabeza para el ejercito norteamericano que debido a la inmersión de violencia que se hace a los soldados durante su entrenamiento y a las órdenes inhumanas que deben seguir en el tratamiento de prisioneros, esto resulta en un quiebre psicológico que se puede manifestar en reacciones muy violentas.
El argumento basado en una historia real cuenta la historia de Hank Deerfield, un investigador retirado de la policía militar que presiente que algo malo sucedió con su hijo, quien al regresar de descanso de su misión en Irak no se ha comunicado con él. Deerfield comienza a recorrer los pasos de su hijo y con ayuda de la detective Emily Sanders, quien al principio se muestra fría con el caso, pero luego gracias a varios descubrimientos se sensibiliza y se sumerge en este. Descubren una historia de horror sin sentido y encubrimiento oficial.
La cinta deja ver como el servicio militar ha perdido su sentido de honor y ahora solo se centra en la destrucción del enemigo. También muestra como las autoridades no hacen nada por tratar estos casos ni por enfrentar sus errores, y que solo quieren arroparse en una imagen falsa de armonía y servicio ante los medios de comunicación.
La cinta obviamente hizo levantar ampollas y algunos críticos la descalificaron como cruel e irrespetuosa. pero es evidente que este no es el sentido de la historia y que si su contenido molesta es solo porque es el reflejo de una realidad actual. Las dos horas de la cinta son intensas a pesar de ser una historia dramática, el misterio y el hilo son muy bien manejados por el director Paul Haggis. A mi gusto podemos disfrutar de la mejor actuación de Tommy Lee Jones en su carrera y una discreta pero intensa interpretación de la irreconocible Charlize Theron. otro punto que llamó mi atención fue la edición, en especial el montaje musical, con bellas composiciones de Mark Isham, que salpican de forma dramática y en su debido momento la profundidad de la historia.

En la memoria nos queda, el llanto de una madre que pierde a sus hijos y la bandera izada hacia abajo, símbolo de que algo malo pasa, pero también la esperanza de que alguien puede ayudar.

Die Hard 4.0

Para los que vivimos nuestra infancia en la década de los 80 y nuestra adolescencia en los 90, es imposible no haber gozado, si, gozado con las películas de acción de los musculosos del momento, un tipo de héroes que ya no existen y que han sido reemplazados por tipos más tiernos, depresivos y normales. Uno de ellos fue Bruce Willis, quien a diferencia de sus colegas Stallone y Schwarzenegger, siempre le imprimió asus personahes mucha humanidad pero sobre todo humor y esto es porque Willis viene de la comedia, su serie de televisión Moonlighting fue una comedia muy exitosa en los 80 tanto así que gracias a esta él se ganó un Emmy y un Golden Globe.
El saltó a la fama gracias a su personaje de John McClane en la Cinta de 1988 Die Hard y tal vez sea este su personaje más recordado siempre, la cinta además de ser un éxito en taquilla, fue muy bien recibido por la crítica.

Pasaron 12 años desde la última aparición del teniente McClane en las pantallas para llegar con una cinta fresca y divertida, con un Willis mucho más mordaz y una producción como siempre impecable. Esta cinta tiene una trama parecida a las demás: El teniente que siempre está en el lugar equivocado, en el momento equivocado, un enemigo en principio desconocido y con una aparente causa, pero que al final se sabe que solo quiere dinero, un compañero de aventura que muchas veces estorba pero que en los momentos clave ayuda y una forma de resolver el problema como solo McClane lo sabe hacer: destrozando todo lo que vea a su paso.

La cinta en general es muy entretenida, algunas escenas son absurdas y otras impresionantes, la mayoría de estas fueron realizadas por equipos de efectos especiales físicos ya que ni Willis ni el director Len Wiseman querían que estos se generaran por computador, salvo lo estrictamente necesario. Tal vez lo peor de la cinta es el antagonista, un supuesto “hacker”, que solo hace malas caras.

Dentro de la saga a mi gusto es la tercera muy por encima de la segunda parte que fué la única que se alejó de la temática, el argumento parece una respuesta a otra cinta de Willis del 2005 llamada 16 Blocks, en la que Willis tiene una misión parecida: escoltar a un sospechoso a la corte, solo que esa vez su personaje era un decepcionado policía corrupto, alcohólico y cincuentón, sin estado físico, con el pelo blanco y gordo.

Bueno al parecer Bruce Willis a sus 53 años sigue más que intacto, lleno de humor y el personaje de McClane aunque no hay que abusar de él, puede que aguante para una o dos cintas más.

10,000 BC

Roland Emmerich casi siempre ha escrito sus películas y nadie lo puede negar tiene una gran imaginación, que aunque nunca se ha caracterizado por ser muy profunda ni generadora de grandes tramas, si nos ha llevado a mundos fantásticos y acción ilimitada. Pero este ¿film? es realmente un adefesio, la historia es más que absurda; está bien cuando un escritor crea hipótesis sobre algunos acontecimientos históricos para poder contextualizar una historia, pero juntar mamuts, las pirámides egipcias, tribus africanas y europeas, en una historia supuestamente prehistórica, es más que imaginación, es un completo descache.

Ahora bien, Emmerich tampoco puede negar que ha copiado casi que en su sentido más amplio la trama y ritmo de Apocalypto, así como escenas de 300, One Million Years B.C. entre otras. Esto además hace no solo que la cinta sea mala, sino un fraude, por momentos parece la tercera parte de La Era de Hielo.

Pero Emmerich no es tonto, el sabía que ese sancocho de historias y remiendos solo podía funcionar bajo su sello, el sello de una gran producción con excelentes efectos especiales (esto es indiscutible), y una fórmula argumental usada una y otra vez, pero siempre exitosa. La cinta no desagrada al público común, a los niños y a las mamás (a la mía le encantó), pero deja esa espinita, la espinita de Titanic y de muchas otras cintas que son una ofensa al sentido común de la cultura humana, del arte, pero que por su espectacularidad o porque son fáciles de digerir, seguirán siendo las reinas de la taquilla y las seguiremos viendo los domingos en todos los canales de televisión.

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street

La sangrienta adaptación de la obra musical de Stephen Sondheim no hubiera sido tan gratamente recibida por mí, ya que en general el musical es uno de los géneros del cine que menos afecto me produce, si por otro lado no hubiera sido dirigida tan acertadamente por uno de mis directores favoritos: Tim Burton. Sin haber leído entrevistas puedo asegurar que Burton tal vez cumplió uno de sus mayores sueños ya que es un gran aficionado a los musicales y aunque ya había dirigido dos, es la primera vez que lo hace con actores reales, no con animación, así como la primera vez que lo hace con una obra reconocida.

Un hombre que fue injustamente acusado, separado de su familia y condenado de por vida, logra escapar y volver a Londres transformado en un monstruo desalmado que solo quiere saciar su sed de venganza y para esto recurre a su profesión: la de barbero, y a la ayuda de su sangrienta y práctica vecina que vende pasteles de carne. Aunque busca vengar la supuesta muerte de su esposa y el rapto de su hija por parte del corrupto juez Turpin, en su locura decide que todos son culpables y comienza a matar indiscriminadamente a sus clientes, mientras las señora Lovett se lucra al utilizar los cuerpos de sus víctimas como insumo para sus pasteles y fantasear con el amor del señor Todd. Una historia sobre lo peor de los sentimientos humanos, con un final tan trágico como el principio, pero tan sorpresivo que ni el mismo Todd se lo esperaba.

Actuaciones estupendas de Johnny Depp y Helena Bonham Carter en los roles principales; una dirección artística de gran factura que nos muestra a Londres como una extrema y sucia cloaca de tonos grises donde solo resalta el color de la sangre; La música finamente interpretada que combina a la perfección con las voces de los actores, sobre las que destaco la de Bonham Carter, fina y estremecedora a la vez. En genaral el sognido es magnífico, tal vez una de las últimas cintas que he visto con tal calidad sonora y una buena edición de principio a fin. Los efectos, en especial los de tomas de degollamiento, son de gran significancia ya que cada una posee su propia personalidad de acuerdo a la víctima de turno.

Una cinta que nos recuerda al Burton gótico, oscuro pero divertido, que nos ha llenado la imaginación de personajes parecidos y memorables. Por ejemplo el atuendo de Todd y el salón de barbería ubicado en el alar de la casa, nos manda de regreso a escenas del joven manos de tijeras.

En general la cinta es más que sobresaliente, es entretenida e inteligente tanto visual como argumentalmente. Una obra de gran valor artístico que es una bofetada para los críticos del género musical, que lo refresca pero lo sacude hacia un nuevo plano, hacia un mundo donde no hay bailarines ni vestidos de pompa, sino salpicaduras de sangre por doquier.

The Dark Knight

Antes de empezar este review quisiera recordar la mitad de de la serie anterior de films de Batman, me refiero a la primera mitad dirigida por Tim Burton y no a la otra mitad, echada a perder por Joel Schumacher, lo hago debido a las acusaciones y señalamientos, que espectadores y críticos han hecho sobre las 4 anteriores sin diferenciarlas, gracias a la buena crítica de esta nueva entrega. Lo cierto es que Burton quien había desarrollado un estilo artístico y una oscuridad evidente, en la cual profundizaba en la psiquis de Batman y sus enemigos,renunció debido al cambio de tono de las cintas. Otra injusticia que se menciona a cada rato es decir que la interpretación de Heath Ledger fue superior a la de Jack Nicholson, esto es pura ignorancia mediática ya que ambos Jockers y ambos Batman corresponden a sagas diferentes dentro del mundo de comics que han recreado la historia del héroe. El trabajo de Burton estuvo basado en (valga la ironía) Batman: The Dark Night, es decir el comic original, mientras que los filmes de Nolan están inspirados en la serie llamada Batman: The Long Halloween, una versión oscura y con ambivalencias morales para el protagonista. No por nada Nicholson fue nominado 3 veces a premios por su interpretación, incluido el Oscar.

Bueno ya continuando con la cinta de Nolan, tenemos una entrega mucho más madura que la anterior sobre los primeros días de Batman como vigilante de ciudad gótica, con un villano mucho más definido y un ritmo frenético que no para nunca durante las más de dos horas de proyección. La historia narra la llegada del Jocker a la ciudad y su escalada en pro de apoderarse de la mafia anteriormente liderada por Falcone, también narra el acenso y caída del fiscal de distrito Harvey Dent quien termina deformado y con odio en su corazón convertido en el 2 caras, luego de ser el héroe que la ciudad aclamaba. Y es precisamente Dent el gran objetivo del Jocker quien lo consideraba su antítesis mientras que a Batman simplemente lo utiliza como escalón y en general lo considera solo un estorbo lleno de taras morales. Es este aspecto de reflexión interna el que atormenta a Batman y a casi todos los protagonistas dentro de la historia: ¿hasta donde se debe llegar para lograr algo?, ¿el fin justifica los medios? tanto es así que por momentos podemos pensar que estamos ante uno de los experimentos sádico-sociales de Jigsaw el asesino de Saw (Juegos Macabros).

El arte de la película está notablemente influenciado por Frank Miller, es mucho más oscuro que en la primera entrega y la caracterización del Jocker es simplemente demencial. A diferencia del de Nicholson que era un tipo con cierto glamour y lider indiscutible de una organización mafiosa, el nuevo Jocker es un monstruo inhumano, un mentiroso compulsivo, un asesino serial y solitario. La caracterización de Ledger es indiscutiblemente magnífica y es el resultado de un trabajo de introspección que realizó en solitario durante un mes, pero él no es el único que resalta aunque es definitivamente el protagonista; que bueno es volver a ver a Gary Oldman con una caracterización fuerte y muy interesante el papel de Aaron Eckhart como Dent quien pasa del cielo al infierno, del héroe al villano.

La producción es impecable, la música tan compulsiva como la cámara, los efectos especiales espectaculares, así como el maquillaje y la iluminación. La cinta fue grabada en Imax, aunque en Colombia la vimos en formato normal (un jalón de orejas para la gente de Maloka que pudo haber proyectado una versión Imax y no lo hizo).

Bruce Wayne siente el peso de su responsabilidad y se ve impotente ante un villano que no tiene nada que perder, la pregunta es hasta donde llegará para poder salvar a ciudad gótica de su destrucción y ¿que le costará a él esta decisión?

Jazz Fusión Colombiano

El Jazz es uno de los géneros musicales que más exalta el virtuosismo de sus intérpretes, el que está bien hecho es hermoso, pero es tan experimental que nunca me había llegado al corazón. Escribo este post por la sorpresa que me ha dado descubrir un movimiento naciente de nuevo Jazz en Bogotá, este se ha nutrido gracias a bares, festivales y eventos que nos han dejado disfrutar de estas bandas. El Jazz aunque siempre tan variante tuvo su primera vertiente o fusión moderna en Europa con el llamado Acid jazz por allá en los 90s, de este movimiento que continúa, tal vez su más popular representante (aunque el menos “representativo” musicalmente hablando) es Jamiroquai. En latinoamérica el Bossa Nova es sin duda una música con alta influencia del jazz, aunque no necesariamente derivado de este.

Mi primer contacto con el Jazz Fusión fue por allá en el 2001 cuando conocí a Victoria Hernández, ahora conocida como Victoria Sur, quien estaba conformando una agrupación llamada Conmoción Interior pero que finalmente se llamaría Mandrágora (no confundir con la agrupación de metal del mismo nombre), la hermosa voz de Victoria adornaba una mezcla de jazz, bambuco y rock de los 70. Ahora en su vida como solista Vicky dejó de lado un poco ese jazz y se fue más por el Chill, aunque con el mismo sabor a bambuco y letras bastante profundas.

Durante los 90 la fusión la deteminaban los grupos de rock que influenciados por el éxito de Carlos Vives empezaron a trabajar en este formato, esto decantó en el espantosísimo subgénero del tropipop, aunque también generó buenas agrupaciones como Superlitio o Bloque de búsqueda, pero fue la influencia del inglés Richard Blair quien dió un giro muy fuerte a la llamada fusión hacia la electrónica, así es como hoy podemos disfrutar de grupos como Chocquibtown, Sidestepper, La Mojarra Eléctrica, Pernett, entre muchos otros... pero el jazz seguía perdido. Y fue este 20 de julio durante el llamado concierto por la libertad de la ciudad de Bogotá que pudimos disfrutar masivamente de dos agrupaciones de jazz contemporáneo. Una de estas agrupaciones fue Primero mi Tía, un colectivo que mezcla el jazz, con música folclórica de las costas colombianas, pero del cual no voy a hablar mucho ya que su carácter experimental no es muy atractivo para mi gusto, pero que ustedes podrán juzgar entrando a su mySpace.

La gran sorpresa de esa tarde fue la agrupación Ensamble Sinsonte, formada por músicos de gran factura que mezclan las notas de jazz con la música del llano colombo-venezolano, en el concierto estuvieron acompañados por una pianista bastante virtuosa que se complementaba muy bien con el resto del grupo.
Es realmente una nota refrescante para una música que debido a su estructura rítmica resulta bastante repetitiva, también propone el no uso del arpa, sin sonar extraño o sin agredir al género.

Finalmente hablaré de una agrupación que tuve la oportunidad de ver el viernes pasado en el bar Matik Matik, y que me dejó más que sorprendido no solo por su propuesta musical, sino por el carácter, actitud y fuerza de sus interpretaciones, se trata de Negra de Tinta, quienes fusionan los instrumentos del jazz con los sonidos del pacífico, el caribe y en algunos casos el hip hop. A diferencia de Primero mi tia esta es una propuesta mucho más sólida, con un estilo definido y con un buen manejo de la tarima y el público. El ensamble sonoro del clarinete y el saxofón son la base de esta poderosa banda que divierte el espíritu y deleita el corazón.

Bueno esperemos que estos grupos surjan al mercado masivo, que lleguen no solo a bares o emisoras especializadas sino que se conviertan en un género común, por que esta buena música no solo no es fácil de hacer sino difícil de sostener.