The Dark Knight

Antes de empezar este review quisiera recordar la mitad de de la serie anterior de films de Batman, me refiero a la primera mitad dirigida por Tim Burton y no a la otra mitad, echada a perder por Joel Schumacher, lo hago debido a las acusaciones y señalamientos, que espectadores y críticos han hecho sobre las 4 anteriores sin diferenciarlas, gracias a la buena crítica de esta nueva entrega. Lo cierto es que Burton quien había desarrollado un estilo artístico y una oscuridad evidente, en la cual profundizaba en la psiquis de Batman y sus enemigos,renunció debido al cambio de tono de las cintas. Otra injusticia que se menciona a cada rato es decir que la interpretación de Heath Ledger fue superior a la de Jack Nicholson, esto es pura ignorancia mediática ya que ambos Jockers y ambos Batman corresponden a sagas diferentes dentro del mundo de comics que han recreado la historia del héroe. El trabajo de Burton estuvo basado en (valga la ironía) Batman: The Dark Night, es decir el comic original, mientras que los filmes de Nolan están inspirados en la serie llamada Batman: The Long Halloween, una versión oscura y con ambivalencias morales para el protagonista. No por nada Nicholson fue nominado 3 veces a premios por su interpretación, incluido el Oscar.

Bueno ya continuando con la cinta de Nolan, tenemos una entrega mucho más madura que la anterior sobre los primeros días de Batman como vigilante de ciudad gótica, con un villano mucho más definido y un ritmo frenético que no para nunca durante las más de dos horas de proyección. La historia narra la llegada del Jocker a la ciudad y su escalada en pro de apoderarse de la mafia anteriormente liderada por Falcone, también narra el acenso y caída del fiscal de distrito Harvey Dent quien termina deformado y con odio en su corazón convertido en el 2 caras, luego de ser el héroe que la ciudad aclamaba. Y es precisamente Dent el gran objetivo del Jocker quien lo consideraba su antítesis mientras que a Batman simplemente lo utiliza como escalón y en general lo considera solo un estorbo lleno de taras morales. Es este aspecto de reflexión interna el que atormenta a Batman y a casi todos los protagonistas dentro de la historia: ¿hasta donde se debe llegar para lograr algo?, ¿el fin justifica los medios? tanto es así que por momentos podemos pensar que estamos ante uno de los experimentos sádico-sociales de Jigsaw el asesino de Saw (Juegos Macabros).

El arte de la película está notablemente influenciado por Frank Miller, es mucho más oscuro que en la primera entrega y la caracterización del Jocker es simplemente demencial. A diferencia del de Nicholson que era un tipo con cierto glamour y lider indiscutible de una organización mafiosa, el nuevo Jocker es un monstruo inhumano, un mentiroso compulsivo, un asesino serial y solitario. La caracterización de Ledger es indiscutiblemente magnífica y es el resultado de un trabajo de introspección que realizó en solitario durante un mes, pero él no es el único que resalta aunque es definitivamente el protagonista; que bueno es volver a ver a Gary Oldman con una caracterización fuerte y muy interesante el papel de Aaron Eckhart como Dent quien pasa del cielo al infierno, del héroe al villano.

La producción es impecable, la música tan compulsiva como la cámara, los efectos especiales espectaculares, así como el maquillaje y la iluminación. La cinta fue grabada en Imax, aunque en Colombia la vimos en formato normal (un jalón de orejas para la gente de Maloka que pudo haber proyectado una versión Imax y no lo hizo).

Bruce Wayne siente el peso de su responsabilidad y se ve impotente ante un villano que no tiene nada que perder, la pregunta es hasta donde llegará para poder salvar a ciudad gótica de su destrucción y ¿que le costará a él esta decisión?

Jazz Fusión Colombiano

El Jazz es uno de los géneros musicales que más exalta el virtuosismo de sus intérpretes, el que está bien hecho es hermoso, pero es tan experimental que nunca me había llegado al corazón. Escribo este post por la sorpresa que me ha dado descubrir un movimiento naciente de nuevo Jazz en Bogotá, este se ha nutrido gracias a bares, festivales y eventos que nos han dejado disfrutar de estas bandas. El Jazz aunque siempre tan variante tuvo su primera vertiente o fusión moderna en Europa con el llamado Acid jazz por allá en los 90s, de este movimiento que continúa, tal vez su más popular representante (aunque el menos “representativo” musicalmente hablando) es Jamiroquai. En latinoamérica el Bossa Nova es sin duda una música con alta influencia del jazz, aunque no necesariamente derivado de este.

Mi primer contacto con el Jazz Fusión fue por allá en el 2001 cuando conocí a Victoria Hernández, ahora conocida como Victoria Sur, quien estaba conformando una agrupación llamada Conmoción Interior pero que finalmente se llamaría Mandrágora (no confundir con la agrupación de metal del mismo nombre), la hermosa voz de Victoria adornaba una mezcla de jazz, bambuco y rock de los 70. Ahora en su vida como solista Vicky dejó de lado un poco ese jazz y se fue más por el Chill, aunque con el mismo sabor a bambuco y letras bastante profundas.

Durante los 90 la fusión la deteminaban los grupos de rock que influenciados por el éxito de Carlos Vives empezaron a trabajar en este formato, esto decantó en el espantosísimo subgénero del tropipop, aunque también generó buenas agrupaciones como Superlitio o Bloque de búsqueda, pero fue la influencia del inglés Richard Blair quien dió un giro muy fuerte a la llamada fusión hacia la electrónica, así es como hoy podemos disfrutar de grupos como Chocquibtown, Sidestepper, La Mojarra Eléctrica, Pernett, entre muchos otros... pero el jazz seguía perdido. Y fue este 20 de julio durante el llamado concierto por la libertad de la ciudad de Bogotá que pudimos disfrutar masivamente de dos agrupaciones de jazz contemporáneo. Una de estas agrupaciones fue Primero mi Tía, un colectivo que mezcla el jazz, con música folclórica de las costas colombianas, pero del cual no voy a hablar mucho ya que su carácter experimental no es muy atractivo para mi gusto, pero que ustedes podrán juzgar entrando a su mySpace.

La gran sorpresa de esa tarde fue la agrupación Ensamble Sinsonte, formada por músicos de gran factura que mezclan las notas de jazz con la música del llano colombo-venezolano, en el concierto estuvieron acompañados por una pianista bastante virtuosa que se complementaba muy bien con el resto del grupo.
Es realmente una nota refrescante para una música que debido a su estructura rítmica resulta bastante repetitiva, también propone el no uso del arpa, sin sonar extraño o sin agredir al género.

Finalmente hablaré de una agrupación que tuve la oportunidad de ver el viernes pasado en el bar Matik Matik, y que me dejó más que sorprendido no solo por su propuesta musical, sino por el carácter, actitud y fuerza de sus interpretaciones, se trata de Negra de Tinta, quienes fusionan los instrumentos del jazz con los sonidos del pacífico, el caribe y en algunos casos el hip hop. A diferencia de Primero mi tia esta es una propuesta mucho más sólida, con un estilo definido y con un buen manejo de la tarima y el público. El ensamble sonoro del clarinete y el saxofón son la base de esta poderosa banda que divierte el espíritu y deleita el corazón.

Bueno esperemos que estos grupos surjan al mercado masivo, que lleguen no solo a bares o emisoras especializadas sino que se conviertan en un género común, por que esta buena música no solo no es fácil de hacer sino difícil de sostener.

Bella

Es la cinta debut del mexicano Alejandro Gomez Monteverde, una película norteamericana pero enfocada en la comunidad latina de New York.

La cinta es hermosa en fotografía, gama cromática y tiene una excelente banda sonora. Su argumento es un doble drama que se cruza: José una estrella mexicana del fútbol que pierde la chispa de su vida en una desafortunado accidente y Nina una mesera norteamericana que es despedida el día que se entera que está embarazada. Ambos emprenderán un viaje de reflexión y búsqueda durante un día que les cambiará la vida y les traerá nuevas esperanzas y alegrías.

Una cinta hogareña graciosa y emotiva, con un mensaje moralista pero bien manejado que más que en contra del aborto es realmente un canto a la alegría de vivir y seguir adelante. Otro punto a favor de Bella es la visión positiva que da la cinta sobre la comunidad latina, sin grosería, sin narcos, sin ilegales, sin mulas ni pandilleros, personas sencillas y bondadosas que han salido adelante con su trabajo y tratan de conservar su idiosincracia.

Bella es un buen debut, algo sobrevalorado, ganadora de múltiples premios, con una producción limpia pero un argumento no muy solido,con flashbacks confusos y actuaciones melodramáticas pero que logra su objetivo de anteponer lo sentimental a lo argumental y que deja una sonrisa, una buena moraleja y la esperanza de seguir disfrutando de un buen director.

28 Weeks Later

Lo malo de esta cinta es que ya hay planes de hacer la tercera, lo bueno es que no es tan mala como uno podría imaginar. La secuela de la exitosa 28 Days Later, llega mucho más sangrienta, más vertiginosa, tal vez con más presupuesto, pero menos sorpresa, menos profundidad, menos humanidad y extrañamente menos terror.

Se nota que hubo un esfuerzo interesante en realización con la contratación de buenos actores, una buena utilización de locaciones, efectos especiales de altura, una fotografía convincente y aunque sea por los laditos se nota la mano de Boyle quien aunque no la dirigió, porque en ese momento filmaba Sunshine, estuvo involucrado en la realización, pero lamentablemente la historia es extremadamente plana, los personajes no están vivos el tiempo necesario como para poder crear una conexión con ellos, el argumento cae en la cinta típica de zombies pero lo peor de todo es que a pesar de ser tan gráfica no asusta, no perturba.

Aunque Boyle alista su andamiaje para la tercera entrega, la historia por lo menos en este momento no da para más y ya en la próxima cinta no habrá más virus para regar ni más cuellos para morder.

Apocalypto

Es una lástima cuando la influencia de comentarios subjetivos hacen daño a una obra bien realizada, este es el caso de la cinta de Mel Gibson que se estrenó en el 2006 y que en Colombia no fue objeto de buena prensa y duró muy poco en cartelera. La semana pasada tuve la oportunidad de verla en el canal Movie City y es lamentable no haberla visto en la pantalla grande.
Esta obra sobresale por su esfuerzo artístico; digo artístico porque fue recreada con tal detalle que destella pinceladas en cada uno de sus cuadros. También digo esfuerzo porque Gibson renunció a los efectos digitales y simplemente recurrió a los mejores arquitectos y artistas para recrear el imperio Maya, además que las locaciones fueron totalmente naturales.
El montaje y la mezcla sonora son espectaculares, fluidos y envolventes, aunque esto también se debe a que el ritmo de la cinta es vertiginoso. La fotografía es vibrante gracias a que fue realizada en video de alta definición y algunas escenas filmadas a gran velocidad gracias a el uso de una cámara suspendida.
Gibson esta vez se mete no en la recreación histórica sino en la ficción histórica, llevándonos a la vida de Garras de Jaguar, un indígena cazador cuya aldea es arrasada por una escuadra de guerreros Mayas en busca de esclavos para vender y sacrificar, la cinta es osada al trata de juntar la decadencia del imperio con la llegada de los españoles a América. Gibson repite el estilo de producción de La pasión de Cristo y trata de recrear fielmente el entorno: solo utiliza actores Chicanos, descendientes de Mayas o indígenas Norteamericanos, todos los actores llevaban expansiones en las orejas, piercings y tatuajes, algunos de tinta y otros de cicatriz, la ropa, armas, accesorios y peinados fueron estudiados antes de diseñarse y se basaron en gran parte en los jeroglíficos Mayas. la cinta se gravó en su totalidad en dialecto Maya Yucateco y la ciudad Maya fue construida con maquetas basadas en las ruinas.

Mientras Garras de Jaguar tiene que correr como loco para salvar su vida y la de su familia, Gibson tuvo que salir a dar explicaciones a cuanto programa de televisión y ser la burla de todos los comediantes debido a las declaraciones que dio en contra de los judíos al ser detenido por conducir ebrio, el problema es que se puso a patear la lonchera en una industria donde todos los dueños de los estudios y las casas distribuidoras son judíos, me imagino que el tendría sus razones y que el alcohol lo traicionó, en fin, esta se la cobraron algunos críticos que trataron de distorsionar el objetivo de la cinta al decir que era racista, desacertada y mentirosa ya que mostraba a los Mayas como asesinos violentos. Lo cierto del caso es que la crítica de muchos otros medios si fue objetiva, así como muchos directores de Hollywood y la verdad es que la cinta es interesante, entretenida y hermosa, tanto que ha recibido más de 20 nominaciones a premios de los cuales ha ganado bastantes en cinematografía, mezcla de sonido y actuaciones, pero eso si, ni una sola nominación a mejor director.

Eastern Promises

A David Cronenberg le fascina el sexo, las plagas infecciosas o deformaciones físicas y la violencia en exceso. Y aunque su trabajo en los últimos años ha dejado de lado un poco el tema sexual y el terror, cada vez explora más el tema de la violencia y nunca sus cintas han dejado el género del thriller psicológico.

El sigue desarrollando un cine personal y a sus 65 años, este canadiense es uno de los directores más provocadores, originales, polémicos y siempre exitoso. En sus comienzos a finales de los 60 y durante toda la década de los 70 su cine era calificado como basura, repetitivo, incoherente, sin tema y casi todas sus cintas fueron clasificadas como B-movies, pero la temática se repetiría una vez más en 1981 con Scanners y fue tal el éxito que se convirtió en una cinta de culto. Cronenberg es un director muy popular y aunque su nombre no es muy recordado basta con nombrar algunas piezas de su filmografía para recordarlo y darse cuenta de su estilo y grandeza: Scanners, Videodrome, The Dead Zone, La Mosca, Naked Lunch, M. Butterfly, Crash (Extraños Placeres), eXistenZ, Una Historia de Violencia y ahora nos trae Eastern Promises.

La cinta se centra en la comunidad rusa de Londes, específicamente en una familia de la mafia rusa, que se ve amenazada por Anna (Naomi Watts), una partera que solo cuenta con un diario escrito en ruso, para saber la historia de Tatiana, la adolescente que murió en su sala de hospital producto del maltrato y la explotación. El eje de la historia es Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen), el conductor del hijo del capo mayor, quien quiere ganarse el favor de su jefe para poder pertenecer a la “familia”. El resto de la historia se desarrolla de una forma inesperada e inteligente y se posa sobre las excelentes actuaciones de un elenco de actores maduros y de gran trabajo como la hermosa Naomi, el tal vez actor francés de carácter más popular del momento Vincent Cassel y la indiscutible y fantástica interpretación de Mortensen, quien se transforma en el frío y obediente asesino y conductor. La cinta que contiene gran cantidad de escenas de violencia psicológica y gráfica, requirió de Viggo un entrenamiento físico evidente, aprender a hablar ruso, manejo del cuchillo y lucha cuerpo a cuerpo. En esta película hay dos elementos poco comunes: el primero es respecto a la cinematografía y es el uso del enfoque centrado en la fotografía, algo que puede ser molesto y que prácticamente en el cine moderno no existe (se dejó de utilizar masivamente en la década de los 50) y que solo vemos en una que otra cinta más como un toque experimental o psicológico que otra cosa. La segunda curiosidad es el uso del cuchillo, a pesar de ser una cinta sobre la mafia, nunca se usan armas de fuego, todos los asesinos tanto ucranianos como rusos solo utilizan un cuchillo curvo de uso industrial. Los tatuajes y el estudio de los mismos dentro de la cultura mafiosa rusa también son parte fundamental de la trama y la música que salpica ocasionalmente las oscuras escenas está bellamente construida.

El fin de la vida de Tatiana es el comienzo de la vida de una bebé con un pasado desconocido, pero el punto de partida de una historia de venganzas y traiciones, de sangre y oscuridad y en algunos casos de perdón y bondad.

Elizabeth The Golden Age

La segunda parte (10 años después) de la exitosa Elizabeth, pone en evidencia los malos resultados de cuando se quiere explotar un producto exitoso. Cate Blanchett vuelve como la reina Elizabeth en su edad madura y en medio del conflicto bélico con España, pero la cinta se centra en un trío romántico y en embelesar la figura de la reina con un melodramatismo exasperante. El director Kapur pone la producción por encima de la historia: el detalle artístico es exagerado y la música intrusiva, pero lo peor es la tergiversación histórica y la evidente propaganda anticatólica.

Lástima que de una cinta con ese presupuesto, producción y casting no haya mucho que decir, es una segunda parte como la mayoría de secuelas, mala y exagerada.

Hancock

Las cintas con giros argumentales bruscos existen desde hace mucho, tal vez la más importante y no se si la primera en la historia fue Psycho de Alfred Hitchcock, incluso la historia del protagonista de nuestro anterior post Wall-E también sufre de este tipo de cambio. Hancock lo tuvo todo para ser una gran cinta, buena producción, actores reconocidos, humor inteligente, efectos especiales espectaculares, banda sonora bien realizada y una fotografía aunque por momentos molesta, de alta definición y muy buen trabajo cromático, pero... Que mal el giro argumental que se le da, realmente echa a perder todo lo bueno que se presenta durante la primera media hora y eso se nota en la audiencia la cual al principio reía a carcajadas con todas las ocurrencias del personaje sucio y sarcástico pero luego apenas si hay sonrisas con un Hancock torpe y apocado. La historia del origen de los personajes es más que absurda y fuera de contexto, y con el giro, el personaje de Charlize Theron parece convertirse en un archienemigo, pero no, y en toda la cinta Hancock nunca tiene un rival de su talla y mucho menos hay una historia única con un hilo conductor prolongado.

Hancock una cinta colorida, hecha para divertirse y que sin ir muy lejos lo logra, aunque todos salgamos... desilusionados.

Wall-E

Es difícil comentar una cinta sobre la que hay unanimidad tanto por la crítica como por la audiencia, pero tal vez no hay que buscar suspicacias donde no las hay y simplemente decir que la película es excelente, hermosa, graciosa, emotiva y altruista.

Una tierra abandonada donde solo conviven un robot compresor de basura y una cucaracha es visitada por una sonda cibernética que busca rastros de vida. Del encuentro de Wall-E (el robot) y Eve (la sonda), surge una hermosa historia de amor y conquista, en la que Wall-E deberá atravesar el espacio para lograr su objetivo: tomar la mano de Eve, y los humanos deberán despertar de su letárgico viaje interespacial poniendo su fe en una pequeña planta que los llevará de regreso a la tierra.

La cinta estéticamente es impecable, la animación inmejorable, en especial la recreación de la tierra como una zona árida, abandonada y llena de basura, la expresividad de Wall-E e incluso de Eve son acertadas y creíbles, la música siempre romántica y fluida y el sonido impactante cuando debe serlo y relajante cuando se le necesita. El único punto inconexo es que mientras al principio de la cinta y cuando se hace referencia a grabaciones los humanos son actores reales, mientras que en la nave espacial estos son reemplazados por modelos animados muy Disney... pero bueno, olvidemos ese pequeño detalle y retomemos: otro punto importante es que la historia de fondo es muy actual, ecologista y reflexivo, acerca del papel del ser humano en la tierra, del desastre producto del descuido y deja como moraleja la unión para conseguir un objetivo mayor.

Aunque Andrew Stanton, el director de la cinta que ya había saboreado el éxito con Finding Nemo (tal vez la mejor cinta de Pixar hasta el momento), ha tenido que negar varias veces que el diseño de Wall-E sea una referencia directa a Johnny Number 5 (corto circuito), lo cierto es que la cinta si hace referencia directa al cine silente, también a anteriores películas del estudio como Monsters Inc y Toy Story, así como a Apple, ya que Wall-E tiene un iPod en el que ve videos y su sistema operativo es Mac. Pero estas son solo anécdotas que junto con la excelente trama, historia concisa pero bien contada y un gran esfuerzo estético y técnico, hacen de Wall-E no otra cinta más de vacaciones sino una pieza para recordar toda la vida.

The Good Shepherd

Robert De Niro nos trae su segundo film como director, una historia totalmente ficticia pero basada en hechos reales, acerca del surgimiento de la CIA, la guerra fría, del fracaso en la invasión a Bahía Cochinos y la historia de un hombre, Edward Wilson (Matt Damon), como testigo y miembro fundamental del nacimiento de la contrainteligencia norteamericana.

Hace poco vimos el caso de Requiem sobre como una cinta que tiene todos los atributos para ser buena resulta en todo lo contrario, esto mismo sucede con El buen pastor, aunque en esta además se suman un gran presupuesto, una producción impecable y un elenco de estrellas y la verdad es que el resultado deja entre dicho el papel de De Niro como director ya que es en este único aspecto en el que la película falla, pero es tal vez el aspecto más importante ya que la edición final y el montaje son la cocción donde todo el esfuerzo de la producción se moldean como el producto que se le venderá a los espectadores.

En una palabra la cinta es aburrida y para complementar mal contada. La cinta de dos horas y media da demasiados saltos a través de flashbacks innecesarios (con el primero se hubiera podido hacer un hilo conductor, sin necesidad de otros), tratando de contextualizar la vida de Wilson y ofreciendo en cada salto muy poco al espectador, fuera de eso hace ver la vida de los espías como el trabajo más aburrido del mundo, casi todos los personajes son inexpresivos y ni siquiera las escenas de violencia que son varias logran acelerarnos el pulso. E insisto en que por demás tiene todos los ingredientes para ser una gran película, de hecho la historia aunque ficticia es muy interesante, ver el aspecto humano y deshumanizado del patriotismo y de los servicios de inteligencia, su creación, desarrollo y su operatividad interna es fascinante, así mismo la actuación de Matt Damon y Angelina Jolie son demoledoras, personajes con mucho dolor interno, serios, diferentes, resignados, que cambiaron una vida feliz por estabilidad. Una fotografía impecable, que se mezcla con escenas de cine y televisión de la época, buen uso del sonido, excelente elenco de actores de respaldo encabezados por el propio De Niro y un final demoledor, estos entre muchos otros atributos hacen que esta cinta no pase del todo desapercibida.

Edward Wilson renuncia a su futuro y ofrece su alma a una bandera, a la idea de libertad y dominio, convirtiéndose en una máquina racional e insensible y arrastrando a todo lo que quiere a un abismo de dolor infelicidad.

Sunshine

Danny Boyle nos presenta un thriller psicológico de ciencia ficción donde el enemigo no proviene de la oscuridad sino de la luz, el sol como dios poderoso que nos castiga con su ausencia y que obliga a los humanos a enviar una misión espacial para lanzar una bomba a su núcleo y de esta forma evitar su extinción.

Una tripulación de científicos internacionales es enviada como última esperanza ya que el primer intento falló desapareciendo junto con la nave y los tripulantes, y digo última esperanza porque para esta segunda bomba se usaron todas las reservas de materiales inflamables de la tierra.
La cinta es del tipo Backstory ya que desarrolla su propia historia al margen de este evento mayor: en primera instancia nos muestra como el viaje, la exposición a la luz fuerte y las distorsiones espacio-temporales afectan a los miembros de la tripulación, como estos metódica y rigurosamente planeaban el ataque al sol y la vuelta a casa. pronto la nave percibe la llamada de auxilio de la primera misión y al ir a su rescate se encuentra con una nave vacía y una tripulación inmolada. De pronto la muerte se apodera de la nave y un enemigo lunático y con delirios de grandeza transforma la cinta en una historia de terror y asesinatos.

La película a pesar del buen recibimiento de la crítica fue un fracaso taquillero que solo dio pérdidas, sin embargo es un gran ejemplo de preproducción y dirección tanto de fotografía como escénica. Boyle reunió un grupo de excelentes actores internacionales y los entrenó de tal manera que pudieran adaptarse a situaciones de aislamiento y discernimiento científico: los actores fueron obligados a vivir juntos 6 meses, recibir clases de física y sobre todo acerca del sol, se les envió a experimentar gravedad cero en un avión, también un curso de buceo con escafandra y los llevaron a un viaje en submarino para que experimentaran claustrofobia, se les dio a leer libros de cosmología, viajes espaciales, conferencias sobre el futuro, etc. Así mismo la producción de la cinta fue asesorada por expertos científicos de diversas áreas y de la NASA. Sin embargo ellos mismos critican que los escritores se hayan salido tanto del límite de lo “posible” y hayan creado situaciones que no se ajustan a la realidad.

La música también es un elemento hermoso que se funde con una fotografía brillante y distorsionada que trata más de reflejar sentimientos que imágenes y que se ajusta a la psicología de cada personaje. El trabajo actoral es sobresaliente y no se podía esperar menos de un equipo de actores serios encabezado por Cillian Murphy (El viento que acaricia la pradera), cada personaje es bien definido y en ningún momento tratan de interpretar héroes sino personajes científicos y racionales.

Sunshine es una hermosa propuesta escénica, difícil de digerir, con un ritmo pesado y una fotografía por momentos extraña y envolvente, pero sin duda con escenas que recordaremos siempre.

The Incredible Hulk

Algo se trae Marvel entre manos y ese algo es una versión de The Avengers para el 2011, por eso ya está preparando terreno con cintas como Iron Man y la nueva versión de Hulk, no se nos haga raro ver próximamente versiones cinematográficas de Captain America o Thor, quienes también hacen parte del equipo de héroes.

Esta cinta que en un comienzo fue pensada como segunda parte de la realizada por Ang Lee, gracias a Edward Norton fue totalmente cambiada y relanzada como una nueva versión, menos psicológica pero con mucha más acción, la cinta nos presenta la historia de persecución bastante influenciada por la serie de televisión de los 70s: Se utiliza la melodía de piano cuando Banner camina y hace autostop, los ojos de Banner se tornan verdes antes de transformarse, Lou Ferrigno hace la voz y gritos de Hulk (además aparece brevemente como celador), la máquina del laboratorio donde sufre el accidente es igual a la utilizada en la serie, se hace una reconstrucción del accidente de Banner tal cual se hacía al principio de cada capítulo de la serie, etc.

En términos generales es mejor que su predecesora, el monstruo es mucho más realista y humano, no un ente que solo tira cosas, se podría decir que en lo único que se equivoca esta entrega es que no se ve realmente una preocupación de Banner por su situación, simplemente sigue una rutina para controlarla y pasar desapercibido, pero nunca hay ese deje de insatisfacción y dolor interno que si han transmitido otras versiones. Otro punto a favor es que al final Hulk se enfrenta a un enemigo a su altura, no simplemente a soldados que no le hacen daño. Norton como siempre, serio y distante; Liv Tyler decepciona con un personaje entre tierno y tonto pero William Hurt y Tim Roth se roban el show como los villanos.

En una cinta de estas no hay que dejar de lado los efectos especiales, muy buenos, por cierto y acompañados de una iluminación estupenda. La cadencia de la cinta está bien manejada y aunque es vertiginosa en casi todo momento, está bien fundamentada y siempre es cíclica, haciendo que tenga buenos espacios para respirar y descansar de la acción.

Hulk es un monstruo sensible y en algunos casos con humor, la cinta no defrauda y sin superar a Iron Man es propicia para una tarde de acción y aventura.

Requiem

La mayoría de críticos no aceptarían nunca que de dos películas sobre el mismo tema, la primera un thriller de terror y misterio americano y la otra una película dramática alemana con gran enfoque artístico, sea la primera mucho mejor que la segunda, esto pasa con The Exorcism of Emily Rose y Requiem.

Hans-Christian Schmid nos entrega esta ladrilluda historia que solo dura 90 minutos pero que se estira y se hace eterna hasta la desesperación del espectador. La cinta basada también en el exorcismo de Anneliese Michel nos cuenta la historia de Michaela Klingler, una muy hermosa joven alemana que ha sufrido toda su vida de una epilepsia progresiva y que a sus 21 años ingresa a la universidad y justo en su primer año de colegiatura la enfermedad que había sido controlada en casa se vuelve a desatar. Ella abandona el tratamiento médico debido a su ineficacia convencida de su posesión y comienza a ser tratada espiritualmente a través de exorcismos por dos sacerdotes.

Schmid trata de profundizar en el debate espiritual-científico, además de ubicar la cinta en un ambiente muy cercano al de la historia real con una ambientación estupenda de la Alemania de los años 70. El mayor acierto de la cinta es tal vez mostrar la intimidad de una joven muy religiosa que empieza a descubrir el mundo, el amor, la libertad, la música (por cierto una muy buena selección de rock de la época), pero que tiene que enfrentar socialmente sus problemas mentales. La cinta debate mucho sobre el aspecto médico de los sufrimientos de Michaela y sobre el conflicto moral que representa la seguridad de la casa vs. la libertad de crecer vs. su fanatismo religioso, pero es precisamente por lo largo de estos debates que básicamente la cinta se queda flotando en el nudo y nunca tiene un desenlace, es hora y media en la que se habla mucho pero al final no queda nada y para el espectador la cinta termina abruptamente, aunque la cadencia es tan lenta y falta de emociones que lo último que uno quiere es que dure más, además la técnica documental de cámara en mano no cumple el objetivo de hacer más real o sensible la historia, y en una historia de drama resulta incluso molesta, aunque los primeros planos si son bastante interesantes y ayudan en las escenas profundas y en la interiorización de los personajes.

Para recordar los hermosos paisajes de las colinas alemanas y las actuaciones soberbias de la mayoría de actores menos de los sacerdotes, pero sobre todo la de Sandra Hüller, hermosa, muy sensible y profunda, una gran calidad en esta actriz formada en el teatro que tiene un aire a Cate Blanchett y que por su interpretación ganó el Oso de plata del festival de Berlín, así como la de Burghart Klaußner actor que interpreta a un padre cariñoso, comprensivo, fuerte y decidido.

Requiem es un claro ejemplo de cuando el llamado cine arte es solo una etiqueta de venta.

Mr Brooks

Esta es una de esas buenas ideas echadas a perder por tratar de abarcar demasiado. Mr Brooks, interpretado por Kevin Costner, es un exitoso hombre de negocios quien también es una especie de asesino serial con ansia de retirarse y que lleva dos años en Alcohólicos Anónimos para calmar su patología.

Esta vez Mr Brooks no se puede resistir y por un descuido se ve envuelto en un chantaje por parte de un pervertido que quiere aprender a matar. Este es el tema central, sin embargo la cinta se pierde en varias historias paralelas como la de la detective interpretada por Demmi Moore, amenazada por un convicto que ha escapado y por su esposo que piensa desfalcarle en el juicio de divorcio; la hija de Mr Brooks embarazada y que mató a hachazos a un compañero de clase; historias que no aportan pero si hacen desviar el hilo del argumento principal.
Otro error en el que cae el argumento es en el de mostrar a Mr Brooks como un psicótico en vez de como un psicópata, que sería el mal que sufren los verdaderos asesinos en serie, el personaje en cambio se arrepiente a toda hora de lo que hace, reza, jura y rejura que lo va a dejar, es un gran padre y esposo considerado, etc. lo único que tiene de asesino en serie es hacer rituales cada vez que mata a alguien, otra falla es que es demasiado consciente de lo que hace.

Tal vez lo más interesante de la historia es la conciencia asesina de Brooks: Marshall, interpretado de buena manera por William Hurt, un personajé irónico, descarado, pero que cae bien y refresca la inexpresiva actuación de Costner.
La cinta además carece de cadencia, en algunas escenas parece una cinta de acción pero en la mayoría, una mezcla de suspenso, drama psicológico y familiar.

Mr Brooks se arrepiente de sus asesinatos y yo de perder dos horas viéndola.

North Country

La fórmula novelera gringa vuelve y juega: una injusticia que termina en un largo juicio, el débil que lucha contra el poderoso e indolente, litros de lágrimas y cuando todo se cree perdido un milagro que lo cambia todo.

La hermosa directora neozelandesa Niki Caro nos trae una historia basada en el juicio que redefinió las leyes de acoso sexual y también de ambiente laboral para las mujeres en USA. Aunque uno podría creer que es un gran tema, la historia se desvirtúa con el exceso de melodrama, heroísmo, y clichés a los que nos somete Caro, eso sin contar la introducción de la historia, tan larga, aburrida y fuera de contexto que no aporta nada más que 20 minutos de bostezos.

Los puntos a favor de la cinta son claramente las actuaciones brillantes de la mayoría de actores, en especial de Frances McDormand y Charlize Theron quien confirmó en un papel mucho más real que el de Monster que es una actriz a tener en cuenta. La producción es bastante buena, la ambientación de la mina y los años 80s es impecable, la música acorde y nada empalagosa. Del plano argumental lo único rescatable es que todos los personajes se definen con precisión y son bastante creíbles.

North Country solo nos deja la bella imagen de Charlize, fuerte y decidida en medio de una comunidad fría y un paisaje de nieve y carbón.

El hombre de arena

La primera película de un director siempre está llena de sorpresas, buenas o malas, pero en el caso de esta cinta del español José Manuel González, son excelentes. Este director debutante nos regala una historia sencilla, bien contada, enmarcada en una hermosa fotografía y puesta en escena, así como un trabajo de iluminación notable.

El argumento es la narración de una historia de amor en medio de la intolerancia y el dolor: Mateo, un inconforme que es condenado en los años 60 por la ley de vagos y maleantes que imperaba en España, a pasar una condena injusta en un hospital psiquiátrico, devuelve la vida y alegría a los habitantes de este lugar y vive una historia de amor que no puede ser con una de las internas. Y es esta unión el eje de una hermosa historia; la lejana ternura y extraña belleza de María Valverde, como Lola, una mujer con mucho dolor y el alma rota por los abusos de los que fue víctima, se complementa de forma fantástica con el afán de libertad y orgullo del soñador Mateo (Hugo Silva). Pero alrededor de ellos una serie de personajes bien definidos se ganarán el cariño y en otros casos el odio de los espectadores, cada uno de ellos con un rol definitivo en la historia y por que no, con su propio discurso, muy especial sobre todo el personaje llamado El francés, interpretado por Samuel Le Bihan, espectador, testigo, amigo, pero sobre todo sorpresa tras sorpresa en cada una de sus intervenciones.

Buenas actuaciones, mucho sentimiento, mucho humor, pero sobre todo un argumento sólido y una dirección limpia, es el regalo que este director nos trae y que esperamos siga por una buena senda cinematográfica y así como su personaje Mateo que no quiere ser un hombre de arena que se lo lleve el viento, sus cintas sigan siendo personales y fuertes como esta.

Citizen Kane

Esta cinta solo la he visto 3 veces en la vida, la última el día de ayer, pero solo falta verla una vez para entender su magnitud. Para la crítica es la mejor cinta de la historia, para los historiadores el llamado segundo momento más importante de la historia del cine, para todos el gran ejemplo a seguir.

Orson Welles, un actor de teatro de 24 años sin ninguna experiencia en el cine y lanzado a la fama por una versión radial tipo noticiero de La guerra de los mundos que causó caos y paranoia, se aventura a realizar, dirigir y protagonizar una historia donde ironizaba y criticaba ferozmente al magnate de las comunicaciones del momento: el multimillonario William Randolph Hearst.

Rosebud, la última palabra pronunciada antes de morir, por el magnate Charles Foster Kane, es el eje central de una investigación periodística, que recorre la vida de este hombre con el único fin de hallar el significado de esta. ¿Qué o quién es Rosebud? ese es el misterio que todos quieren saber.
Kane, un hombre educado para el éxito, la ambición y los negocios, es un ser solitario que no sabe amar, incapaz de sentir pero que busca por todas las formas que lo acepten y lo amen. Manipulador de la opinión y la sociedad, incendiario sin escrúpulos que consume a todas las personas que se le acercan y que al final escapa de una sociedad que considera imperfecta, creando su propio reino de lujo e infelicidad.

Sin embargo, la importancia de esta cinta no radica en su argumento, que es bastante bueno, sino en el gran logro alcanzado por Welles, quien definió la forma de hacer cine desde ese momento al utilizar técnicas ya creadas de forma eficiente y prestando gran detalle a la producción así como al montaje, que para ese entonces no existía o si existía era un recurso puramente técnico más no conceptual. Iluminación del expresionismo alemán, técnicas documentales y propagandistas del cine ruso, utilización de grúas en las cámaras, efectos y movimientos de cámara, profundidad de campo, narración implícita, gran uso de efectos de sonido, escenografías completas y techadas, maquillaje y caracterización cronológica, una historia vista desde el punto de vista del narrador y contada de forma inversa. Todo esto finalmente se amalgamó en un gran montaje, donde la cadencia, los efectos, las transiciones y el sonido, transitan de manera fluida aportando carácter, emoción y sentido a la historia.

Orson Welles creó lo que se llama la espiral argumental que es la que define si una cinta es buena o no, básicamente la espiral la conforman todos los elementos técnicos y artísticos que giran alrededor de la trama, estos deben alimentar la trama de forma eficiente sin sobrepasarla o sobreponerse a esta, pero tampoco sin deficiencias, de esta forma todos los elementos por ejemplo un movimiento de cámara, deben tener un significado, producir una emoción, involucrar al espectador o reforzar el argumento.

Welles nunca pudo superar su ópera prima. Aunque en sus siguientes obras se nota madurez y un mayor conocimiento, siempre será recordado como la imagen del cine, como el gran Ciudadano Kane.

La Sconosciuta

En su última cinta Giuseppe Tornatore se aleja de su conocida temática melancólica y nos trae un thriller de suspenso, violencia psicológica y física.
La historia de Irena, una mujer traumatizada, exprostituta esclavizada y sometida a los más crueles vejámenes que busca su propia idea de liberación materializada en una pequeña que cree que es su hija. Irena hará todo lo posible por llegar hasta ella, ganar su cariño y ayudarla, aunque realmente como lo dijo el propio Tornatore lo que busca es "reconquistar un pedazo de su vida echado a perder".
Irena no escatima en recursos para lograr su cometido y no le importará pasar por encima de nadie, aunque la sombra de su pasado nunca la deja y la sigue buscando venganza.

Una sólida y fría interpretación de Irena hace la actriz rusa Ksenia Rappoport, quien solo se desvanece en presencia de la niña, a la que ama y que padece de una extraña enfermedad que ella le ayuda a superar. A propósito de esta niña, Clara Dossena, es un gran descubrimiento, una promesa que cumple el reto de una interpretación difícil y profunda. Los demás actores son viejos conocidos del cine italiano quienes en general hacen interpretaciones intensas y misteriosas.

La cinta, es muy moderna en su fotografía, la cual se mezcla de forma excelente con la música clásica y electrónica gracias a la dirección del maestro Ennio Morricone, tomas rápidas, recuerdos perturbadores, primeros planos de gran expresividad y un implacable violín que desgarra y estremece. El único punto desconcertante de la cinta es como se desamarran lo nudos argumentales. De todas formas la cinta ganadora de 5 premios Donatello (el equivalente italiano del oscar), es una gran muestra de manejo escénico y dramático por parte de Tornatore y el debut internacional de una actriz que esperamos seguir viendo.

Iron Man

Lo mejor de esta película es su héroe, Iron Man, pero sobre todo Tony Stark quien es tal vez el héroe más realista y más interesante de todo el espectro Marvel y DC comics. Tony Stark tiene todas las características de los villanos: millonario, inquieto, derrochador, mujeriego, arrogante, egocéntrico, trabaja en la industria bélica, pero si lo pensamos bien, si existieran los superhéroes en la vida real, serían personas de estas características, porque quien más podría vivir de esto, solo un millonario, con acceso al poder, a las armas y a la tecnología. Héroes como los X-Men, Superman y hasta Batman son solo idealismos, personas traumatizadas, exconvictos, fracasados, mutantes, extraterrestres y todo ese oscuro pasado que rodea a los superhéroes suena bonito pero Tony Stark no sufre de nada de eso a pesar que es huérfano, bueno aunque más adelante en el comic Tony se vuelve alcohólico pero es más por su tipo de vida (y por darle algo de morbo de parte de los escritores) que por otra razón. Esto me recuerda lo bien recibida que fue la personalidad de Peter Parker en la última entrega de Spiderman, cuando empieza a ser influenciado por Venom, un tipo arriesgado, conquistador y eufórico.

La cinta recrea muy bien los comienzos del héroe, en un ambiente actual, los efectos son muy realistas y muy bien manejados, el único deje es que debido a que Tony dura casi toda la película creando su traje las escenas de batalla son más bien pocas, algo que se pudo haber condensado ya que Obadiah Stane crea el Iron Mungle como en 5 minutos. Las únicas diferencias notables con el comic es que Pepper Potts no usa minifalda y que Stark al final revela su identidad, algo que no pasa en el comic.

Las actuaciones aunque se centran en los personajes de Tony y Obadiah son buenas: Robert Downey Jr. sorprende al salirse de sus encasillados papeles dramáticos, incluso revela un trabajo físico importante al subir en su masa muscular y es bastante imponente y cómico. Jeff Bridges sufre una transformación al mostrarse rapado y con barba, casi irreconocible y muy bien caracterizado como villano. los demás personajes salen poco aunque me imagino que cobrarán mayor relevancia en las siguientes entregas, a propósito, esperen a que se acaben los créditos para salirse de la sala. Hasta el robot Baba sale bien librado en su interpretación como la mascota-ayudante de Stark.

Una cinta divertida, muy entretenida, con una producción impecable y una gran cantidad de humor, incluso que sirve para la reflexión sobre la industria armamentista y los efectos de la misma.

Children Of Men

Una trágica historia sobre la esperanza.
Basada en el libro de P.D. James, Alfonso Cuarón nos trae una muy buena cinta que se podría clasificar como una road movie. Situada en el año 2027, nos muestra como una pandemia ocurrida 18 años antes dejó a a los humanos (a las mujeres, aunque en el libro es a los hombres) infértiles y como el caos se ha apoderado del mundo, siendo Inglaterra el único gobierno que se sostiene persiguiendo a inmigrantes y refugiados, aunque amenazado por los Fishes (un grupo insurgente de oposición que vela por los derechos de estos) y también por grupos musulmanes que ya se han tomado casi todo Estados Unidos.
Theo Faron un activista alcohólico y fracasado es contactado por su ex-esposa (la lider de los Fishes) para ayudar a Kee, una inmigrante africana, a pasar la frontera y poder llegar a la embarcación Tomorrow, donde un grupo de activistas y científicos trabajan por conservar la especie. Lo trascendental del asunto es que Kee es la primera mujer embarazada luego de 18 años.

Cuarón nos cuenta esta historía a través de una magnifica producción escénica, un gran elenco encabezado por Clive Owen, y una cinematografía exquisita, Cuarón buscaba que la cinta no respondiera interrogantes a diferencia del libro e hiciera pensar a los espectadores básicamente en el tema central que es la esperanza, no quería una historia complaciente ni repetitiva sino que los espectadores tuvieran que leer entre líneas, la cinta hace clara apología al nacimiento de Jesús y otras referencias cristianas y religiosas como la palabra Shanti, utilizada por la gitana que les ayuda y al final de los créditos y que significa paz interior. También es antifuturista ya que no nos muestra un futuro hi-tech, sino una propuesta más cercana y contemporánea, recordándonos un poco a la Naranja Mecánica. Las escenas de guerra son muy urbanas, utilizan cámara del tipo documental y nos referencian sobre todo a películas como Rescatando al soldado Ryan o Black Hawk Down. Otro punto inmportante en su producción es la afición de Cuarón por las Single-shot sequences (Secuencias largas grabadas en una sola toma), una técnica arriesgada y difícil para los actores que no están acostumbrados a ellas y que en este caso son mucho más difíciles ya que los actores tienen que interactuar con CGI y por lo tanto requieren coreografías con cosas que no existen mucho más largas y complejas.

El tema es bastante bueno, muy de moda (I Am Legend, cintas de catastrofes o virus mortales) y casi que rayando en el cine de terror ya que los protagonistas van muriendo uno a uno mientras continúa el road. Un tema de esperanza en medio del caos, de la última luz para la humanidad y porque no, del tema de la inmigración que es tan complejo y actual.

Perro Come Perro

Es la ópera prima del director Carlos Moreno, quien viene del mundo de la publicidad y los videos, una nueva producción de RCN después de su exitosa pero insulsa Paraiso Travel. Una película que existe hace mucho pero por cosas del mercado hasta ahora se estrena, eso si con toda la parafernalia de los medios de comunicación.

Perro Come Perro nos trae una historia de traición y más traición, robos, muerte, venganza, brujería y toda la truculencia imaginable; La decisión de Victor Peñaranda, un sicario amargado y con problemas sentimentales, de robar a su patrón, será la bola de nieve que desencadena muerte tras muerte y litros de sangre desparramados por la pantalla. El tema es muy sencillo, altamente utilizado incluso en cintas tan aclamadas como No Country For Old Man, pero de todas formas repetitivo y absurdo. Esta cinta se destaca más por su producción y actuaciones que por otra cosa. Aunque muy merecido el premio que Marlon Moreno ganó en Guadalajara por su actuación, es de destacar las interpretaciones de: Blas Jaramillo (El orejón); Alvaro Rodriguez, quien con su descarado humor marca el ritmo de muchas de las escenas; Paulina Rivas, una actriz natural que sorprende con su sólida interpretación de la bruja Iris; pero sobre todo la profunda y oscura interpretación de Oscar Borda como Eusebio, sicario compañero de Peñaranda quien es atormentado por la venganza y la magia negra.

La cinta nos muestra escenarios naturales, muy urbanos, sucios y contemporáneos del Valle Del Cauca, un manejo exagerado de la cámara en mano pero muy acertado cuando de primeros planos y detalles se trata; es notorio el uso de story board para las tomas.
Una coloración manipulada que no transmite ningún significado, un excesivo uso de la música (aunque hay que destacar que la banda sonora y sobre todo el tema principal de Superlitio son muy buenos). En general es una cinta de buena producción pero llena de clichés técnicos y argumentales, muy superior a su antecesora (Paraiso Travel) en casi todos los detalles pero inmadura en su cinematografía y espiral argumental, ya que a pesar de su ritmo, buen humor, escenas surrealistas e hiperrealistas, es una cinta donde no se resuelve ninguno de sus nudos, donde no se llega a ningún lado.

Perro come perro es un acertado esfuerzo de un director novato, un viaje truculento pero entretenido a las peores expresiones humanas, también es uno de los últimos legados (junto con su papel de sacerdote en Satanás) de Blas Jaramillo quien murió en Agosto del año pasado y quien siempre se destacó por su imponecia escénica y profesionalismo.

The Painted Veil

Una hermosa adaptación (la tercera) de la novela de W. Somerset Maugham, una historia de amor profunda y de antaño enmarcada en los extraños y solitarios paisajes de la china rural.

El castigo de una infidelidad obliga a Kitty a acompañar a su esposo a una localidad china infestada de pobreza y epidemias. En medio de su desespero ella se ofrece como voluntaria en un orfanato católico donde conocerá a su esposo por medio de su bondad, buenas obras y cariño por los niños y la comunidad. El amor despierta en sus vidas con pasión y honestidad, pero acompañado de la tragedia y el dolor.

Hermosa fotografía llena de luz, paisajes deslumbrantes y grandes planos, sirven de fondo para la clásica hermosura de Naomi Watts, para la dura y estudiada postura de Edward Norton y para un guión consistente, con diálogos acordes a la temática y la época.

Una historia de amor de principios del siglo 20, amor que se cree, amor que se esconde, que se descubre, se pierde y vibra de pasión sobre la profunda y emotiva musicalización que le mereció varios premios a Alexandre Desplat.

10 Items Or Less

Una cinta muy barata, con una historia muy sencilla, con un elenco reducido y que básicamente no generó ganancias, nos presenta una muy divertida historia sobre la cotidianidad y el deseo de superación.

Morgan Freeman se representa a si mismo y lo hace muy bien, hasta tiene la misma ropa que le vemos en todas las entrevistas y sirve como guía entrometido, espectador despistado y manipulador despiadado de la vida de Scarlet Morales, una muy frustrada inmigrante española y cajera de supermercado, representada por la hermosa Paz Vega. Freeman la conoce porque supuestamente viajó a los barrios pobres de Los Angeles para aprender el oficio de Administrador de minimercado que interpretaría en una cinta. Sin embargo la vida y personalidad de Morales lo cautiva y juntos emprenden una aventura citadina de un día, en la que Freeman busca dejar algo bueno en la vida de esta mujer.
Diálogos inteligentes, buenas actuaciones, extras con parlamentos graciosos y una moraleja final, hacen de esta cinta una agradable puesta en escena, muy original y llena de buenos momentos.

A propósito esta película ha sido reconocida como uno de los “momentos más significantes del cine”, debido a que fue la primera cinta de la historia en ser autorizada para descargarla gratuitamente en la web mientras se encontraba en cartelera.

Notes On A Scandal

Hay cintas donde los actores superan a la misma producción, ejemplos hay muchos, como la para mí, mejor interpretación en la carrera de Anthony Hopkins en The remains of the day, una interesante pero somnorífera historia sobre el amor platónico de un mayordomo hacia su compañera de trabajo. Esto mismo sucede en Escándalo, donde Judi Dench y Cate Blanchett nos deleitan con sendas interpretaciones profundas y muy convincentes.

Una historia dramática sobre la relación prohibida que sostiene una maestra aburrida de su vida actual, con uno de sus alumnos y las consecuencias de estos actos, es la base sobre la que se desprende una escalofriante historia de terror psicológico, el la que Dench destila un veneno enceguecedor y sumerge al personaje de Blanchet en un laberinto sin salida y con el fin de saciar sus fantasías reprimidas. La voz de Dench como narradora principal y sus parlamentos mordaces pero refinados son insuperables, su postura, rigidez y movimientos no son casuales sino el resultado de un gran ejercicio histriónico, por otro lado Blanchet destella inocencia, belleza, pasión y una fragilidad que aveces enfierecen. La cinta demás cuenta con una buena producción de cámaras, iluminación, sonido y personajes secundarios. Tal vez la única falla es la historia misma, con situaciones por momentos poco creíbles y una escena final para olvidar a menos que queramos aprender lo que es un cliché.

Premios y nominaciones para dos actrices que se siguen consagrando año tras año.

Los hijos de Húrin

El año pasado fue anunciado con bombos y platillos el “nuevo” libro del fallecido JRR Tolkien. Todos los amantes de la literatura Tolkeniana nos preguntamos si era otra avanzada comercial de su hijo Christopher quien a sus 84 años no pierde oportunidad para esculcar en los bolsillos de su padre para ver si encuentra una nueva nota tachada y publicarla. Aunque con mucha desconfianza por fin compré el libro, me encontré con una obra que tiene un cuerpo central muy bien redactado, emocionante, trágico y gustoso. Lo más agradable del libro es que la historia es corta y se puede leer de una sola sentada (a pesar de la complejidad y cantidad de nombres), algo para nada común en la obra de Tolkien, también hay que sumar las hermosas ilustraciones en blanco y negro de Alan Lee, artista que ha acompañado la la tierra media mucha veces y que ha creado el imaginario gráfico de los mundos y personajes del Arda.

El libro comienza con una poco necesaria introducción en la que Christopher trata de contextualizar a los lectores nuevos dentro de la primera edad, los personajes, etc y además trata de explicar de donde vino el texto y como fue editado. Esto sería de gran ayuda si hubiera sido bien escrito, pero la narrativa es tan incongruente y desordenada que parece dictada por un borracho y confunde más de lo que explica. Afortunadamente para los que creían que el cuerpo de la historia había sido escrito por él, la introducción nos demuestra que es tan mal escritor que solo su padre pudo dar vida a los diálogos y situaciones narrados.

La novela nos trae una versión dialogada de la historia de Húrin, héroe de la primera edad, pero se centra sobre todo en la maldición que Morgoth lanzó sobre su prole y cuyo ejecutor fue su propio hijo Turin, y es en este personaje en el que recae la mayor parte de la trama, tanto así que tras su muerte no se aclaran los destinos de Húrin y otros personajes importantes. A pesar de que Túrin no fue un personaje lleno de hazañas (la más importante fue matar a Glaurung, padre de todos los dragones), su historia es tan detallada y trágica que fue una de las tres grandes leyendas creadas por Tolkien que fueron retomadas por éste durante toda su vida; las otras dos fueron la historia de Berén y Lúthien, que es contada brevemente en El Señor de los Anillos y la tercera es la Caída de Gondolín. Estas tres historias fueron además los poemas más extensos desarrollados por Tolkien en idioma élfico y podemos encontrarlas en su totalidad en el Silmarillón.
La historia aunque trágica es hermosa y nos habla del destino del hombre, de su impaciencia y codicia y transcurre en un universo de grandes reinos y ejércitos, de bestias y poderes muy malignos, un imaginario mucho más mágico que el de El señor de los anillos o el Hobbit (que fueron escritos rápidamente y se posan sobre la tercera edad en la que los reinos existentes, en su mayoría de hombres, solo son un reducto producto de la caída de los grandes reinos élficos y posteriormente de Númenor).

Túrin es el portador de la tragedia, de una maldición que afecta reinos enteros y sobre todo a sus seres queridos; venganza, heroísmo, honor, dolor, incesto, el bien y el mal en constante desafío. Los Hijos de Húrin es un buen ejemplo de ese universo de leyendas inagotables que a través de la magia nos transportan a grandes batallas pero que siempre dejan un mensaje entre líneas.

Away from her

Una hermosa cinta canadiense sobre como una pareja de 45 años de matrimonio afronta la separación a causa del mal de Alzheimer que comienza a ser evidente en Fiona y los conflictos emocionales que esto deriva en Grant, el esposo.
Interesante visión de una historia de amor y comprensión, cuyos matices y tumbos son marcados de manera impredecible por los cambios que la enfermedad hacen mella en la personalidad y decisiones de ella y como su esposo solo puede amoldarse y convertirse en un espectador que sufre.

Gigantesca interpretación de Julie Christie como Fiona, siempre tan hermosa y bien puesta, siempre dura y cariñosa, una mujer que acepta la pérdida de memoria y escoge sumirse en esta antes que seguir viviendo una vida que poco a poco desaparece. Increible la hermosura y postura de Julie a quien no es fácil reconocer por los años que se posan en su piel y cabellera y además que la última vez que la vimos en una gran interpretación, aunque ha hecho muchas otras cintas como Dragonheart, fue en American Gigolo como coestrella junto a Richard Gere, y nunca la olvidaremos como Lara en Doctor Zhivago. Que bueno el regreso de esta actriz y que buenos los premios y nominaciones de los que ha sido merecedora. También es un placer ver de nuevo a Olympia Dukakis en un papel entre frío y cómico.

Para destacar la fotografía llena de luz y paisajes fríos, como una metáfora de la soledad creciente entre los protagonistas y la hermosa música de piano que salpica agradablemente en segmentos de la cinta.