Rosso come il cielo

Una hermosa cinta italiana del 2006 que hasta ahora se distribuye en América nos trae la historia de Mirco, un niño apasionado por el cine que pierde la vista en un desafortunado accidente y como su genio y decisión lo llevan a superar a la misma sociedad que excluye a las personas con discapacidades.

Mirco quiere comunicar sus sueños y recrear el mundo que algún día vió , su imaginación y altanería lo llevarán a tener problemas con las autoridades del instituto donde fue recluido, pero sus ganas de expresarse hacen que la gente abra sus oídos y su corazón a lo que los ciegos pueden sentir y aportar.

La historia está basada en un personaje real, Mirco Mencacci quien es uno de los ingenieros de sonido más reconocidos de Italia y nos muestra los incipientes pero efectivos métodos creados por él mismo para poder generar sonidos, reproducir sensaciones y editar cintas, hoy en día es miembro fundador de varias asociaciones e institutos de investigación y experimentación para el sonido.

Cristiano Bortone dirige de forma magnífica esta historia sencilla llena de tanto drama como comedia pero con una gigantesca base de imaginación, el guión es exquisito y nos trae entre muchas, dos escenas para no olvidar: cuando Mirco le describe a Felice como son los colores y cuando el le regala a Francesca su primera grabación y como esta imagina todo lo que oye. La interpretación de los niños es conmovedora teniendo en cuenta que la mayoría son ciegos y actores naturales, solo Francesca y Mirco son interpretados por actores videntes, aunque ella no tiene el papel de ciega. la música y el sonido juegan un papel fundamental en la historia y resaltan en las escenas en las que se les requiere.

Se podría pensar que por el tema que la cinta es melodramática y llena de clichés pero lo cierto es que no, todo lo contrario, el mensaje que busca es que las personas impedidas así deban tropezares una y otra vez se deben superar y tampoco muestra a los niños como víctimas sino como seres con personalidades propias, errores y actitudes tanto humanas y simpáticas como desagradables.
La película es además un homenaje al amor por el cine y a las cintas italianas de los 50, 60 y 70s, como el cine es un lenguaje universal y como el sonido es parte fundamental del mismo.

John Rambo / Rocky Balboa

20 y 18 años respectivamente tuvieron que pasar para volver a ver estos personajes en la pantalla. los últimos fracasos cinematográficos de Stallone fueron tal vez el impulso que necesitaba para decidir volver a sus dos personajes míticos y filmar las nuevas cintas, las cuales se caracterizaron por no llevar números en su título sino el nombre del personaje.

La primera en lanzarse fue Rocky, la sexta entrega de la saga; Stallone dice que quiso hacerla para cerrar el ciclo ya que la 5ta parte fue negligente y no le hizo honor al cierre de la saga. La cinta nos muestra a un Rocky viejo, dueño de un restaurante, buscando novia y con problemas en la relación con su hijo, quien es contratado para una pelea de exhibición con Dixon, el campeón mundial del momento. La cinta que se mueve entre el drama y la comedia es bastante ligera y su gran momento es la pelea misma, filmada en alta definición y con una muy buena coreografía. Personalmente pienso que ha sido la mejor pelea de Rocky en todas sus cintas y lo mejor de este combate, es que no había nada en juego, ni el honor, ni el amor, ni el pobre contra el rico, ni el italiano contra el negro, ni el capitalismo contra el socialismo, nada, una pelea por pura diversión y espectáculo.



Por el otro lado tenemos a Rambo, una cita catalogada por muchos como de las más violentas de la historia, con 262 muertos y litros de sangre y pedazos de carne que vuelan durante sus 80 minutos de proyección. La cinta mucho más fiel al libro First Blood en la construcción del personaje, nos muestra a un hombre realmente afectado y que nos confiesa su gusto por matar, tanto así que en una escena donde tiene la posibilidad de matar un enemigo con una flecha, un machete, un cuchillo o un fusil, prefiere simplemente arrancarle la traquea con la mano. Por otro lado Stallone quiere dejar en claro su rechazo al régimen de Birmania y dejar al descubierto las atrocidades que comete y que son altamente expuestas al principio de la película y en otra escena: genocidio a gran escala, desplazamiento, violación de mujeres y menores, esclavización, reclutamiento forzado, comercio de drogas, asesinatos de niños, tortura, sembrado de minas, etc, etc.

John Rambo deja su tranquila vida semirural por ayudar a un grupo de misioneros a llegar a Birmania, la población a la que llegan días después es arrasada por un comando Birmaní, quienes toman prisioneros a dos de los misioneros y luego Rambo se une a un grupo de mercenarios para tratar de rescatarlos, una cinta con mala edición pero mucha acción, con un Rambo más inexpresivo que nunca y con una lección diferente: el derramamiento de sangre solo se puede parar haciendo que la sangre corra.

In the Valley of Elah

Esta cinta que por fin podemos disfrutar en Colombia, ha sido muy polémica, sobre todo en Estados Unidos. La película trata sobre el desorden de estrés postraumático en un grupo de soldados americanos que vuelven de descanso de la guerra en Irak. El tema que ha sido tratado desde hace muchos años, incluso en cintas como Rambo y más recientemente en documentales, y hasta comedias, es un dolor de cabeza para el ejercito norteamericano que debido a la inmersión de violencia que se hace a los soldados durante su entrenamiento y a las órdenes inhumanas que deben seguir en el tratamiento de prisioneros, esto resulta en un quiebre psicológico que se puede manifestar en reacciones muy violentas.
El argumento basado en una historia real cuenta la historia de Hank Deerfield, un investigador retirado de la policía militar que presiente que algo malo sucedió con su hijo, quien al regresar de descanso de su misión en Irak no se ha comunicado con él. Deerfield comienza a recorrer los pasos de su hijo y con ayuda de la detective Emily Sanders, quien al principio se muestra fría con el caso, pero luego gracias a varios descubrimientos se sensibiliza y se sumerge en este. Descubren una historia de horror sin sentido y encubrimiento oficial.
La cinta deja ver como el servicio militar ha perdido su sentido de honor y ahora solo se centra en la destrucción del enemigo. También muestra como las autoridades no hacen nada por tratar estos casos ni por enfrentar sus errores, y que solo quieren arroparse en una imagen falsa de armonía y servicio ante los medios de comunicación.
La cinta obviamente hizo levantar ampollas y algunos críticos la descalificaron como cruel e irrespetuosa. pero es evidente que este no es el sentido de la historia y que si su contenido molesta es solo porque es el reflejo de una realidad actual. Las dos horas de la cinta son intensas a pesar de ser una historia dramática, el misterio y el hilo son muy bien manejados por el director Paul Haggis. A mi gusto podemos disfrutar de la mejor actuación de Tommy Lee Jones en su carrera y una discreta pero intensa interpretación de la irreconocible Charlize Theron. otro punto que llamó mi atención fue la edición, en especial el montaje musical, con bellas composiciones de Mark Isham, que salpican de forma dramática y en su debido momento la profundidad de la historia.

En la memoria nos queda, el llanto de una madre que pierde a sus hijos y la bandera izada hacia abajo, símbolo de que algo malo pasa, pero también la esperanza de que alguien puede ayudar.

Die Hard 4.0

Para los que vivimos nuestra infancia en la década de los 80 y nuestra adolescencia en los 90, es imposible no haber gozado, si, gozado con las películas de acción de los musculosos del momento, un tipo de héroes que ya no existen y que han sido reemplazados por tipos más tiernos, depresivos y normales. Uno de ellos fue Bruce Willis, quien a diferencia de sus colegas Stallone y Schwarzenegger, siempre le imprimió asus personahes mucha humanidad pero sobre todo humor y esto es porque Willis viene de la comedia, su serie de televisión Moonlighting fue una comedia muy exitosa en los 80 tanto así que gracias a esta él se ganó un Emmy y un Golden Globe.
El saltó a la fama gracias a su personaje de John McClane en la Cinta de 1988 Die Hard y tal vez sea este su personaje más recordado siempre, la cinta además de ser un éxito en taquilla, fue muy bien recibido por la crítica.

Pasaron 12 años desde la última aparición del teniente McClane en las pantallas para llegar con una cinta fresca y divertida, con un Willis mucho más mordaz y una producción como siempre impecable. Esta cinta tiene una trama parecida a las demás: El teniente que siempre está en el lugar equivocado, en el momento equivocado, un enemigo en principio desconocido y con una aparente causa, pero que al final se sabe que solo quiere dinero, un compañero de aventura que muchas veces estorba pero que en los momentos clave ayuda y una forma de resolver el problema como solo McClane lo sabe hacer: destrozando todo lo que vea a su paso.

La cinta en general es muy entretenida, algunas escenas son absurdas y otras impresionantes, la mayoría de estas fueron realizadas por equipos de efectos especiales físicos ya que ni Willis ni el director Len Wiseman querían que estos se generaran por computador, salvo lo estrictamente necesario. Tal vez lo peor de la cinta es el antagonista, un supuesto “hacker”, que solo hace malas caras.

Dentro de la saga a mi gusto es la tercera muy por encima de la segunda parte que fué la única que se alejó de la temática, el argumento parece una respuesta a otra cinta de Willis del 2005 llamada 16 Blocks, en la que Willis tiene una misión parecida: escoltar a un sospechoso a la corte, solo que esa vez su personaje era un decepcionado policía corrupto, alcohólico y cincuentón, sin estado físico, con el pelo blanco y gordo.

Bueno al parecer Bruce Willis a sus 53 años sigue más que intacto, lleno de humor y el personaje de McClane aunque no hay que abusar de él, puede que aguante para una o dos cintas más.

10,000 BC

Roland Emmerich casi siempre ha escrito sus películas y nadie lo puede negar tiene una gran imaginación, que aunque nunca se ha caracterizado por ser muy profunda ni generadora de grandes tramas, si nos ha llevado a mundos fantásticos y acción ilimitada. Pero este ¿film? es realmente un adefesio, la historia es más que absurda; está bien cuando un escritor crea hipótesis sobre algunos acontecimientos históricos para poder contextualizar una historia, pero juntar mamuts, las pirámides egipcias, tribus africanas y europeas, en una historia supuestamente prehistórica, es más que imaginación, es un completo descache.

Ahora bien, Emmerich tampoco puede negar que ha copiado casi que en su sentido más amplio la trama y ritmo de Apocalypto, así como escenas de 300, One Million Years B.C. entre otras. Esto además hace no solo que la cinta sea mala, sino un fraude, por momentos parece la tercera parte de La Era de Hielo.

Pero Emmerich no es tonto, el sabía que ese sancocho de historias y remiendos solo podía funcionar bajo su sello, el sello de una gran producción con excelentes efectos especiales (esto es indiscutible), y una fórmula argumental usada una y otra vez, pero siempre exitosa. La cinta no desagrada al público común, a los niños y a las mamás (a la mía le encantó), pero deja esa espinita, la espinita de Titanic y de muchas otras cintas que son una ofensa al sentido común de la cultura humana, del arte, pero que por su espectacularidad o porque son fáciles de digerir, seguirán siendo las reinas de la taquilla y las seguiremos viendo los domingos en todos los canales de televisión.

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street

La sangrienta adaptación de la obra musical de Stephen Sondheim no hubiera sido tan gratamente recibida por mí, ya que en general el musical es uno de los géneros del cine que menos afecto me produce, si por otro lado no hubiera sido dirigida tan acertadamente por uno de mis directores favoritos: Tim Burton. Sin haber leído entrevistas puedo asegurar que Burton tal vez cumplió uno de sus mayores sueños ya que es un gran aficionado a los musicales y aunque ya había dirigido dos, es la primera vez que lo hace con actores reales, no con animación, así como la primera vez que lo hace con una obra reconocida.

Un hombre que fue injustamente acusado, separado de su familia y condenado de por vida, logra escapar y volver a Londres transformado en un monstruo desalmado que solo quiere saciar su sed de venganza y para esto recurre a su profesión: la de barbero, y a la ayuda de su sangrienta y práctica vecina que vende pasteles de carne. Aunque busca vengar la supuesta muerte de su esposa y el rapto de su hija por parte del corrupto juez Turpin, en su locura decide que todos son culpables y comienza a matar indiscriminadamente a sus clientes, mientras las señora Lovett se lucra al utilizar los cuerpos de sus víctimas como insumo para sus pasteles y fantasear con el amor del señor Todd. Una historia sobre lo peor de los sentimientos humanos, con un final tan trágico como el principio, pero tan sorpresivo que ni el mismo Todd se lo esperaba.

Actuaciones estupendas de Johnny Depp y Helena Bonham Carter en los roles principales; una dirección artística de gran factura que nos muestra a Londres como una extrema y sucia cloaca de tonos grises donde solo resalta el color de la sangre; La música finamente interpretada que combina a la perfección con las voces de los actores, sobre las que destaco la de Bonham Carter, fina y estremecedora a la vez. En genaral el sognido es magnífico, tal vez una de las últimas cintas que he visto con tal calidad sonora y una buena edición de principio a fin. Los efectos, en especial los de tomas de degollamiento, son de gran significancia ya que cada una posee su propia personalidad de acuerdo a la víctima de turno.

Una cinta que nos recuerda al Burton gótico, oscuro pero divertido, que nos ha llenado la imaginación de personajes parecidos y memorables. Por ejemplo el atuendo de Todd y el salón de barbería ubicado en el alar de la casa, nos manda de regreso a escenas del joven manos de tijeras.

En general la cinta es más que sobresaliente, es entretenida e inteligente tanto visual como argumentalmente. Una obra de gran valor artístico que es una bofetada para los críticos del género musical, que lo refresca pero lo sacude hacia un nuevo plano, hacia un mundo donde no hay bailarines ni vestidos de pompa, sino salpicaduras de sangre por doquier.

The Dark Knight

Antes de empezar este review quisiera recordar la mitad de de la serie anterior de films de Batman, me refiero a la primera mitad dirigida por Tim Burton y no a la otra mitad, echada a perder por Joel Schumacher, lo hago debido a las acusaciones y señalamientos, que espectadores y críticos han hecho sobre las 4 anteriores sin diferenciarlas, gracias a la buena crítica de esta nueva entrega. Lo cierto es que Burton quien había desarrollado un estilo artístico y una oscuridad evidente, en la cual profundizaba en la psiquis de Batman y sus enemigos,renunció debido al cambio de tono de las cintas. Otra injusticia que se menciona a cada rato es decir que la interpretación de Heath Ledger fue superior a la de Jack Nicholson, esto es pura ignorancia mediática ya que ambos Jockers y ambos Batman corresponden a sagas diferentes dentro del mundo de comics que han recreado la historia del héroe. El trabajo de Burton estuvo basado en (valga la ironía) Batman: The Dark Night, es decir el comic original, mientras que los filmes de Nolan están inspirados en la serie llamada Batman: The Long Halloween, una versión oscura y con ambivalencias morales para el protagonista. No por nada Nicholson fue nominado 3 veces a premios por su interpretación, incluido el Oscar.

Bueno ya continuando con la cinta de Nolan, tenemos una entrega mucho más madura que la anterior sobre los primeros días de Batman como vigilante de ciudad gótica, con un villano mucho más definido y un ritmo frenético que no para nunca durante las más de dos horas de proyección. La historia narra la llegada del Jocker a la ciudad y su escalada en pro de apoderarse de la mafia anteriormente liderada por Falcone, también narra el acenso y caída del fiscal de distrito Harvey Dent quien termina deformado y con odio en su corazón convertido en el 2 caras, luego de ser el héroe que la ciudad aclamaba. Y es precisamente Dent el gran objetivo del Jocker quien lo consideraba su antítesis mientras que a Batman simplemente lo utiliza como escalón y en general lo considera solo un estorbo lleno de taras morales. Es este aspecto de reflexión interna el que atormenta a Batman y a casi todos los protagonistas dentro de la historia: ¿hasta donde se debe llegar para lograr algo?, ¿el fin justifica los medios? tanto es así que por momentos podemos pensar que estamos ante uno de los experimentos sádico-sociales de Jigsaw el asesino de Saw (Juegos Macabros).

El arte de la película está notablemente influenciado por Frank Miller, es mucho más oscuro que en la primera entrega y la caracterización del Jocker es simplemente demencial. A diferencia del de Nicholson que era un tipo con cierto glamour y lider indiscutible de una organización mafiosa, el nuevo Jocker es un monstruo inhumano, un mentiroso compulsivo, un asesino serial y solitario. La caracterización de Ledger es indiscutiblemente magnífica y es el resultado de un trabajo de introspección que realizó en solitario durante un mes, pero él no es el único que resalta aunque es definitivamente el protagonista; que bueno es volver a ver a Gary Oldman con una caracterización fuerte y muy interesante el papel de Aaron Eckhart como Dent quien pasa del cielo al infierno, del héroe al villano.

La producción es impecable, la música tan compulsiva como la cámara, los efectos especiales espectaculares, así como el maquillaje y la iluminación. La cinta fue grabada en Imax, aunque en Colombia la vimos en formato normal (un jalón de orejas para la gente de Maloka que pudo haber proyectado una versión Imax y no lo hizo).

Bruce Wayne siente el peso de su responsabilidad y se ve impotente ante un villano que no tiene nada que perder, la pregunta es hasta donde llegará para poder salvar a ciudad gótica de su destrucción y ¿que le costará a él esta decisión?

Jazz Fusión Colombiano

El Jazz es uno de los géneros musicales que más exalta el virtuosismo de sus intérpretes, el que está bien hecho es hermoso, pero es tan experimental que nunca me había llegado al corazón. Escribo este post por la sorpresa que me ha dado descubrir un movimiento naciente de nuevo Jazz en Bogotá, este se ha nutrido gracias a bares, festivales y eventos que nos han dejado disfrutar de estas bandas. El Jazz aunque siempre tan variante tuvo su primera vertiente o fusión moderna en Europa con el llamado Acid jazz por allá en los 90s, de este movimiento que continúa, tal vez su más popular representante (aunque el menos “representativo” musicalmente hablando) es Jamiroquai. En latinoamérica el Bossa Nova es sin duda una música con alta influencia del jazz, aunque no necesariamente derivado de este.

Mi primer contacto con el Jazz Fusión fue por allá en el 2001 cuando conocí a Victoria Hernández, ahora conocida como Victoria Sur, quien estaba conformando una agrupación llamada Conmoción Interior pero que finalmente se llamaría Mandrágora (no confundir con la agrupación de metal del mismo nombre), la hermosa voz de Victoria adornaba una mezcla de jazz, bambuco y rock de los 70. Ahora en su vida como solista Vicky dejó de lado un poco ese jazz y se fue más por el Chill, aunque con el mismo sabor a bambuco y letras bastante profundas.

Durante los 90 la fusión la deteminaban los grupos de rock que influenciados por el éxito de Carlos Vives empezaron a trabajar en este formato, esto decantó en el espantosísimo subgénero del tropipop, aunque también generó buenas agrupaciones como Superlitio o Bloque de búsqueda, pero fue la influencia del inglés Richard Blair quien dió un giro muy fuerte a la llamada fusión hacia la electrónica, así es como hoy podemos disfrutar de grupos como Chocquibtown, Sidestepper, La Mojarra Eléctrica, Pernett, entre muchos otros... pero el jazz seguía perdido. Y fue este 20 de julio durante el llamado concierto por la libertad de la ciudad de Bogotá que pudimos disfrutar masivamente de dos agrupaciones de jazz contemporáneo. Una de estas agrupaciones fue Primero mi Tía, un colectivo que mezcla el jazz, con música folclórica de las costas colombianas, pero del cual no voy a hablar mucho ya que su carácter experimental no es muy atractivo para mi gusto, pero que ustedes podrán juzgar entrando a su mySpace.

La gran sorpresa de esa tarde fue la agrupación Ensamble Sinsonte, formada por músicos de gran factura que mezclan las notas de jazz con la música del llano colombo-venezolano, en el concierto estuvieron acompañados por una pianista bastante virtuosa que se complementaba muy bien con el resto del grupo.
Es realmente una nota refrescante para una música que debido a su estructura rítmica resulta bastante repetitiva, también propone el no uso del arpa, sin sonar extraño o sin agredir al género.

Finalmente hablaré de una agrupación que tuve la oportunidad de ver el viernes pasado en el bar Matik Matik, y que me dejó más que sorprendido no solo por su propuesta musical, sino por el carácter, actitud y fuerza de sus interpretaciones, se trata de Negra de Tinta, quienes fusionan los instrumentos del jazz con los sonidos del pacífico, el caribe y en algunos casos el hip hop. A diferencia de Primero mi tia esta es una propuesta mucho más sólida, con un estilo definido y con un buen manejo de la tarima y el público. El ensamble sonoro del clarinete y el saxofón son la base de esta poderosa banda que divierte el espíritu y deleita el corazón.

Bueno esperemos que estos grupos surjan al mercado masivo, que lleguen no solo a bares o emisoras especializadas sino que se conviertan en un género común, por que esta buena música no solo no es fácil de hacer sino difícil de sostener.

Bella

Es la cinta debut del mexicano Alejandro Gomez Monteverde, una película norteamericana pero enfocada en la comunidad latina de New York.

La cinta es hermosa en fotografía, gama cromática y tiene una excelente banda sonora. Su argumento es un doble drama que se cruza: José una estrella mexicana del fútbol que pierde la chispa de su vida en una desafortunado accidente y Nina una mesera norteamericana que es despedida el día que se entera que está embarazada. Ambos emprenderán un viaje de reflexión y búsqueda durante un día que les cambiará la vida y les traerá nuevas esperanzas y alegrías.

Una cinta hogareña graciosa y emotiva, con un mensaje moralista pero bien manejado que más que en contra del aborto es realmente un canto a la alegría de vivir y seguir adelante. Otro punto a favor de Bella es la visión positiva que da la cinta sobre la comunidad latina, sin grosería, sin narcos, sin ilegales, sin mulas ni pandilleros, personas sencillas y bondadosas que han salido adelante con su trabajo y tratan de conservar su idiosincracia.

Bella es un buen debut, algo sobrevalorado, ganadora de múltiples premios, con una producción limpia pero un argumento no muy solido,con flashbacks confusos y actuaciones melodramáticas pero que logra su objetivo de anteponer lo sentimental a lo argumental y que deja una sonrisa, una buena moraleja y la esperanza de seguir disfrutando de un buen director.

28 Weeks Later

Lo malo de esta cinta es que ya hay planes de hacer la tercera, lo bueno es que no es tan mala como uno podría imaginar. La secuela de la exitosa 28 Days Later, llega mucho más sangrienta, más vertiginosa, tal vez con más presupuesto, pero menos sorpresa, menos profundidad, menos humanidad y extrañamente menos terror.

Se nota que hubo un esfuerzo interesante en realización con la contratación de buenos actores, una buena utilización de locaciones, efectos especiales de altura, una fotografía convincente y aunque sea por los laditos se nota la mano de Boyle quien aunque no la dirigió, porque en ese momento filmaba Sunshine, estuvo involucrado en la realización, pero lamentablemente la historia es extremadamente plana, los personajes no están vivos el tiempo necesario como para poder crear una conexión con ellos, el argumento cae en la cinta típica de zombies pero lo peor de todo es que a pesar de ser tan gráfica no asusta, no perturba.

Aunque Boyle alista su andamiaje para la tercera entrega, la historia por lo menos en este momento no da para más y ya en la próxima cinta no habrá más virus para regar ni más cuellos para morder.

Apocalypto

Es una lástima cuando la influencia de comentarios subjetivos hacen daño a una obra bien realizada, este es el caso de la cinta de Mel Gibson que se estrenó en el 2006 y que en Colombia no fue objeto de buena prensa y duró muy poco en cartelera. La semana pasada tuve la oportunidad de verla en el canal Movie City y es lamentable no haberla visto en la pantalla grande.
Esta obra sobresale por su esfuerzo artístico; digo artístico porque fue recreada con tal detalle que destella pinceladas en cada uno de sus cuadros. También digo esfuerzo porque Gibson renunció a los efectos digitales y simplemente recurrió a los mejores arquitectos y artistas para recrear el imperio Maya, además que las locaciones fueron totalmente naturales.
El montaje y la mezcla sonora son espectaculares, fluidos y envolventes, aunque esto también se debe a que el ritmo de la cinta es vertiginoso. La fotografía es vibrante gracias a que fue realizada en video de alta definición y algunas escenas filmadas a gran velocidad gracias a el uso de una cámara suspendida.
Gibson esta vez se mete no en la recreación histórica sino en la ficción histórica, llevándonos a la vida de Garras de Jaguar, un indígena cazador cuya aldea es arrasada por una escuadra de guerreros Mayas en busca de esclavos para vender y sacrificar, la cinta es osada al trata de juntar la decadencia del imperio con la llegada de los españoles a América. Gibson repite el estilo de producción de La pasión de Cristo y trata de recrear fielmente el entorno: solo utiliza actores Chicanos, descendientes de Mayas o indígenas Norteamericanos, todos los actores llevaban expansiones en las orejas, piercings y tatuajes, algunos de tinta y otros de cicatriz, la ropa, armas, accesorios y peinados fueron estudiados antes de diseñarse y se basaron en gran parte en los jeroglíficos Mayas. la cinta se gravó en su totalidad en dialecto Maya Yucateco y la ciudad Maya fue construida con maquetas basadas en las ruinas.

Mientras Garras de Jaguar tiene que correr como loco para salvar su vida y la de su familia, Gibson tuvo que salir a dar explicaciones a cuanto programa de televisión y ser la burla de todos los comediantes debido a las declaraciones que dio en contra de los judíos al ser detenido por conducir ebrio, el problema es que se puso a patear la lonchera en una industria donde todos los dueños de los estudios y las casas distribuidoras son judíos, me imagino que el tendría sus razones y que el alcohol lo traicionó, en fin, esta se la cobraron algunos críticos que trataron de distorsionar el objetivo de la cinta al decir que era racista, desacertada y mentirosa ya que mostraba a los Mayas como asesinos violentos. Lo cierto del caso es que la crítica de muchos otros medios si fue objetiva, así como muchos directores de Hollywood y la verdad es que la cinta es interesante, entretenida y hermosa, tanto que ha recibido más de 20 nominaciones a premios de los cuales ha ganado bastantes en cinematografía, mezcla de sonido y actuaciones, pero eso si, ni una sola nominación a mejor director.

Eastern Promises

A David Cronenberg le fascina el sexo, las plagas infecciosas o deformaciones físicas y la violencia en exceso. Y aunque su trabajo en los últimos años ha dejado de lado un poco el tema sexual y el terror, cada vez explora más el tema de la violencia y nunca sus cintas han dejado el género del thriller psicológico.

El sigue desarrollando un cine personal y a sus 65 años, este canadiense es uno de los directores más provocadores, originales, polémicos y siempre exitoso. En sus comienzos a finales de los 60 y durante toda la década de los 70 su cine era calificado como basura, repetitivo, incoherente, sin tema y casi todas sus cintas fueron clasificadas como B-movies, pero la temática se repetiría una vez más en 1981 con Scanners y fue tal el éxito que se convirtió en una cinta de culto. Cronenberg es un director muy popular y aunque su nombre no es muy recordado basta con nombrar algunas piezas de su filmografía para recordarlo y darse cuenta de su estilo y grandeza: Scanners, Videodrome, The Dead Zone, La Mosca, Naked Lunch, M. Butterfly, Crash (Extraños Placeres), eXistenZ, Una Historia de Violencia y ahora nos trae Eastern Promises.

La cinta se centra en la comunidad rusa de Londes, específicamente en una familia de la mafia rusa, que se ve amenazada por Anna (Naomi Watts), una partera que solo cuenta con un diario escrito en ruso, para saber la historia de Tatiana, la adolescente que murió en su sala de hospital producto del maltrato y la explotación. El eje de la historia es Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen), el conductor del hijo del capo mayor, quien quiere ganarse el favor de su jefe para poder pertenecer a la “familia”. El resto de la historia se desarrolla de una forma inesperada e inteligente y se posa sobre las excelentes actuaciones de un elenco de actores maduros y de gran trabajo como la hermosa Naomi, el tal vez actor francés de carácter más popular del momento Vincent Cassel y la indiscutible y fantástica interpretación de Mortensen, quien se transforma en el frío y obediente asesino y conductor. La cinta que contiene gran cantidad de escenas de violencia psicológica y gráfica, requirió de Viggo un entrenamiento físico evidente, aprender a hablar ruso, manejo del cuchillo y lucha cuerpo a cuerpo. En esta película hay dos elementos poco comunes: el primero es respecto a la cinematografía y es el uso del enfoque centrado en la fotografía, algo que puede ser molesto y que prácticamente en el cine moderno no existe (se dejó de utilizar masivamente en la década de los 50) y que solo vemos en una que otra cinta más como un toque experimental o psicológico que otra cosa. La segunda curiosidad es el uso del cuchillo, a pesar de ser una cinta sobre la mafia, nunca se usan armas de fuego, todos los asesinos tanto ucranianos como rusos solo utilizan un cuchillo curvo de uso industrial. Los tatuajes y el estudio de los mismos dentro de la cultura mafiosa rusa también son parte fundamental de la trama y la música que salpica ocasionalmente las oscuras escenas está bellamente construida.

El fin de la vida de Tatiana es el comienzo de la vida de una bebé con un pasado desconocido, pero el punto de partida de una historia de venganzas y traiciones, de sangre y oscuridad y en algunos casos de perdón y bondad.

Elizabeth The Golden Age

La segunda parte (10 años después) de la exitosa Elizabeth, pone en evidencia los malos resultados de cuando se quiere explotar un producto exitoso. Cate Blanchett vuelve como la reina Elizabeth en su edad madura y en medio del conflicto bélico con España, pero la cinta se centra en un trío romántico y en embelesar la figura de la reina con un melodramatismo exasperante. El director Kapur pone la producción por encima de la historia: el detalle artístico es exagerado y la música intrusiva, pero lo peor es la tergiversación histórica y la evidente propaganda anticatólica.

Lástima que de una cinta con ese presupuesto, producción y casting no haya mucho que decir, es una segunda parte como la mayoría de secuelas, mala y exagerada.

Hancock

Las cintas con giros argumentales bruscos existen desde hace mucho, tal vez la más importante y no se si la primera en la historia fue Psycho de Alfred Hitchcock, incluso la historia del protagonista de nuestro anterior post Wall-E también sufre de este tipo de cambio. Hancock lo tuvo todo para ser una gran cinta, buena producción, actores reconocidos, humor inteligente, efectos especiales espectaculares, banda sonora bien realizada y una fotografía aunque por momentos molesta, de alta definición y muy buen trabajo cromático, pero... Que mal el giro argumental que se le da, realmente echa a perder todo lo bueno que se presenta durante la primera media hora y eso se nota en la audiencia la cual al principio reía a carcajadas con todas las ocurrencias del personaje sucio y sarcástico pero luego apenas si hay sonrisas con un Hancock torpe y apocado. La historia del origen de los personajes es más que absurda y fuera de contexto, y con el giro, el personaje de Charlize Theron parece convertirse en un archienemigo, pero no, y en toda la cinta Hancock nunca tiene un rival de su talla y mucho menos hay una historia única con un hilo conductor prolongado.

Hancock una cinta colorida, hecha para divertirse y que sin ir muy lejos lo logra, aunque todos salgamos... desilusionados.

Wall-E

Es difícil comentar una cinta sobre la que hay unanimidad tanto por la crítica como por la audiencia, pero tal vez no hay que buscar suspicacias donde no las hay y simplemente decir que la película es excelente, hermosa, graciosa, emotiva y altruista.

Una tierra abandonada donde solo conviven un robot compresor de basura y una cucaracha es visitada por una sonda cibernética que busca rastros de vida. Del encuentro de Wall-E (el robot) y Eve (la sonda), surge una hermosa historia de amor y conquista, en la que Wall-E deberá atravesar el espacio para lograr su objetivo: tomar la mano de Eve, y los humanos deberán despertar de su letárgico viaje interespacial poniendo su fe en una pequeña planta que los llevará de regreso a la tierra.

La cinta estéticamente es impecable, la animación inmejorable, en especial la recreación de la tierra como una zona árida, abandonada y llena de basura, la expresividad de Wall-E e incluso de Eve son acertadas y creíbles, la música siempre romántica y fluida y el sonido impactante cuando debe serlo y relajante cuando se le necesita. El único punto inconexo es que mientras al principio de la cinta y cuando se hace referencia a grabaciones los humanos son actores reales, mientras que en la nave espacial estos son reemplazados por modelos animados muy Disney... pero bueno, olvidemos ese pequeño detalle y retomemos: otro punto importante es que la historia de fondo es muy actual, ecologista y reflexivo, acerca del papel del ser humano en la tierra, del desastre producto del descuido y deja como moraleja la unión para conseguir un objetivo mayor.

Aunque Andrew Stanton, el director de la cinta que ya había saboreado el éxito con Finding Nemo (tal vez la mejor cinta de Pixar hasta el momento), ha tenido que negar varias veces que el diseño de Wall-E sea una referencia directa a Johnny Number 5 (corto circuito), lo cierto es que la cinta si hace referencia directa al cine silente, también a anteriores películas del estudio como Monsters Inc y Toy Story, así como a Apple, ya que Wall-E tiene un iPod en el que ve videos y su sistema operativo es Mac. Pero estas son solo anécdotas que junto con la excelente trama, historia concisa pero bien contada y un gran esfuerzo estético y técnico, hacen de Wall-E no otra cinta más de vacaciones sino una pieza para recordar toda la vida.

The Good Shepherd

Robert De Niro nos trae su segundo film como director, una historia totalmente ficticia pero basada en hechos reales, acerca del surgimiento de la CIA, la guerra fría, del fracaso en la invasión a Bahía Cochinos y la historia de un hombre, Edward Wilson (Matt Damon), como testigo y miembro fundamental del nacimiento de la contrainteligencia norteamericana.

Hace poco vimos el caso de Requiem sobre como una cinta que tiene todos los atributos para ser buena resulta en todo lo contrario, esto mismo sucede con El buen pastor, aunque en esta además se suman un gran presupuesto, una producción impecable y un elenco de estrellas y la verdad es que el resultado deja entre dicho el papel de De Niro como director ya que es en este único aspecto en el que la película falla, pero es tal vez el aspecto más importante ya que la edición final y el montaje son la cocción donde todo el esfuerzo de la producción se moldean como el producto que se le venderá a los espectadores.

En una palabra la cinta es aburrida y para complementar mal contada. La cinta de dos horas y media da demasiados saltos a través de flashbacks innecesarios (con el primero se hubiera podido hacer un hilo conductor, sin necesidad de otros), tratando de contextualizar la vida de Wilson y ofreciendo en cada salto muy poco al espectador, fuera de eso hace ver la vida de los espías como el trabajo más aburrido del mundo, casi todos los personajes son inexpresivos y ni siquiera las escenas de violencia que son varias logran acelerarnos el pulso. E insisto en que por demás tiene todos los ingredientes para ser una gran película, de hecho la historia aunque ficticia es muy interesante, ver el aspecto humano y deshumanizado del patriotismo y de los servicios de inteligencia, su creación, desarrollo y su operatividad interna es fascinante, así mismo la actuación de Matt Damon y Angelina Jolie son demoledoras, personajes con mucho dolor interno, serios, diferentes, resignados, que cambiaron una vida feliz por estabilidad. Una fotografía impecable, que se mezcla con escenas de cine y televisión de la época, buen uso del sonido, excelente elenco de actores de respaldo encabezados por el propio De Niro y un final demoledor, estos entre muchos otros atributos hacen que esta cinta no pase del todo desapercibida.

Edward Wilson renuncia a su futuro y ofrece su alma a una bandera, a la idea de libertad y dominio, convirtiéndose en una máquina racional e insensible y arrastrando a todo lo que quiere a un abismo de dolor infelicidad.

Sunshine

Danny Boyle nos presenta un thriller psicológico de ciencia ficción donde el enemigo no proviene de la oscuridad sino de la luz, el sol como dios poderoso que nos castiga con su ausencia y que obliga a los humanos a enviar una misión espacial para lanzar una bomba a su núcleo y de esta forma evitar su extinción.

Una tripulación de científicos internacionales es enviada como última esperanza ya que el primer intento falló desapareciendo junto con la nave y los tripulantes, y digo última esperanza porque para esta segunda bomba se usaron todas las reservas de materiales inflamables de la tierra.
La cinta es del tipo Backstory ya que desarrolla su propia historia al margen de este evento mayor: en primera instancia nos muestra como el viaje, la exposición a la luz fuerte y las distorsiones espacio-temporales afectan a los miembros de la tripulación, como estos metódica y rigurosamente planeaban el ataque al sol y la vuelta a casa. pronto la nave percibe la llamada de auxilio de la primera misión y al ir a su rescate se encuentra con una nave vacía y una tripulación inmolada. De pronto la muerte se apodera de la nave y un enemigo lunático y con delirios de grandeza transforma la cinta en una historia de terror y asesinatos.

La película a pesar del buen recibimiento de la crítica fue un fracaso taquillero que solo dio pérdidas, sin embargo es un gran ejemplo de preproducción y dirección tanto de fotografía como escénica. Boyle reunió un grupo de excelentes actores internacionales y los entrenó de tal manera que pudieran adaptarse a situaciones de aislamiento y discernimiento científico: los actores fueron obligados a vivir juntos 6 meses, recibir clases de física y sobre todo acerca del sol, se les envió a experimentar gravedad cero en un avión, también un curso de buceo con escafandra y los llevaron a un viaje en submarino para que experimentaran claustrofobia, se les dio a leer libros de cosmología, viajes espaciales, conferencias sobre el futuro, etc. Así mismo la producción de la cinta fue asesorada por expertos científicos de diversas áreas y de la NASA. Sin embargo ellos mismos critican que los escritores se hayan salido tanto del límite de lo “posible” y hayan creado situaciones que no se ajustan a la realidad.

La música también es un elemento hermoso que se funde con una fotografía brillante y distorsionada que trata más de reflejar sentimientos que imágenes y que se ajusta a la psicología de cada personaje. El trabajo actoral es sobresaliente y no se podía esperar menos de un equipo de actores serios encabezado por Cillian Murphy (El viento que acaricia la pradera), cada personaje es bien definido y en ningún momento tratan de interpretar héroes sino personajes científicos y racionales.

Sunshine es una hermosa propuesta escénica, difícil de digerir, con un ritmo pesado y una fotografía por momentos extraña y envolvente, pero sin duda con escenas que recordaremos siempre.

The Incredible Hulk

Algo se trae Marvel entre manos y ese algo es una versión de The Avengers para el 2011, por eso ya está preparando terreno con cintas como Iron Man y la nueva versión de Hulk, no se nos haga raro ver próximamente versiones cinematográficas de Captain America o Thor, quienes también hacen parte del equipo de héroes.

Esta cinta que en un comienzo fue pensada como segunda parte de la realizada por Ang Lee, gracias a Edward Norton fue totalmente cambiada y relanzada como una nueva versión, menos psicológica pero con mucha más acción, la cinta nos presenta la historia de persecución bastante influenciada por la serie de televisión de los 70s: Se utiliza la melodía de piano cuando Banner camina y hace autostop, los ojos de Banner se tornan verdes antes de transformarse, Lou Ferrigno hace la voz y gritos de Hulk (además aparece brevemente como celador), la máquina del laboratorio donde sufre el accidente es igual a la utilizada en la serie, se hace una reconstrucción del accidente de Banner tal cual se hacía al principio de cada capítulo de la serie, etc.

En términos generales es mejor que su predecesora, el monstruo es mucho más realista y humano, no un ente que solo tira cosas, se podría decir que en lo único que se equivoca esta entrega es que no se ve realmente una preocupación de Banner por su situación, simplemente sigue una rutina para controlarla y pasar desapercibido, pero nunca hay ese deje de insatisfacción y dolor interno que si han transmitido otras versiones. Otro punto a favor es que al final Hulk se enfrenta a un enemigo a su altura, no simplemente a soldados que no le hacen daño. Norton como siempre, serio y distante; Liv Tyler decepciona con un personaje entre tierno y tonto pero William Hurt y Tim Roth se roban el show como los villanos.

En una cinta de estas no hay que dejar de lado los efectos especiales, muy buenos, por cierto y acompañados de una iluminación estupenda. La cadencia de la cinta está bien manejada y aunque es vertiginosa en casi todo momento, está bien fundamentada y siempre es cíclica, haciendo que tenga buenos espacios para respirar y descansar de la acción.

Hulk es un monstruo sensible y en algunos casos con humor, la cinta no defrauda y sin superar a Iron Man es propicia para una tarde de acción y aventura.

Requiem

La mayoría de críticos no aceptarían nunca que de dos películas sobre el mismo tema, la primera un thriller de terror y misterio americano y la otra una película dramática alemana con gran enfoque artístico, sea la primera mucho mejor que la segunda, esto pasa con The Exorcism of Emily Rose y Requiem.

Hans-Christian Schmid nos entrega esta ladrilluda historia que solo dura 90 minutos pero que se estira y se hace eterna hasta la desesperación del espectador. La cinta basada también en el exorcismo de Anneliese Michel nos cuenta la historia de Michaela Klingler, una muy hermosa joven alemana que ha sufrido toda su vida de una epilepsia progresiva y que a sus 21 años ingresa a la universidad y justo en su primer año de colegiatura la enfermedad que había sido controlada en casa se vuelve a desatar. Ella abandona el tratamiento médico debido a su ineficacia convencida de su posesión y comienza a ser tratada espiritualmente a través de exorcismos por dos sacerdotes.

Schmid trata de profundizar en el debate espiritual-científico, además de ubicar la cinta en un ambiente muy cercano al de la historia real con una ambientación estupenda de la Alemania de los años 70. El mayor acierto de la cinta es tal vez mostrar la intimidad de una joven muy religiosa que empieza a descubrir el mundo, el amor, la libertad, la música (por cierto una muy buena selección de rock de la época), pero que tiene que enfrentar socialmente sus problemas mentales. La cinta debate mucho sobre el aspecto médico de los sufrimientos de Michaela y sobre el conflicto moral que representa la seguridad de la casa vs. la libertad de crecer vs. su fanatismo religioso, pero es precisamente por lo largo de estos debates que básicamente la cinta se queda flotando en el nudo y nunca tiene un desenlace, es hora y media en la que se habla mucho pero al final no queda nada y para el espectador la cinta termina abruptamente, aunque la cadencia es tan lenta y falta de emociones que lo último que uno quiere es que dure más, además la técnica documental de cámara en mano no cumple el objetivo de hacer más real o sensible la historia, y en una historia de drama resulta incluso molesta, aunque los primeros planos si son bastante interesantes y ayudan en las escenas profundas y en la interiorización de los personajes.

Para recordar los hermosos paisajes de las colinas alemanas y las actuaciones soberbias de la mayoría de actores menos de los sacerdotes, pero sobre todo la de Sandra Hüller, hermosa, muy sensible y profunda, una gran calidad en esta actriz formada en el teatro que tiene un aire a Cate Blanchett y que por su interpretación ganó el Oso de plata del festival de Berlín, así como la de Burghart Klaußner actor que interpreta a un padre cariñoso, comprensivo, fuerte y decidido.

Requiem es un claro ejemplo de cuando el llamado cine arte es solo una etiqueta de venta.

Mr Brooks

Esta es una de esas buenas ideas echadas a perder por tratar de abarcar demasiado. Mr Brooks, interpretado por Kevin Costner, es un exitoso hombre de negocios quien también es una especie de asesino serial con ansia de retirarse y que lleva dos años en Alcohólicos Anónimos para calmar su patología.

Esta vez Mr Brooks no se puede resistir y por un descuido se ve envuelto en un chantaje por parte de un pervertido que quiere aprender a matar. Este es el tema central, sin embargo la cinta se pierde en varias historias paralelas como la de la detective interpretada por Demmi Moore, amenazada por un convicto que ha escapado y por su esposo que piensa desfalcarle en el juicio de divorcio; la hija de Mr Brooks embarazada y que mató a hachazos a un compañero de clase; historias que no aportan pero si hacen desviar el hilo del argumento principal.
Otro error en el que cae el argumento es en el de mostrar a Mr Brooks como un psicótico en vez de como un psicópata, que sería el mal que sufren los verdaderos asesinos en serie, el personaje en cambio se arrepiente a toda hora de lo que hace, reza, jura y rejura que lo va a dejar, es un gran padre y esposo considerado, etc. lo único que tiene de asesino en serie es hacer rituales cada vez que mata a alguien, otra falla es que es demasiado consciente de lo que hace.

Tal vez lo más interesante de la historia es la conciencia asesina de Brooks: Marshall, interpretado de buena manera por William Hurt, un personajé irónico, descarado, pero que cae bien y refresca la inexpresiva actuación de Costner.
La cinta además carece de cadencia, en algunas escenas parece una cinta de acción pero en la mayoría, una mezcla de suspenso, drama psicológico y familiar.

Mr Brooks se arrepiente de sus asesinatos y yo de perder dos horas viéndola.

North Country

La fórmula novelera gringa vuelve y juega: una injusticia que termina en un largo juicio, el débil que lucha contra el poderoso e indolente, litros de lágrimas y cuando todo se cree perdido un milagro que lo cambia todo.

La hermosa directora neozelandesa Niki Caro nos trae una historia basada en el juicio que redefinió las leyes de acoso sexual y también de ambiente laboral para las mujeres en USA. Aunque uno podría creer que es un gran tema, la historia se desvirtúa con el exceso de melodrama, heroísmo, y clichés a los que nos somete Caro, eso sin contar la introducción de la historia, tan larga, aburrida y fuera de contexto que no aporta nada más que 20 minutos de bostezos.

Los puntos a favor de la cinta son claramente las actuaciones brillantes de la mayoría de actores, en especial de Frances McDormand y Charlize Theron quien confirmó en un papel mucho más real que el de Monster que es una actriz a tener en cuenta. La producción es bastante buena, la ambientación de la mina y los años 80s es impecable, la música acorde y nada empalagosa. Del plano argumental lo único rescatable es que todos los personajes se definen con precisión y son bastante creíbles.

North Country solo nos deja la bella imagen de Charlize, fuerte y decidida en medio de una comunidad fría y un paisaje de nieve y carbón.

El hombre de arena

La primera película de un director siempre está llena de sorpresas, buenas o malas, pero en el caso de esta cinta del español José Manuel González, son excelentes. Este director debutante nos regala una historia sencilla, bien contada, enmarcada en una hermosa fotografía y puesta en escena, así como un trabajo de iluminación notable.

El argumento es la narración de una historia de amor en medio de la intolerancia y el dolor: Mateo, un inconforme que es condenado en los años 60 por la ley de vagos y maleantes que imperaba en España, a pasar una condena injusta en un hospital psiquiátrico, devuelve la vida y alegría a los habitantes de este lugar y vive una historia de amor que no puede ser con una de las internas. Y es esta unión el eje de una hermosa historia; la lejana ternura y extraña belleza de María Valverde, como Lola, una mujer con mucho dolor y el alma rota por los abusos de los que fue víctima, se complementa de forma fantástica con el afán de libertad y orgullo del soñador Mateo (Hugo Silva). Pero alrededor de ellos una serie de personajes bien definidos se ganarán el cariño y en otros casos el odio de los espectadores, cada uno de ellos con un rol definitivo en la historia y por que no, con su propio discurso, muy especial sobre todo el personaje llamado El francés, interpretado por Samuel Le Bihan, espectador, testigo, amigo, pero sobre todo sorpresa tras sorpresa en cada una de sus intervenciones.

Buenas actuaciones, mucho sentimiento, mucho humor, pero sobre todo un argumento sólido y una dirección limpia, es el regalo que este director nos trae y que esperamos siga por una buena senda cinematográfica y así como su personaje Mateo que no quiere ser un hombre de arena que se lo lleve el viento, sus cintas sigan siendo personales y fuertes como esta.

Citizen Kane

Esta cinta solo la he visto 3 veces en la vida, la última el día de ayer, pero solo falta verla una vez para entender su magnitud. Para la crítica es la mejor cinta de la historia, para los historiadores el llamado segundo momento más importante de la historia del cine, para todos el gran ejemplo a seguir.

Orson Welles, un actor de teatro de 24 años sin ninguna experiencia en el cine y lanzado a la fama por una versión radial tipo noticiero de La guerra de los mundos que causó caos y paranoia, se aventura a realizar, dirigir y protagonizar una historia donde ironizaba y criticaba ferozmente al magnate de las comunicaciones del momento: el multimillonario William Randolph Hearst.

Rosebud, la última palabra pronunciada antes de morir, por el magnate Charles Foster Kane, es el eje central de una investigación periodística, que recorre la vida de este hombre con el único fin de hallar el significado de esta. ¿Qué o quién es Rosebud? ese es el misterio que todos quieren saber.
Kane, un hombre educado para el éxito, la ambición y los negocios, es un ser solitario que no sabe amar, incapaz de sentir pero que busca por todas las formas que lo acepten y lo amen. Manipulador de la opinión y la sociedad, incendiario sin escrúpulos que consume a todas las personas que se le acercan y que al final escapa de una sociedad que considera imperfecta, creando su propio reino de lujo e infelicidad.

Sin embargo, la importancia de esta cinta no radica en su argumento, que es bastante bueno, sino en el gran logro alcanzado por Welles, quien definió la forma de hacer cine desde ese momento al utilizar técnicas ya creadas de forma eficiente y prestando gran detalle a la producción así como al montaje, que para ese entonces no existía o si existía era un recurso puramente técnico más no conceptual. Iluminación del expresionismo alemán, técnicas documentales y propagandistas del cine ruso, utilización de grúas en las cámaras, efectos y movimientos de cámara, profundidad de campo, narración implícita, gran uso de efectos de sonido, escenografías completas y techadas, maquillaje y caracterización cronológica, una historia vista desde el punto de vista del narrador y contada de forma inversa. Todo esto finalmente se amalgamó en un gran montaje, donde la cadencia, los efectos, las transiciones y el sonido, transitan de manera fluida aportando carácter, emoción y sentido a la historia.

Orson Welles creó lo que se llama la espiral argumental que es la que define si una cinta es buena o no, básicamente la espiral la conforman todos los elementos técnicos y artísticos que giran alrededor de la trama, estos deben alimentar la trama de forma eficiente sin sobrepasarla o sobreponerse a esta, pero tampoco sin deficiencias, de esta forma todos los elementos por ejemplo un movimiento de cámara, deben tener un significado, producir una emoción, involucrar al espectador o reforzar el argumento.

Welles nunca pudo superar su ópera prima. Aunque en sus siguientes obras se nota madurez y un mayor conocimiento, siempre será recordado como la imagen del cine, como el gran Ciudadano Kane.

La Sconosciuta

En su última cinta Giuseppe Tornatore se aleja de su conocida temática melancólica y nos trae un thriller de suspenso, violencia psicológica y física.
La historia de Irena, una mujer traumatizada, exprostituta esclavizada y sometida a los más crueles vejámenes que busca su propia idea de liberación materializada en una pequeña que cree que es su hija. Irena hará todo lo posible por llegar hasta ella, ganar su cariño y ayudarla, aunque realmente como lo dijo el propio Tornatore lo que busca es "reconquistar un pedazo de su vida echado a perder".
Irena no escatima en recursos para lograr su cometido y no le importará pasar por encima de nadie, aunque la sombra de su pasado nunca la deja y la sigue buscando venganza.

Una sólida y fría interpretación de Irena hace la actriz rusa Ksenia Rappoport, quien solo se desvanece en presencia de la niña, a la que ama y que padece de una extraña enfermedad que ella le ayuda a superar. A propósito de esta niña, Clara Dossena, es un gran descubrimiento, una promesa que cumple el reto de una interpretación difícil y profunda. Los demás actores son viejos conocidos del cine italiano quienes en general hacen interpretaciones intensas y misteriosas.

La cinta, es muy moderna en su fotografía, la cual se mezcla de forma excelente con la música clásica y electrónica gracias a la dirección del maestro Ennio Morricone, tomas rápidas, recuerdos perturbadores, primeros planos de gran expresividad y un implacable violín que desgarra y estremece. El único punto desconcertante de la cinta es como se desamarran lo nudos argumentales. De todas formas la cinta ganadora de 5 premios Donatello (el equivalente italiano del oscar), es una gran muestra de manejo escénico y dramático por parte de Tornatore y el debut internacional de una actriz que esperamos seguir viendo.

Iron Man

Lo mejor de esta película es su héroe, Iron Man, pero sobre todo Tony Stark quien es tal vez el héroe más realista y más interesante de todo el espectro Marvel y DC comics. Tony Stark tiene todas las características de los villanos: millonario, inquieto, derrochador, mujeriego, arrogante, egocéntrico, trabaja en la industria bélica, pero si lo pensamos bien, si existieran los superhéroes en la vida real, serían personas de estas características, porque quien más podría vivir de esto, solo un millonario, con acceso al poder, a las armas y a la tecnología. Héroes como los X-Men, Superman y hasta Batman son solo idealismos, personas traumatizadas, exconvictos, fracasados, mutantes, extraterrestres y todo ese oscuro pasado que rodea a los superhéroes suena bonito pero Tony Stark no sufre de nada de eso a pesar que es huérfano, bueno aunque más adelante en el comic Tony se vuelve alcohólico pero es más por su tipo de vida (y por darle algo de morbo de parte de los escritores) que por otra razón. Esto me recuerda lo bien recibida que fue la personalidad de Peter Parker en la última entrega de Spiderman, cuando empieza a ser influenciado por Venom, un tipo arriesgado, conquistador y eufórico.

La cinta recrea muy bien los comienzos del héroe, en un ambiente actual, los efectos son muy realistas y muy bien manejados, el único deje es que debido a que Tony dura casi toda la película creando su traje las escenas de batalla son más bien pocas, algo que se pudo haber condensado ya que Obadiah Stane crea el Iron Mungle como en 5 minutos. Las únicas diferencias notables con el comic es que Pepper Potts no usa minifalda y que Stark al final revela su identidad, algo que no pasa en el comic.

Las actuaciones aunque se centran en los personajes de Tony y Obadiah son buenas: Robert Downey Jr. sorprende al salirse de sus encasillados papeles dramáticos, incluso revela un trabajo físico importante al subir en su masa muscular y es bastante imponente y cómico. Jeff Bridges sufre una transformación al mostrarse rapado y con barba, casi irreconocible y muy bien caracterizado como villano. los demás personajes salen poco aunque me imagino que cobrarán mayor relevancia en las siguientes entregas, a propósito, esperen a que se acaben los créditos para salirse de la sala. Hasta el robot Baba sale bien librado en su interpretación como la mascota-ayudante de Stark.

Una cinta divertida, muy entretenida, con una producción impecable y una gran cantidad de humor, incluso que sirve para la reflexión sobre la industria armamentista y los efectos de la misma.