L'Heure d'été

Esta cinta que traduce Las Horas Del Verano, es la nueva a puesta del director francés Olivier Assayas. En esta podemos apreciar una obra de estilo naturalista, propio del cine francés, que nos cuenta una historia simple, sin artilugios, pero con un entramado fuerte y profundo.
La historia narra como tres hermanos deberán decidir que hacer con los bienes heredados de su madre luego del fallecimiento de ella. De esta forma la cinta toca temas profundos como el duelo, el desprendimiento, el recuerdo y sentido de apropiación sobre los objetos familiares, los recuerdos de una casa, las promesas rotas, la desintegración lenta pero visible del núcleo familiar y la dispersión de la misma. También es notable como mucho del sentimiento de la cinta es vivido por parte de Eloise, la empleada de la casa quien es el personaje con el mayor sentido de duelo debido a la situación.

En su producción la cinta es impecable, una hermosa pero sencilla puesta en escena, un manejo de la luz profundo y una cámara que trata de capturar conversaciones de más de tres personas de forma agradable. Este estilo me recuerda la forma narrativa de algunas cintas de Woody Allen como Maridos y Esposas y también algo del cine Dogma en especial Celebración.

El elenco es bastante bueno así como sus interpretaciones, naturales, diferenciales y muy creíbles y aunque la cinta se promociona sobre los hombros de Juliette Binoche, es realmente Charles Berling, quien interpreta a Frederic el mayor de los tres hijos, el eje central de la historia y quien debe soportar el peso de hacer efectiva la venta de los objetos y además ser el más arraigado a ellos.

Las horas del verano es dramática, fresca y por muchos momentos cotidiana y divertida, pero por sobre todo es un espejo o una reflexión de una situación que tarde o temprano afrontaremos todos.

Up

Una bonita historia de reconciliación con la vida nos presenta Pixar, esta vez sin el despliegue de texturas ni realismo de Wall-e, sino con unos personajes bien caracterizados y un trasfondo humano muy interesante.
Up nos trae a Carl Fredricksen un anciano, que vivió una vida sencilla y bondadosa y luego de haber perdido lo que más amaba y hastiado del atropello constante del mundo moderno decide cumplir el sueño que junto con su esposa tejieron toda la vida: tener una casa sobre Cataratas Paraíso, una especie de mundo perdido en la selva venezolana. Pues bien, Carl convierte su casa en una especie de nave gracias a miles de globos de helio. A esta aventura se une Rusell, un pequeño y gordito explorador, y junto con él deberán enfrentar al ambicioso Charles F. Muntz, un antiguo explorador que quiere atrapar a toda costa a Kevin, un gigantesco pájaro prehistórico.
En general no hay mucho que criticar y si bastante para disfrutar, Up es divertida, emotiva y su personaje Carl es bastante complejo y humano, eso si el 3D no le aporta nada.

Caché

En este post voy a extenderme por diversos temas ya que esta cinta ha generado en mi una gran reflexión sobre la influencia de la crítica, el esnobismo de la misma, la comercialización y la opinión del público.
Todo comienza en los años 60 cuando aquel magnifico grupo de realizadores franceses que se unieron en un movimiento llamado la nueva ola, quiso diferenciarse de los demás mortales y en textos de Godard y otros se inventaron los términos cinéfilo y cine arte, este último solo como un embuste literario para que sus cintas no se mezclaran con otras películas del género drama, el verdadero género al que pertenecen casi todas las cintas de este movimiento y obviamente para partir cobijas con el dominante cine americano.
Desde entonces todos los mamertos de bufanda terciada y gafas redondas han querido meternos los dedos a la boca proliferando su condición de cinéfilos y por su puesto, su preferencia única y encarnizada hacia el llamado cine arte.
Mi rechazo hacia este término es visceral, realmente creo que el término correcto es Cine de Autor, una expresión que leí a mis 15 años y que hasta el día de hoy nadie ha podido tumbar, y que se refiere a los directores cuya realización es tan original o novedosa o que tienen un estilo determinado y atractivo que sobrepasa al género en el cual se enmarcan los guiones que dirigen.
Sumándose a los queridos cinéfilos están las tiendas de alquiler de películas y los distribuidores de DVD que han tenido el pepazo de crear un estante llamado cine arte, en el que básicamente ponen cintas que no son gringas, que no saben donde poner o que han ganado muchos premios. Estas tiendas además están en una maratónica carrera de rebajas que aunque favorables para el comprador, dejan mucho que desear en la calidad de lo que venden.

Pero bueno vamos al grano, una noche esperando a una persona en un centro comercial entro a una de estas tiendas solo por curiosear y me encuentro con que sus rebajas están enfocadas en el estante llamado CINE ARTE, realmente lo que había ahí eran cintas clásicas, algunas extranjeras ¿pacto con lobos cine arte? y otras premiadas. Dentro de estas últimas encontré una llamada Caché, de la cual nunca había oído hablar y que me causó curiosidad ya que la portada solo muestra una mancha de sangre. Una de las frases promocionales la describía como terrorífica (uuu me gusta) y la comparaba con la obra de Hitchcock (mi director favorito, mmm) y además exhibía un sinnúmero de premios que había ganado (3 cannes entre otros vea pues), su director es el austriaco/alemán Michael Haneke (la pianista, bien, ganador este año de la palma de oro, muy bien), sus protagonistas son de calidad (Daniel Auteuil y Juliette Binoche, aguantan) y el precio era bueno así que me decidí a comprarla.
Yo que pensé haberlo visto todo me he encontrado con la cura a todos los problemas de insomnio, un ladrillo en forma de CD imposible de ver, tuve que intentarlo 5 veces para poder completar toda la cinta uniendo las partes que veía entre cada jornada de sueño.
Y es que una cinta por lenta o somnífera no significa que sea mala, para la muestra Allegro una muy buena película pero que en cierta escena hizo que absolutamente toda la sala con excepción de mi novia se durmiera, o las cintas de Wong Kar-wai, un señor que definitivamente camina a otro ritmo, que no tiene afán, que no cree en la cadencia pero cuyas cintas son demasiado hermosas.

Realmente en lo que peca esta cinta es en el esnobismo de querer presentar un método como el eje central de la narrativa, un método en el que se mezcla tomas de video a cámara fija con la narración general, haciendo que la película aunque de perfecta factura sea un suplicio visual, el no uso de banda sonora también aporta su granito a la lentitud de la misma. Sinceramente es la película más aburrida que he visto en la vida, por encima de una francesa que vi sobre tres personas millonarias que hacen una especie de retiro para lograr un objetivo: no hacer nada. También está por encima del esnobismo moralista y católico de Kieślowski, de quien soporté no solo su trilogía de colores sino su tortuoso Decálogo (10 cortometrajes basados en los 10 mandamientos hechos para televisión).

Sin embargo esta cinta de Haneke sobrepasa cualquier resistencia ocular a que se cierren los párpados, además el que se promocione como cinta de terror es un gran fraude, a pesar de que los grandes críticos digan que su temática es una metáfora sobre el miedo a que se descubran nuestros oscuros secretos, en realidad esto es un drama familiar salpicado con gotas de misterio. El terror se define como la sensación de sentirse atrapado por algo que nos invade, que crece constantemente y que supera nuestras fuerzas. En las obras de cine y literarias para que el terror sea efectivo debe ser constante, no dejar huecos, debe hacer que el espectador lo sienta como propio, no es que tenga que asustar (ese es el horror), no es que tenga que dar asco y salpicar sangre (ese es el gore), el terror tiene que asfixiar, angustiar, como una boa constrictor que se apodera de su presa. Pero por favor en esta cinta no pasa eso, la temática está en tan enlagunada por el drama familiar y por la contextualización lenta de los personajes y aún más por la técnica de edición, que nunca logra su objetivo.

Caché, que en español se llama Escondido es otra de esas banderas que los críticos alzan para dar sus clases de análisis cinematográfico, para decir yo reinaré, pero que en realidad no creo que nadie en su sano juicio pueda disfrutar ni recomendar, ni siquiera por venganza.

Whisky

El cine Uruguayo está en alza, el año pasado nos sorprendió con El baño del Papa, y aunque la cinta de la que hablaremos hoy es anterior a esa, del 2004, realmente nos muestra un estilo cinematográfico de historias cortas y sencillas pero muy bien argumentadas y realizadas.

Whisky nos presenta a Jacobo y Herman, dos hermanos judíos dueños de fábricas de medias. El primero vive una vida de soledad y amargura ahondada por el cuidado que tuvo que hacer a su difunta madre durante su enfermedad terminal, el segundo, joven, exitoso y alegre que llega de Brasil para visitar a su hermano y asistir a una ceremonia judía en honor a su madre.
Jacobo quiere aparentar una vida normal y le pide a Marta, su administradora, tan solitaria y frustrada como él, que se haga pasar por su esposa, esta aventura llena de fino humor se pone mejor cuando Herman invita a los “recién casados” a pasar unos días en la playa de Piriápolis.
La cinta es demasiado divertida, las caracterizaciones de los tres personajes son excepcionales, las situaciones llenas de silencios prolongados e incómodos pasan de lo desesperante a lo cómico y exploran el interior humano de los 3 protagonistas.
La fotografía es bastante buena, se nota la planificación de las tomas y las canciones de Leonardo Favio son el complemento ideal a la historia.

El argumento está además salpicado de puyas contra el prototipo judío del tacaño y explotador, presentando a Jacobo como este icono y a Herman como el antijudío que incluso hace chistes sobre su cultura.

Whisky es una gran sorpresa, un claro ejemplo de como realizar una idea sencilla y como cautivar a la audiencia con un humor diferente y natural.

Terminator Salvation

Desde que se anunció la nueva trilogía de Terminator se creó una gran expectativa alrededor, de ante mano se sabía la no inclusión de Cameron como director y mucho menos del gobernador Schwarzenegger como protagonista , haciendo que el peso de la prensa recayera sobre Christian Bale como la gran esperanza para revivir a John Connor. ya se sabía que la trilogía sucedería en el futuro, durante la época de la resistencia. Obviamente así como a Cameron le tocó esperar 7 años luego de la primera cinta para poder dar vida al T-1000, los espectadores tuvimos que esperar un mayor avance de la tecnología para que se pudiera recrear la guerra post-apocalíptica en que se desarrolla esta cinta, llena de increíbles máquinas y un realismo sorprendente.
Lo malo es que aunque la cinta es muy entretenida y lleva un ritmo frenético de principio a... bueno casi hasta el fin y a pesar de su atractivo visual y su sonido perfecto, el argumento es espantoso, totalmente lleno de coincidencias, con escenas repetidas de las demás cintas y muy pero muy predecible.
Los actores parecían caricaturas o la típica pandilla de mercenarios o pseudo soldados de cualquier película de acción tipo Resident Evil. Del casting de actores solo se salva Sam Worthington quien interpreta a Marcus Wright y quien es realmente quien lleva el peso de la historia. Esto hace preguntarnos que pasó con Christian Bale, y la respuesta es: nada, Bale no aporta nada a la cinta y mucho menos al personaje de Connor, su actuación es plana y simplemente es un energúmeno con pistola.

Si se piensa en la saga entera esta cinta nos acerca al mundo simple de la guerra que Cameron dejó entrever desde la primera entrega, pero no aporta nada nuevo. Ya se sabía que la guerra existiría, ya se sabía (desde la segunda) que Cyberdyne Systems crearía a Skynet luego de ser hacer grandes avances en biorobótica y que sería comprada por la fuerza aérea americana para desarrollar armas, ya se sabía que John Connor sería un líder mítico y amargado, ya se sabía que el protegería a Kyle Reese (su ¿futuro? padre), entonces para que sirve esta cinta? bueno, yo espero que solo sea el preámbulo para algo mejor, así como la amenaza fantasma fue necesaria para contextualizar el surgimiento de Darth Vader en Star Wars, pero si esto no es así, la cinta solo sirvió para demostrar hasta donde pueden llegar los límites tecnológicos en la recreación de seres cibernéticos y de un mundo sucio y destruido, porque es innegable la calidad de la producción, un ejemplo es el uso del proceso Oz de Technicolor para dar ese tono oxidado a toda la cinta el cual fue muy acertado. También hay muchas sorpresas agradables, como ver muchísimos modelos de máquinas pero sobre todo el nacimiento del T-800, algo realmente sorpresivo.

No puedo negar que disfruté la cinta, pero tampoco puedo decir que fue buena simplemente porque me gustó. Sumado a la deficiencia argumental presentada en la historia el final es deplorable, blandengue, casi estúpido y algo extraño es que no enlazó con ninguna escena (como es la moda) para sugerir algo de la nueva cinta o una continuación.

Terminator Salvation no sabemos porque se llama así, como no sabemos porque su director se hace llamar McG, lo que sabemos con certeza es que tal vez sea una gran nominada a premios técnicos en diferentes festivales, pero que más allá de un momento de adrenalina y acción no nos deja nada.

Star Trek

Luego del sinsabor de una precuela (Wolverine), vamos con el regocijo que produce otra: Star Trek.
Definitivamente es esta la consagración en el cine dde J.J. Abrams, uno de los grandes directores, escritores y productores para televisión de los últimos años, creador de series como Alias, Felicity, Lost y The Office y escritor para cine entre otras del gran éxito Armageddon. Ya Tom Cruise le había dado la confianza de dirigir Mission Impossible III, tal vez la mejor de las 3 cintas y ahora vuelve a sorprendernos con esta nueva versión de la serie Star Trek.

La historia básicamente nos cuenta como se forma la tripulación del Enterprise y los orígenes de sus dos principales integrantes: el capitán Kirk y Mr. Spock. No confundir con el origen de la flota estelar que ya se había tratado en la cinta First Contact y que no fue una precuela sino una misión de los personajes de The Next Generation.

Las cintas de Star Trek se podrían dividir en dos: las de acción y las que tienen un alto componente altruista o filosófico, esta se puede clasificar dentro de las primeras y conserva todos los ingredientes de la serie original; el humor, el sentido de superación, los viajes, el reconocimiento de los errores, etc. Aunque realmente no me convenció el tratamiento argumental con el que se presenta a Kirk (sobrado y hasta estúpido), los demás personajes son bastante convincentes y todos juegan un papel fundamental dentro de la tropa.

Los efectos son espectaculares, el ritmo frenético que Abrams le inyecta a sus trabajos no es avasallador sino impactante y definitivamente la ambientación de la nave, la ropa, los personajes, y hasta las voces, son un homenaje completo a la serie original, y es interesante como a pesar de ser una cinta de ficción, los efectos nunca son de mayor importancia que el argumento y las actuaciones.

Star Trek es la serie de televisión más exitosa de todos los tiempos y la que mayor cantidad de seguidores ha tenido y esta cinta es sin duda un regalo para los millones de personas que esperaban una nueva entrega de la saga y una muestra para la industria del cine que es posible hacer una precuela de gran calidad y no solo productos de oportunismo comercial.

X-Men Origins: Wolverine

El sinsabor de algo bueno que pudo ser y no fue, eso es lo que nos deja esta precuela de los X-Men, que me imagino que se llama así y no simplemente Wolverine porque pensarán hacer una para cada personaje. Cuando las luces se encienden uno se pregunta si Wolverine daba para hacer una cinta sobre él solo, la respuesta es si, pero no esta cinta sino algo mejor: Wolverine pasó de ser un extra en los comics de Hulk a ser el más importante y querido héroe de los X-men y su comic individual ha sido muchas veces escogido como el mejor comic de la historia.

La cinta aunque con un argumento interesante es repetitiva en sus escenas de combate y se demora demasiado en desarrollar la trama; la presencia de Gambito aunque esperada es exagerada, parece una mezcla entre Spiderman y un cantante de rock, algunos personajes son impresionantes y otros dejan mucho que desear en especial Dientes de Sable, aburrido y con una caracterización muy lejana a la del comic (mucho mejor la de Tyler Mane en la primera X-Men) y es sobre este personaje la mayor polémica ya que Marvel vuelve a entregarnos una nueva versión sobre la relación entre Wolverine y Dientes de Sable, mostrándolos como dos hermanos muy unidos y que poco a poco sus diferencias los separan hasta convertirlos en enemigos y digo nueva versión porque en los comics Origins se planteó alguna vez que Dientes de Sable era el padre de Wolverine y en otros comics se ha dicho que es Wolverine el padre de Dientes, hasta se ha llegado a decir que Dientes de Sable es la última mutación de Wolverine en el futuro y que regresa al pasado para destrruirse. Lo único cierto y que ha sido siempre confirmado por los creadores de ambos personajes es que estos dos enemigos, son canadienses del siglo 19, que pertenecen a familias relacionadas, que tuvieron diferencias en su infancia y que se volvieron a reunir como parte del proyecto Team X. Bueno y un tema que se deja abierto es el de Deadpool, que debido a los 3 finales alternativos que tiene la película no se sabe si él era Weapon XI y tampoco se sabe si Weapon X finalmente muere; en el comic Weapon X es un personaje nombrado más no desarrollado y algunas veces se sugirió que era Daken el hijo de Wolverine y hablando de Daken personaje que no fue tenido en cuenta en la cinta... tampoco se incluyó a Romulus, el verdadero y más grande enemigo de Wolverine.

Bueno como se puede ver el universo de Marvel es lo suficientemente grande y complejo como para hacer 100 (se dice que vienen dos más) películas sobre Wolverine, solo esperemos que la creatividad de los productores sea mucho mejor que esta vez.

Paul Blart: Mall Cop

Bueno seamos sincero, esta no es una buena película, definitivamente no va a a estar nominada a ningún premio, su historia la hemos visto cientos de veces, su guión es definitivamente para una audiencia familiar, pero por más defectos que le encontremos es innegable que hace reír mucho y que además es lo bastante fresca para alegrar una tarde en un fin de semana.

La cinta nos cuenta la historia de Paul Blart, un guardia de seguridad de centro comercial, gordo e hipoglicémico, que siempre ha querido pertenecer al cuerpo de policía pero por sus problemas de salud nunca lo ha logrado, ahora él debe enfrentar la misión más difícil de su carrera, ya que el centro comercial ha sido tomado por una banda de ladrones y que mantienen secuestradas a varias personas entre las que se encuentran Amy, una hermosa chica a quien Paul quiere conquistar y Maya, la hija de Paul.

Tal vez lo novedoso de la cinta es que el antihéroe Paul, realmente no es torpe, simplemente es gracioso pero su físico le falla cuando más lo necesita. Mall Cop es una cinta de comedia estándar sin pretensiones de grandes taquillas pero ideal para llevar a toda la familia y pasar un momento de carcajadas.

Das Wilde Leben

Creo que en mi vida he visto tres cintas sobre la vida de modelos, una fue la graciosa pero muy mala cinta de acción Domino, sobre la modelo convertida en caza-recompensas; otra fue la muy conocida cinta para televisión GIA, famosa por las escenas de lesbianismo de Angelina Jolie más que por su historia y ahora tengo la oportunidad de ver Das Wilde Leben, que se podría traducir como La vida salvaje, que nos cuenta la historia de la sexy bomba alemana de los 60's y 70's Uschi Obermaier.

Sinceramente nunca esperé ver una cinta de la calidad que presencié, es realmente una película de alta factura, un trabajo concienzudo de casting, realización y montaje, con interpretaciones fuertes y profundas y con el morbo que produce no solo conocer la vida íntima de esta mujer sino de sus amantes, en especial de Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones. Hablando de esto es una cinta tan cercana al rock que debo recomendar su banda sonora, una exquisita colección de piezas musicales que además me hace reflexionar en el sentido que las últimas cintas alemanas que he visto, todas han estado acompañadas de buenas bandas sonoras ya sea de rock u otros géneros pero todas con un muy buen gusto.

Lo interesante de esta cinta es que nos presenta a Uschi, tal vez la mujer más influyente en la generación del 68 no precisamente por su intelecto sino por su abierta búsqueda de libertad, y nos revela un ser humano que sufre las consecuencias de este libertinaje y que aunque no se arrepiente de sus actos, la tragedia que estos suscitan sirve para aterrizar a la protagonista de lo ideal a lo real y no como en Gia donde los familiares la muestran como una víctima de su entorno y como si ella no fuera consciente de nada (me gustaría saber que pensaría Gia si hubiera podido ver ese atrevimiento).

Natalia Avelon nos ofrece más que su hermosura en este difícil papel lleno de dolor y desnudos, pero dentro de las actuaciones lo que más me sorprendió fueron los actores que interpretaron a Mick Jagger y Keith Richards de un parecido sorprendente, este último parte importante de la trama ya que fue uno de los “novios” permanentes de Uschi, quien por varios años lo siguió por el mundo junto a otras groupies, en una época en la que el músico estuvo consumido por la heroína.

Una escena para no olvidar y que nos resume la vida de Uschi en estos años es en la que nos muestra un detalle de la habitación de hotel de Richards: una mesa con cocaína, una correa y jeringa de heroína, un revolver, una guitarra y la ropa interior de ella.

Uschi es una sobreviviente de su propio destino, una mujer que maduró a los golpes y que hoy vive una vida normal como diseñadora de joyas en California, una mujer que tuvo una vida de placer y locuras, un símbolo europeo para toda una generación que sufrió y pagó caro el precio de su propia fama y que nos regala un capítulo importante en la historia del hipismo (un hipismo que como vemos aprovechaba las cámaras para acelerar sus propósitos) y en general del último movimiento contracultural de occidente.

The Savages

Una fina comedia, muy citadina, con una realización austera y un tema muy profundo: el que hacer de los familiares de una persona con demencia senil. A diferencia de Away from her, donde se trataba el tema desde el punto de vista del amor y la relación de pareja, esta vez el problema se traslada a los hijos y como estos deben decidir de manera fría lo mejor para su familiar aunque por esto se sientan culpables de sus actos.

Muy humanas pero completamente diferentes las actuaciones que nos ofrecen Philip Seymour Hoffman y la hermosa Laura Linney, dos hermanos solteros y un poco alejados que de un momento a otro tienen que afrontar la enfermedad de su padre y recluirlo en un hogar para ancianos del estado, cuidarlo y tratar de seguir con su vida.

Una cinta poco exitosa comercialmente pero ganadora y nominada a montones de premios y festivales, fresca y reflexiva, hermosa y minimalista, pero sobre todo profunda y a pesar de lo dura, esperanzadora.

The Knowing

Alex Proyas, el director de The Crow y I robot, nos trae esta extraña historia que aunque muy entretenida y con una buena producción, más que un film sobre desastres es un completo desastre argumental: premoniciones, paranoia, desastres naturales, accidentes, fin del mundo, extraterrestres-ángeles, terror, acción, drama familiar, religión, conversionismo, yo creo que solo le faltó una escena de sexo y un animal parlante para completar este sancocho de temáticas y situaciones.

En 1959 una niña en una escuela escribe una serie de códigos en una carta que sería enterrada en una cápsula del tiempo y que luego de 50 años es expuesta y su contenido repartido entre los jóvenes alumnos de la misma institución. El papel con los códigos es entregado al hijo del profesor y científico de astrofísica John Koestler (Nicolas Cage), y el niño comienza a ser contactado por unos hombres misteriosos y a escuchar voces, por si esto no fuera poco Koestler cree haber descifrado en el código una serie de calamidades ocurridas en los últimos 50 años y también tres que aún no se han cumplido (todo esto lo descubre en una noche de borrachera e internet). Luego de esto presencia dos de los desastres que nos habían cumplido (que coincidencia ¿no?) y de ahí para adelante el cerebro de los espectadores se comienza a retorcer de la cantidad de disparates que siguen pasando.

Creo que Nicolas Cage está últimamente aceptando cualquier papel y realmente este raya en la mediocridad, no hay derecho a una actuación tan mala y sobreactuada. lo peor es que si uno analiza la historia, su personaje además del del descubrimiento del código no aporta nada fuera de sus exageradas caras de tragedia, es un personaje totalmente inocuo, estéril, realmente son mucho más importantes los roles de los niños.

Muy rescatable la producción, hay dos escenas de desastre de lo mejor que he visto, creíbles, con mucho caos y física, bien realizada, intensas y lo suficientemente impactantes como para dejar mudo al público.

Premoniciones además del dolor de cabeza argumental es solo una mezcolanza de pedazos de películas que ya hemos visto, un descache de un director que siempre nos ha sorprendido y un descache que deja un sinsabor de propaganda religiosa que nadie había pedido.

Slumdog Millionaire

Esta cinta me produjo el mismo efecto que La Escafandra y La Mariposa, el efecto que toda buena experiencia deja en la vida, un silencio, un sin palabras y la buena sensación de la satisfacción interior, en este caso desde el punto de vista artístico, la belleza, la imagen, el sonido.
Aunque la vi hace mucho, solo hoy puedo escribir algo razonable, pero lo mejor que puedo decir es véanla, cómprenla, alquílenla, lo que sea, pero no se queden sin disfrutarla, ojalá si pueden en una sala de cine y no tan lejos de la pantalla.

La cinta es la consagración de Danny Boyle como tal vez el director independiente, vigente e inglés más importante del momento, y digo vigente porque a mi gusto no hay nadie que se le acerque al maestro Peter Greenaway, quien lamentablemente ha decidido dedicarse a la docencia y dejar el cine que considera muerto y del que dice, últimamente solo produce basura. Hay que aclarar que Danny Boyle codirigió la cinta con Loveleen Tandan, una directora india, que en términos generales se encargo de hacer el casting, traducir a los actores indios y dirigir a los niños.
Y aunque muchos no saben quien es Boyle, lo cierto es que no es ningún desconocido y que él ya había vivido su momento de gloria con su segundo film Trainspotting, además a pesar de solo haber rodado 8 films en su carrera 4 de ellos han sido muy premiados.
De todas formas Slumdog Millonaire es sin lugar a dudas su obra cumbre, y no es producto de una casualidad o genialidad, es el resultado de sus experimentos, su trabajo dedicado y todo lo que ha hecho en su carrera, la influencia cinematográfica de sus anteriores films en este es notable, en especial la fotografía, manejo de cámaras y color es muy similar a su trabajo en sus dos filmes de horror: 28 Days Later y Sunshine.

La historia si se mira desde el plano general es sencilla, hasta tonta, una historia de amor imposible con un final feliz, algo extraño en las temáticas que Boyle suele llevar al cine, pero la magia de esta película es su narrativa, la inteligencia del guión, de los parlamentos, la puesta en escena, las buenas actuaciones, el humor en medio de la tragedia, la música que adorna el caos de Mumbay y ese sabor colorido y picante que deja La India en el espectador.

Jamal Malik un joven sin hogar Indio, que fue pordiosero y ladrón en su niñez, se encuentra al borde de cambiar su vida al estar a una respuesta de ganar el concurso ¿Quien Quiere Ser Millonario?, el problema es que la policía lo captura y tortura sospechando que ha hecho fraude y solo si explica de manera satisfactoria cada una de las respuestas que ha dado podrá volver a la libertad antes de que vuelva a comenzar el show. Todo lo que pasa de ahí en adelante son las mágicas vivencias de un pobre joven que solo trata de lograr su sueño: conquistar a Latika.

La cinta altamente exitosa en occidente, ha sido objeto de una tonelada de críticas por parte de la comunidad India en especial de la cinematográfica que la consideran mala, irreal y muy por debajo de las producciones Indias, en lo que más centran su ataque es en el hecho de que haya sido rodada en inglés y que no muestra la realidad de Mumbay. Lo cierto es que la obra de Boyle no es un documental, es una historia de ficción que pudo ser rodada en las favelas de Brasil o las comunas de Medellín o cualquier lugar pobre del planeta y en ningún momento trata de ser una película India, es una película inglesa realizada en la India. Boyle no es un novato y siempre ha sobrepuesto su sentido artístico al dinero o la fama, esta cinta casi no pudo ser realizada por falta de presupuesto, pero Boyle triunfó en premios, taquilla y crítica, el cine indio a pesar de ser el más prolífero (es el mayor productor de cine del mundo) y uno de los más caros, nunca ha querido internacionalizarse, sus producciones a pesar de ser hermosas e interesantes son casi desconocidas en occidente por su propia decisión, debían aprender un poco más de los chinos, quejarse menos y dejar que Boyle y esta buena camada de actores disfruten de su éxito, un éxito más que bien merecido.

U2-3D

Bueno, hace unos mese se estrenó de forma fantástica una sala de cine Imax en Bogotá con una cinta documental llamada Dinosaurios de la Patagonia, la cinta además fue acompañada por la primera exposición de fósiles de dinosaurios traídos desde la Argentina y digo primera por que al parecer los dinosaurios no gustaban mucho de nuestra geografía montañosa y no vivieron por aquí.

El teatro, que nos ofrece una experiencia realmente impactante, nos trae esta gran producción llamada U2-3D, una recopilación de los conciertos que hizo U2 en su gira por Latinoamérica dentro del Vertigo Tour en el 2006, enfocándose más específicamente en los recitales de Argentina.
Realmente no hay mucho que decir más que la edición de esta película nos transporta en medio de la gente, al lado de los artistas, podemos ver el sudor de estos, lo grande del escenario, disfrutar del sonido que es envolvente, corear con los asistentes, etc, las escenas más emotivas son aquellas donde quedamos a la misma altura de los espectadores y podemos ver de la misma forma como ellos lo hicieron. Este formato es tal vez el futuro del cine, hace poco Dreamworks anunció que todas sus cintas animadas iban a ser realizadas en Imax y aunque no lleguen a Colombia, gran parte de las cintas americanas se están filmando en este formato, que es caro, pero que realmente nos hace estar inmersos en la trama de una manera eficaz, aunque claro sería muy extraño ver un drama francés en este formato.

No hay mucho por opinar o calificar , es solo ir y disfrutar, y se los dice una persona que no es para nada fanática de U2 y que espera con ansia algún día nos traigan el Shine A Light que también está realizado en Imax.

Canciones de amor en Lolita´s Club

Los libros llevados a la pantalla grande siempre han sido un dolor de cabeza, aún si uno como espectador no se ha leído el libro muchas veces da la sensación de que éste no puede ser tan malo.

Vicente Aranda el director de Carmen y Juana La Loca, nos trae esta cinta llena de violencia, mafia, drogas y sexo. La historia es sobre Raúl, un violento policía antidrogas quien debe retirarse un tiempo debido a las amenazas que la mafia ha hecho contra él, es así como decide regresar a su pueblo de origen, allí se entera que su hermano gemelo Valentín, que es retrasado mental, está trabajando en un prostíbulo y que está enamorado de una de las prostitutas, él decidido a sacarlo va al club pero termina obsesionado con la misma mujer que su hermano, interpretada por la colombiana Flora Martínez, esto desencadena un montón de situaciones trágicas y de autodestrucción...
lo malo es que también desencadena que la historia pierda su rumbo, que las situaciones se vuelvan predecibles pero al mismo tiempo incomprensibles, que no haya trama, que el argumento zigzaguee una y otra vez en todas las direcciones y que el final sea tan extraño e insatisfactorio que uno realmente siente o que no entendió nada o que perdió su tiempo, mucho tiempo. Como curiosidad debo decir que la historia hace referencia no solo a la mafia y droga de Colombia sino a la trata de blancas (específicamente de Risaralda), aunque nunca ahonda mucho en el tema... como en nada.

A favor las actuaciones de los dos protagonistas, Eduardo Noriega interpreta de forma creíble tanto al iracundo como al retrasado, en lo que puede ver que no fue un trabajo fácil ya que hay muchas escenas donde aparecen juntos. Flora Martínez por su parte luce espectacular, su papel no es muy diferente del de Rosario Tijeras: paisa, ardiente y eternamente drogada y no se si es lamentable que la cantidad de escenas desnudas que realiza son el fuerte de su personaje.

Lolita´s Club pinta bien, pero se enreda y se enreda y se sigue enredando a tal punto que lo poco bueno termina perdido en un agujero negro argumental.

The Darjeeling Limited

Wes Anderson, el director de este film, sufre del mismo mal que los hermanos Cohen: todas sus cintas son muy similares, con el agravante que Anderson utiliza además los mismos actores siempre y es un poco difícil recordar cual es cual. Esta vez Anderson nos trae otra tragicomedia, sobre 3 hermanos que no se han visto por más de un año, que además cada uno se encuentra viviendo una situación difícil y que deciden encontrarse en un tren en la India para emprender un viaje de conocimiento y reconciliación que sufre muchos inconvenientes pero que al final termina siendo lo mejor para todos.

La cinta es bastante graciosa, el argumento escrito a 6 manos es muy inteligente, profundo y real, La India como marco de fondo es exuberante, colorido y alegre, las actuaciones de los 3 hermanos: Owen Wilson, Adrien Brody y Jason Schwartzman son muy buenas, llenas de personalidad y aunque es una comedia no hacen exageraciones ni payasadas (recuerdan Burn After Reading).

Esta cinta del 2007 fue anunciada en Colombia pero nunca presentada, es más no recuerdo la primera cinta de Anderson que haya sido proyectada en el país de forma comercial, es una lástima no ver a un director que pone tanto detalle en la producción, en el manejo del color y en las actuaciones. La banda sonora es muy buena con música India y varias canciones de The Kinks.

Este viaje es un regocijo, casi una recocha, pero también es el camino que toman estos hermanos para su renacimiento espiritual y porque no, para darnos un buen momento de diversión y entendimiento.

Los Girasoles Ciegos

Así como Estados Unidos continúa produciendo cintas sobre la segunda guerra mundial, España también sigue explorando su guerra civil y la época franquista. Una de las últimas producciones exitosas con esta temática es Los Girasoles Ciegos, basada en el libro del mismo nombre. En esta nos narra paralelamente la historia de Elena y Salvador; ella una hermosa mujer que vive con el temor de que se descubra el secreto que guarda en casa, y él, un diácono transtornado por la guerra que comienza a dictar clases en el colegio al que asiste Lorenzo, el hijo de Elena y su obsesión por esta mujer a quien comienza a acosar al creerla viuda. Elena deberá enfrentar al diácono y su creciente fijación día a día, arriesgando su vida y la tranquilidad de su hijo; su secreto es que no es viuda, sino que su marido, un activista político de izquierda ha vivido durante 4 años en un escondite dentro de la casa.

La cinta denuncia con un ejemplo particular, el tema de la persecución política, los crímenes de estado y el deterioro mental a los que son sometidos los diferentes actores de un conflicto.
La película que se enmarca en 1940, recrea de forma muy delicada la estética de la época y lo más interesante de esto es que tanto el manejo de color como la cinematografía se inspiran en las técnicas de la época, haciendo que la cámara fija y los planos cortos reinen durante todo el rodaje; solo hay un zoom en toda la cinta y los paneos son escasos.

En cuanto a la actuación de los 3 protagonistas: Maribel Verdú, Javier Camará y Raúl Arévalo nos regalan unas interpretaciones más que dignas, sin exageraciones y llenas de dolor, aunque cabe decir que hay muchas escenas cómicas que le dan aire a la trama. La actuación del niño es también destacable y graciosa, su papel se podría reconocer más como un testigo de la injusticia que como víctima, aunque definitivamente el argumento nos muestra como finalmente son los inocentes los mayores afectados.

Los girasoles rotos es una buena cinta con múltiples nominaciones y premios pero más que eso es un testimonio familiar de la injusticia diaria, de la persecución, la intolerancia y las ironías de la vida.

Mamma Mia!

La máquina de hacer dinero Mamma Mia, un musical para adolescentes pero protagonizado por actores veteranos, basado en las canciones del grupo ABBA, confirma el porque siento mucha aversión hacia el género musical, que crei que estaba en recuperación con buenas y modernas propuestas como Dancer in The Dark, Moulin Rouge y Dreamgirls, entre otras...
Pero No!!!! a pesar de la buena interpretación de Meryl Streep quien canta bastante bien y se ve rejuvenecida y hermosa, la cinta, su argumento y las 200 canciones que se interpretan durante la misma son una completa tortura, una historia estúpida y predecible, personajes caricaturescos e irreales, más allá de las coreografías no hay nada, ni puesta en escena, ni siquiera es medianamente graciosa.

Pero los productores están tan felices con la cinta y tienen porque, siendo la producción inglesa más taquillera de la historia y el DVD inglés más vendido, lo malo: ya nos están amenazando con la segunda parte.

Doubt

Dirigida de forma brillante por el guionista John Patrick Shanley, esta cinta se desarrolla como una pieza sólida que envuelve una historia sencilla de principio a fin, robusteciéndola a través del drama y de las excelentes actuaciones de sus protagonistas.

Esta película personalmente me recuerda algunas obras teatrales llevadas al cine como La muerte y La Doncella, o Las Brujas de Salem (The Crucible). Todas historias sencillas pero con un significado profundo, donde la intriga es la principal protagonista. Y esto es lo que sucede en La Duda; la sospechosa relación entre un sacerdote y un alumno de la escuela que dirige, es el eje que desata todo un engranaje de sentimientos escondidos, mentiras, sutil abuso, intolerancia y sobre todo muchas dudas.
La historia se enmarca en New York de los años 60, en una escuela católica de origen Irlandés a donde es llevado Donald Miller, un estudiante de color, como parte de los experimentos de integración racial de la época. Miller es monaguillo y preferido del padre Flynn (Phillip Seymour Hoffman) , quien no es de agrado de la hermana Aloysius (Meryl Streep), rectora de la escuela, que lo ve como un progresista que amenaza la estabilidad disciplinaria de la escuela.
La inocente y hermosa hermana James (Amy Adams), dirige la clase de Miller y sin querer causar revuelo pero preocupada por su pupilo, acude a la hermana Aloysius, con la sospecha de la posible relación prohibida entre el alumno y el padre. El resto de la historia son todos los insucesos derivados de esta sospecha.

Aunque el tema de los padres pederastas católicos parece ser un paradigma y hasta un cliché de los medios norteamericanos y por supuesto del cine de Almodovar, lo cierto es que el tema es abordado desde una perspectiva más humana, profunda e incluso desde posiciones flexibles. Debido a esto, la conveniencia, el buen nombre, la injusticia, la desesperación y muchos otros temas son expuestos y relacionados con el tema central de la trama. El director además utiliza escenas hermosas como metáforas del tema central: la lluvia, las plumas, las flores, las ventanas, el viento, la bombilla que se quema, son solo elementos cuyo objetivo es acentuar lo que los protagonistas están sintiendo en cada escena.

Bueno, pero volviendo al tema de las historias sencillas también me recordó The remains of the day, donde Anthony Hopkins con su hermosa actuación, nos hizo olvidar el melodrama que estábamos viendo. Aunque en esta ocasión el argumento es mucho más interesante, son sin duda las poderosas actuaciones de Hoffman, Adams y por supuesto Meryl Streep las que llevan el peso de la trama y atrapan a la audiencia. Meryl Streep además merece un capítulo aparte, su papel de hermana rectora es implacable, hermoso, sin exageraciones y muy bien trabajado. Personaje que en un principio se muestra como la típica bruja de cualquier historia, de forma rápida se descubre como una mujer con corazón astucia, de gran carácter, pero sobre todo un ser humano fiel a sus creencias, sobreprotectora y que no se rinde ante la adversidad. Un papel inolvidable, merecedor de elogios y con una gran cantidad de nominaciones a premios internacionales.

La duda es una buena historia, sobre la intimidad de las personas, sus dolores, sus remordimientos, sus dudas, pero también es la oportunidad de ver una de las mejores actuaciones femeninas de los últimos años, gracias a la genialidad y sencillez de Meryl Streep.

The Curious Case of Benjamin Button

Desde hace unos 15 años la industria del cine norteamericano, ha creado una especie de subgénero del drama, este aunque no tiene nombre si tiene una cantidad de características propias, todas son narradas por el propio protagonista o uno de los protagonistas a un interlocutor, todas son historias de descubrimiento, todas son melodramas contados a partir de capítulos donde se utiliza ya sea la comedia o la fantasía para exaltar la historia, en todas se utiliza como background momentos históricos o épocas especiales, en todas hay una historia de amor, un sinnúmero de flashbakcs que vienen y van y por supuesto una historia políticamente correcta con un final feliz o triste, pero esperanzador.

Forrest Gump, Amelie (francesa pero producida por gringos), The Green Mile y Big Fish, entre otras ya nos han contado esta historia, sobre todo Forrest Gump, película que jamás me gustó pero comparada con esta es una obra maestra en especial por el argumento y bueno si queremos compararlas podemos ver este video (The curious case of Forrest Gump).

La cinta en general es de producción impecable, además es un hito histórico al ser la primera cinta que utiliza para su producción el sistema de cámaras Counter, que muy probablemente serán la moda en el futuro del cine y que dejarán sin empleo a más de un animador 3D. Este es un sistema avanzado de motion capture, en el que los actores en vez de ponerse un traje con puntos, se cubren de un polvo fosforescente y actúan normalmente, mientras que un sistema de iluminación especial los bombardea y dos cámaras graban todo formando una imagen 3D. La novedad de este sistema es que es menos desgastante, limitado y caro que el proceso anterior y lo mejor es que no se capturan unos puntos del cuerpo del actor sino toda su silueta, cada poro de la piel o la ropa que esté usando, de esta forma lograron recrear digitalmente y con un realismo extraordinario las diferentes edades de Brad Pitt, siendo la más espectacular cuando aparenta unos 18 años.

Bueno, retomando la película nos cuenta la historia de Benjamin, un hombre que nació anciano, con todos los problemas físicos que esto supone y que a medida del tiempo iba rejuveneciendo. La trama se centra en su amor por Daisy y como este evoluciona a través de la vida de ambos. Siendo sincero aunque la cinta es bonita, es solo eso, bonita, el argumento es patético y más allá de la extraña condición médica de Benjamin no hay nada interesante y a diferencia de predecesoras como Big Fish o Forrest Gump, los capítulos en los que se narra la historia son demasiado largos y a esto se le suma que cuando Benjamin se empieza a parecer a Brad Pitt toda la historia junto con el personaje se vuelven aburridos.

Me pregunto como Fincher, uno de los reyes del misterio y los asesinos seriales terminó metido en este proyecto que parece planeado por Disney, un melodrama sin fin y una historia sin peso. Más allá del aporte técnico de la cinta podemos destacar las actuaciones de los dos protagonistas, que son realmente justas, sin exageraciones y plausibles, aunque la crítica ha destacado a Pitt, a mi gusto Cate Blanchett con un papel fuerte, llevó de forma efectiva y convincente las riendas de la historia. La producción es muy buena, en vestuario, iluminación, cinematografía, maquillaje, efectos especiales, tratamiento del color y música; sobre estos aspectos es imposible tener una objeción, es un gran espectáculo visual a pesar de ser un film dramático, además tiene ese tono sepia que Fincher le pone a todas sus películas.

La cinta es un éxito total, tanto en taquilla como en la recepción de la crítica norteamericana que no ahorra elogios para la misma y que gracias a esto ha obtenido 13 nominaciones a los Oscar y 11 a los British.

El caso de Benjamin Button no tiene nada de curioso ni de especial a menos que alguien se sienta atraído por el aspecto técnico del cine, es una historia de amor bien realizada, pero sin mayor impacto, un grato experimento visual que es mejor verlo en una pantalla de cine grande, pero del cual no recordaremos mucho cuando salgamos de la sala.
Pdta: El hombre de los 7 rayos es lo mejor de la cinta.

Seven Pounds

Gabriele Muccino, un director italiano que se especializa en el género dramático y quien ya había dirigido a Will Smith en The Pursuit of Happyness nos presenta la historia de Tim Thomas, un ingeniero aeronáutico, quien totalmente consternado y lleno de culpa por un accidente automovilístico en el que perecieron 7 personas incluida su esposa, decide tomar la identidad de su hermano y emprender una carrera de sacrificio y autodestrucción.

El tema general de la historia es profundo y controversial: el suicidio, y en este caso la redención a través de este, y pienso que además el hecho de que sea Will Smith quien protagoniza la historia puede herir la sensibilidad de sus seguidores. Pero dejemos de lado el debate, sobre si el suicidio se justifica o no, el problema es que la trama de un momento a otro se ve empantanada por la relación amorosa entre Thomas y Emily Posa, muy bien interpretada por la hermosa Rosario Dawson, una mujer con una condición cardiaca muy grave, a quien Thomas pretende ayudar. El asunto es que en este plan de sacrificio, Thomas lo que hace es estudiar a 7 personas a quienes entregará todo lo suyo (incluidas partes de de su cuerpo) para que puedan vivir mejor y esto por supuesto incluye a Emily, lo malo es que a ella le tendrá que dar el corazón, literalmente. Ustedes verán en la pantalla si lo hace o no.

Es claro que el problema de esta cinta no es el tema, ni los actores, ni mucho menos el director que hace un buen trabajo escénico y de fotografía, el problema es el argumento tan disparatado con el que se trata de contar la historia de una decisión, está lleno de coincidencias de la primera a la última escena, de melodrama, de sensiblería gratuita, de temas sin resolver, de proposiciones que quedan en el aire. Will Smith, actúa bien, sin embargo es difícil como espectador sentir una caracterización convincente o trascendente de su parte y aunque este papel es muy diferente de otros que le hemos visto, lo cierto es que es el mismo Smith de siempre, solo que deprimido.

Seven Pounds es una película que vive del éxito y buen nombre de The Pursuit of Happyness, pero en realidad es una historia mal contada y con una gran ausencia de peso argumental.

Burn After Reading

Es lamentable tener que comenzar el año así pero desafortunadamente la expectativa de esta cinta así como su elenco y directores son una incuestionable tentación aunque también la causa de una gran decepción.

Burn After Reading es difícil de describir aunque digamos que puede ser una comedia negra; es una película con una narrativa poco coordinada y sin ritmo, con una historia poco creíble y que solo se entiende hasta más allá de la mitad de la cinta, con unos diálogos aún más inverosímiles y en general es un homenaje a la estupidez. Todos sus protagonistas, están locos pero además son estúpidos, las actuaciones son extrañas en especial en actores vinculados generalmente con el drama como John Malkovich o Tilda Swinton ya que todos los personajes parecen sacados de un capítulo del pájaro loco (hasta la música parece sacada de una serie de cartoon). La cinta en general es divertida, pero la historia es tan poco inteligible que las risas las despiertan más las actuaciones que las situaciones. Las actuaciones de George Clooney y John Malkovich son exageradas y tontas, la de Frances McDormand en cambio es bastante sujeta a lo que uno esperaría de ella, pero sin lugar a dudas la mejor de todas por su frescura y gracia es la de Brad Pitt como el instructor de gimnasio y mejor amigo de McDormand.

La cinta es muy decepcionante y aunque algunos medios la defienden y hablan de su genialidad, lo cierto es que esa es la rutina de los hermanos Coen: una cinta muy buena y luego una desastrosa que solo ellos entienden.

Esta historia a mi modo de ver mantiene muchas coincidencias con otra comedia de los Coen: The Big Lebowski, pero sin acercarse al acierto cinematográfico de esta. Y cuando digo muchas coincidencias, son muchas: la trama que se teje tras una extorsión mal planeada, los personajes con personalidades muy marcadas, el personaje obsesivo que desencadena la tragedia (aquí es Linda, en Lebowski era Walter), el humor urbano y muy personal, la muerte de los más inocentes, el final comentado, etc. Esta similitud en sus obras no es extraña, ya se había presentado en el caso de No Country for Old Men y Fargo, y es precisamente en esta similitud donde se pueden ver los errores ya que esta vez el peso de la historia no recae sobre ningún personaje, todos se presentan de forma tan esporádica que no logran una conexión regular ni con la trama ni con el espectador, y lo más extraño es que el mismo problema ocurre con la edición, que mientras en Lebowski es fluída, acompañada con una muy buena banda sonora y salpicada de escenas surrealistas, aquí solo es un costal lleno de retazos.

El argumento aunque no tiene protagonista principal y que más bien hace referencia a debilidades humanas como el engaño, la traición, la violencia, la promiscuidad y la vanidad, nos cuenta la historia de Osbourne Cox (Malkovich) un ex-analista de la CIA que se ve envuelto en una cadena de celos e intrigas debido a la pérdida de un disco con información financiera que es encontrado por Linda Litzke (Frances McDormand) una trabajadora de un gimnasio obsesionada con hacerse 6 cirugías estéticas, toda la historia desencadena en violencia y tragedia desde una perspectiva cómica y tal vez hasta crítica, aunque el final de la cinta es defraudante en especial porque pareciera que se hubiera acabado el presupuesto para la filmación.

Tal vez no entendí la cinta, tal vez esperaba algo mejor, pero a mi modo de ver Burn After Reading es un gran desperdicio de talento, de tiempo y dinero, si la quieren ver, quémenla luego de verla.

La Escafandra y la Mariposa (Le Scaphandre et le papillon)

Me fue difícil realizar una reseña sobre esta cinta ya que quedé sin palabras luego de verla, dejé un buen tiempo pero definitivamente no puedo ser objetivo. Esta cinta es una obra maestra tanto visual como emocionalmente.

Julian Schnabel, director americano conocido en el mundo por su obra Antes que anochezca, reúne un estupendo grupo de actores franceses, en especial de mujeres hermosas, para recrear la tragedia y superación que sufrió el periodista Jean-Dominique Bauby, editor de la revista Elle,quien sufrió un colapso masivo y repentino, sufriendo del síndrome de encierro (quedar consciente dentro de un cuerpo paralizado) y cuya única forma de comunicación fue a través del parpadeo de su ojo izquierdo.
La cinta muestra no solo el sufrimiento de un ser que no puede comunicarse sino del sufrimiento de sus seres queridos, pero también es un canto a la imaginación de un hombre que decide dar su última batalla y que gracias a la ayuda de sus terapeutas, logra desarrollar un sistema de comunicación desgastante pero efectivo, a través del cual trata de llevar una vida en lo posible normal y que le sirve para dictar un libro: La escafandra y la mariposa, donde narra sus fantasías y compara su encierro a estar en el océano dentro de una escafandra de la que escapa para volar libre.

La primera parte de la cinta es dura y dolorosa ya que es producida en primera persona, desde la perspectiva de Bauby, mostrando interior de su encierro y sufrimiento. El resto de la cinta se enfoca en los conflictos familiares y recuerdos de su vida normal. la cinematografía es hermosa y sorprendente, así como la banda sonora, llena de melodías emotivas. La actuación de Mathieu Amalric como Bauby es difícil, interesante y muy física, todo un deleite, así como volver a ver a la hermosa Emmanuelle Seigner en toda su dimensión ya que la última vez fue en un papel secundario (Titine en La Vie en Rose).

Los 22 premios internacionales que ha ganado la cinta son apenas un pequeño y merecido homenaje a un trabajo de tanta calidad y a un hombre que dejó un legado de lucha y esperanza a pesar de no poder haberlo disfrutado.

Death Race

El 2008 fue el año de los remakes, fueron demasiados y la mayoría no salieron bien librados, pues bien, Death Race no fue la excepción, aunque para ser sincero el no haber visto la original de 1975 tal vez hizo que la disfrutara y apreciara un poco más de lo que otras personas lo hicieron según las críticas que he podido leer.
La cinta protagonizada por el nada simpático Jason Statham (El transportador) y dirigida por el especialista en cintas de acción y comics Paul Anderson, nos muestra a una Norteamérica sumergida en una caos producto de la crisis económica, el desempleo y el crimen, tanto así que el gran negocio de la nación en ese momento es la administración de cárceles. Pues bien, Jason Ames, un ex-piloto de carreras y actual obrero de construcción es víctima de un complot en el que es culpado por el asesinato de su esposa y encarcelado. A su llegada a la cárcel Ames es coaccionado por Hennessey, la administradora de la cárcel, para que reemplace a Frankenstein, el mítico piloto campeón de Death Race que acaba de morir. Death Race es una competencia de tres días a muerte entre pilotos prisioneros, quienes conducen autos modificados con armas y aditamentos especiales y al final solo debe quedar uno vivo, el show es visto por millones de personas en el mundo y es el gran negocio de la cárcel ya que se transmite por sistema PPV. El plan de Hennessey es eternizar la figura de Frankenstein debido a que es el piloto que más ingresos genera y el que mayor audiencia tiene.
El resto de la cinta es básicamente la carrera y la forma en que Ames planea la forma de conseguir su libertad y no caer en las trampas que Hennessey tiene preparadas para él.

Una película repleta de escenas de acción bien ejecutadas, mujeres voluptuosas y explosiones por doquier, pero con una trama tonta, repetitiva y sin sentido, muy parecida a The Running Man con Schwarzenegger y a muchas otras.

Star Wars: The Clone Wars

George Lucas necesitaba hacer algo para motivar al público debido al lanzamiento de su serie de Cartoon Networks sobre las guerras clones, una continuación de los capítulos que ya se habían mostrado años atrás y que toman lugar entre la segunda y tercera película de la saga. Pues bien esta cinta es eso, un capítulo de más de hora y media de una serie de dibujos animados.

El tono de la cinta es totalmente infantil y a diferencia de las otras 6 cintas no existe una conexión directa con la trama de estas, es una historia aparte con un nudo y un desenlace propios y realmente no se ve como tal el transcurso de la guerra sino una misión aislada que tienen que cumplir Anakin y su nueva acompañante.

La animación por su parte es otra historia ya que aunque está bien para un capítulo televisivo está años luz atrasada respecto a las posibilidades técnicas actuales; si vemos Walle o la próxima producción de Tim Burton, 9, es bastante evidente la pobreza visual de la cinta.

La historia en general es divertida, llena de situaciones que hubieran sido espectaculares en un contexto más real, pero la trama es mucho mejor manejada en los capítulos que ya se habían realizado.

The Clone Wars es una buena alternativa para el domingo en la tarde y para verla en el televisor, el medio al que en verdad pertenece.

Tideland

La retorcida pero genial mente de Terry Gilliam, nos trae otra fantástica historia, con una temática que a él lo obsesiona: escaparse de la horrible realidad por medio de la imaginación. Esta vez la protagonista es Jeliza-Rose, una pequeña y hermosa niña que es producto del peor de los ambientes: hija de dos adictos a la heroína que viven en su propio mundo de viajes y dolor, cuyo padre a quien ama con fervor la tiene entrenada para inyectarle su propia dosis de droga y sus únicas amigas son sus 4 cabezas de Barbie, las cuales poseen una personalidad propia que no reflejan sino el deseo de expresión de Jeliza-Rose, quien aunque al parecer no sufre ningún problema mental, si es evidente que no reconoce la realidad de la fantasía ni tiene un sentido diferenciador entre el bien y el mal.

Ambos, padre e hija, escapan luego de presenciar la muerte de su madre por una sobredosis de anfetaminas a la granja de su abuela, un sitio árido donde solo abundan las espigas de paja, al llegar a su nuevo y sucio hogar, Noah el padre de Jeliza, muere sentado en su silla mientras hace un nuevo viaje, la niña cree que simplemente su padre sigue vivo y que en medio de su largo viaje sufre de flatulencias que llenan el hogar de moscas.

En sus exploraciones Jeliza conoce a sus vecinos: Dickens un adulto con retraso mental y deformaciones y Dell, su hermana mayor quien dirige la granja de la familia y que en el pasado fue novia de Noah y ahora es una mujer tuerta, tirana y amargada.
Jeliza y Dickens forman un lazo de cariño y amistad muy fuerte y ambos comparten su mundo de fantasías, mientras que Dell ve a la niña como una intrusa y trata de hacerle la vida imposible.
La evolución de estas relaciones trae consecuencias fatales, pero aún más fatal es la propia vida de la niña, quien a pesar de ser alegre e inventar sus propios mundos, sufre de hambre, vive rodeada de mugre y soledad, no tiene educación alguna y vive el desasosiego de la pérdida de su padre y la incertidumbre de nunca saber la verdad de las cosas.
Jeliza y Dickens son el producto de una sociedad decadente, de abusos y ningún tipo de educación, la cinta que ganó el premio del festival de San sebastián en el 2005, ha sido duramente criticada por su crudeza, y ha sido tildada de ser una cinta de explotación, es decir de usar crudeza gratuita para llamar la atención, también se cuestionan escenas donde participa la niña y que son demasiado fuertes tanto en diálogos como en actuación, tal vez equiparándola con El Tambor de Hojalata, pero lo cierto es que la cinta solo nos muestra la terrible verdad de situaciones reales, posibles e innegables, de personas que sabemos que existen aunque nunca las miramos y que no solo Jeliza sufre en una pantalla de cine, sino que miles de niños en el mundo las padecen a diario.

Hermosa fotografía, sonido y puesta en escena, muy buen casting de actores; Excelente actuación de jeff Bridges quien hace de muero casi toda la película, de Brendan Fletcher como el amigable y noble Dickens, pero sobre todo de Jodelle Ferland, quien a pesar de ser tan joven es toda una veterana de la pantalla chica y que se luce en su papel de la hermosa Jeliza-Rose, no solo por la profundidad del personaje, cargado de escenas fuertes, sino porque además debe interpretar a cada una de sus muñecas y recitar enormes parlamentos, bien merecidos los premios que se ha ganado.

Jeliza-Rose es la inocente protagonista de un cuento de hadas inventado por ella misma, un cuento de hadas lleno de espinas pero que la hace sonreir y olvidar cualquier problema.