Tangled (Enredados)

La historia de Rapunzel, la heroína de la historia clásica de los hermanos Grimm, es recreada por Walt Disney para celebrar el film animado número 50 de su historia como estudio de cine (obviamente no se incluyen en la lista los filmes que pertenecen a Pixar). Aunque el cambio de nombre de Rapunzel a Enredados fue solo una movida comercial para los niños que jamás han oído de esta historia, cabe decir que Disney por fin logró superarse a si mismo y hacer una cinta con animación CGI (o 3D) que fuera impactante y bien recibida por el público.

No es para menos, Enredados es realmente divertida, sus personajes son bien definidos, la historia es bien contada y novedosa ya que se incluye un personaje masculino muy lejano del príncipe de la historia original y Rapunzel es una chica adorable pero muy fuerte; también el uso de gaps cómicos cortos es muy interesante y poco usada por Disney en sus cintas. Más allá de la parte argumental la animación es sorprendente, las expresiones faciales de los personajes, incluso del camaleón Pascal, hacen que estos luzcan más creíbles y divertidos. Los paisajes y la fotografía son hermosas y las secuencias de acción y velocidad son de la mayor calidad. Aunque no la vi en 3D debido a la cantidad de público, es evidente que muchas de las tomas son especialmente realizadas para este formato y si las 2D son hermosas, las de tercera dimensión deben ser inolvidables.

Hace un tiempo yo pensaba que la insistencia de Disney por comprar Pixar, era por la necesidad de tener un estudio que le hiciera sus cintas 3D, sin embargo me alegro que esta su posición haya estado equivocada y me alegro de que Disney vuelva a mostrar la calidad de décadas atrás, ya son dos fims seguidos en los que se esfuerzan y vuelven a conquistar tanto corazones como taquilla (este y The Princess And The Frog). Yo diría que lo único malo de la película son las insufribles canciones, porque en el clásico estilo de Disney y muy a mi pesar esto es un musical.

Enredados es fácil de ver y de disfrutar, una cinta animada que no es pasajera, una celebración de Disney con bombos y platillos, y por la cantidad de gente haciendo fila con bastantes millones para el estudio.

Millenium: Flickan som lekte med elden

Traducida al español como La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, nos encontramos con la secuela cinematográfica de Millenium (mmm que lástima no haber hecho una reseña completa de la primera). Esta vez la trama gira en torno a Lisbeth Salander y como su pasado la sigue rumbo a una trampa de la que deberá escapar. Al centrarse toda la historia en la enigmática hacker, se deja de lado a Mikael Blomkvist y las investigaciones del diario Millenium, volviendo esta una historia personal, sin el encanto que despertaba en la primera la relación entre dos personajes tan dispares pero tan decididos.

La historia ya no contiene la chispa de la primera parte, sin embargo no deja de tener la intriga suficiente y en ningún momento se torna aburrida, aún y cuando esté salpicada de muchas coincidencias. Básicamente Beth esta vez luego de viajar por el mundo con el dinero que obtuvo en la primera historia, vuelve a Suecia y se encuentra involucrada en una serie de asesinatos de los cuales es acusada. En su afán de resolver los crímenes y huir de la policía, se encontrará con la peor parte de su pasado, su padre; si, aquel que supuestamente mató en su infancia al quemarlo con gasolina.

Al igual que en su primera entrega Millenium es una historia densa, sórdida, con un tratamiento bastante naturalista y con personajes fuertes y creíbles, pero al ser inevitable compararlas es notable la superioridad de la primera entrega, y no me mal entiendan, la película en términos generales muestra calidad y es bastante buena, pero esperemos que la próxima cinta que cierra la saga vuelva a sorprendernos y a dejarnos en el borde del asiento durante dos horas tal como lo hizo la primera parte.

RED

Hace mucho que no entraba a ver una película de la que no estaba seguro ni siquiera de como se llamaba, ya que yo pensaba que se trataba de una cinta llamada Red (en español) pues resultó que Red (rojo en inglés) es el nombre clasificado de un agente retirado de la CIA interpretado por Bruce Willis y basado en una novela gráfica. Y es precisamente sobre las aventuras de un grupo de ex-agentes jubilados que están siendo buscados para ser asesinados y que se unen para identificar y eliminar a su agresores de lo que nos habla esta cinta, la historia parece una película de acción normal sino fuera por las toneladas de humor, inteligente fotografía, excelente banda sonora y un gracioso y forzado romance entre Willis y su compañera de aventuras, una inocente y muy hermosa agente de Call Center quien se ve involucrada en la aventura, esta última interpretada por la eterna belleza Mary-Louise Parker, y digo eterna porque no creo que muchos sepan que tiene 46 años aunque aparente máximo 30, es ella quien además ofrece la mejor interpretación de la cinta, muy divertida, inocente pero decidida.

Además de esta pareja, el director Robert Schwentke pudo reunir un elenco de lujo conformado por nombres como Morgan Freeman, Helen Mirren, John Malkovich (quien últimamente parece que solo interpreta locos o excéntricos), Richard Dreyfuss, entre otros, y para sorpresa de muchos la presencia del veteranísimo Ernest Borgnine.

En realidad la floja historia es sostenida por los buenos diálogos y situaciones cómicas, y por una edición impecable, con buen ritmo y llena de color.
RED es una comedia muy fresca, veloz y con una banda sonora inolvidable. Una cinta para divertirse el fin de semana.

El Paseo

¿Por dónde empezar? Tal vez lo mejor es decir que cada quien tiene lo que se merece y los colombianos parece que nos merecemos esto. Y no lo digo de una mala manera, simplemente este producto (por que me niego a llamarlo película) es eso, un polo a tierra que nos recuerda cómo somos y que nos gusta, que no somos esos seres sofisticados, pro occidentales y herederos de la cultura gringa, no señor, no tenemos ningún derecho a sentirnos superiores o mejores que peruanos o mexicanos, tenemos una idiosincrasia tan simple y tan popular como cualquier otra aldea latinoamericana. Esta es la única explicación para que toda la sala de cine esté muerta de la risa durante hora y media con esta, tal vez la peor, más ridícula y absurda historia que he visto en cine en toda mi vida. Producto que desbanca de mi top de la cinta más mala a comedias románticas, musicales y cintas de acción de serie B. incluso a otras cintas producidas por esta demoniaca y fatídica alianza entre el escritor Dago García y el director Harold Trompetero. Y digo fatídica porque mientras un buen grupo de directores y productores colombianos les toca vender su alma, arrastrarse y humillarse para poder hacer productos de calidad, este par de intrépidos mercaderes llega cada navidad con una cinta nueva, cada una peor que la anterior, pensábamos que ya habían tocado fondo con “Muertos de susto”, pero parece que no hay fondo en este pozo.

De lo poco rescatable es la sensata y decente actuación de Carolina Gómez, porque realmente Antonio Sanint puede ser una buena persona, pero como comediante es fatal y como actor una piltrafa, los demás solo dan una lástima directamente proporcional a su sobreactuación. Mala Edición, iluminación natural por momentos, improvisada en su mayoría, lugares comunes, chabacanería, coincidencias ilógicas, un policía de tránsito disfrazado de Chip patrulla motorizada y una banda de ladrones disfrazados de karatekas.

Que más decir, solo que así no tengan ningún plan, estén deprimidos, hayan perdido su trabajo, o por simple curiosidad como en mi caso, por favor no vayan a ver eso, no sigan apoyando la mala calidad, la mediocridad extrema, el exceso de falta de imaginación, el falso patriotismo; pero sobre todo reflexionen un poco sobre que a pesar de nuestra idiosincracia, la cultura puede evolucionar para ser mejor, nos merecemos algo mejor.

Machete

Esta cinta es una especia de Spin Off de aquel experimento que Tarantino y Robert Rodriguez hicieron en Grndhouse, como un homenaje al cine de explotación de los años 70's. Además de las cintas Planet Horror y Death Proof, se realizaron varios trailers falsos, uno de ellos fue Machete. Pues bien, Robert Rodriguez hizo realidad ese trailer con esta divertida cinta, llena de violencia y en cierta forma creando un nuevo superhéroe, tal vez el primero latino, un exfederal mexicano que toma la justicia por su propia cuenta. Es también un homenaje a Danny Trejo, este veterano actor, familiar lejano de Rodriguez, al que hemos visto en cientos de películas interpretando siempre a duros delincuentes casi siempre mexicanos y algunas veces colombianos y esta vez es el héroe al que todos buscan para asesinar.

La cinta tiene una historia muy conocida, casi un cliché, sobre un hombre que por ser honrado lo pierde todo y años más tarde la vida lo vuelve a poner cara a cara con su enemigo. Sin embargo en esta ocasión se voltean los papeles ya que son los latinos los buenos y los blancos los malos. Lo innovador es que siguiendo el estilo de Grindhouse, Rodriguez recrea un tipo de cine desaparecido en todos sus aspectos: grabación, diálogos, música, montaje, color, créditos, etc. Es tan irresistible este experimento que la cinta está repleta de figuras de primer nivel del cine americano y no con cameos sino con papeles completos: Entre estos están Steven Seagal, Don Johnson, Robert De Niro, Lindsay Lohan y las muy sensuales presencias de Jessica Alba y Michelle Rodriguez.
Algo curioso es que las escenas hechas en el trailer varios años atrás, fueron recreadas dentro de la película y que los actores Jeff Fahey y Cheech Marin tienen sendos papeles importantes en ambos casos.

Machete es violencia pura, sobre exposición de color, mucha piel y poca ropa pero sobre todo una gustosa cinta de acción de primera calidad.

The Social Network

Esta es de esas cintas que uno ve por presión social, por saber si tanta loa por parte de periodistas tiene algún fundamento, incluso ni siquiera estando del mundo de las aplicaciones web en mi trabajo me llamaba la atención verla. La única motivación personal era su director David Fincher, uno de mis directores favoritos, siempre prolijo, siempre detallista y con ese estilo oscuro y decadente que tanto placer me da, un director con muy pocas cintas en su repertorio pero que más allá del descache de Benjamin Button, las demás siempre han dado en el clavo de mi gusto personal.

Años atrás ya habíamos visto una cinta semicómica llamada Los piratas de Sillicon Valley, que nos contaba como se crearon Apple, Microsoft y Xerox, pues bien Fincher nos recrea con un estilo atrapante la historia de Mark Zuckerberg y su gran invención: Facebook. La película es muy buena en su narrativa, edición y actuaciones, son pocos los ejemplos de cintas de juicios que pueden llegar a cautivar a los espectadores, tal vez siendo el gran ejemplo JFK de Oliver Stone. Sin embargo la historia que tenemos aquí ni siquiera es de un juicio, solo de una audiencia de conciliación (todavía más aburrido) y lo que la hace brillante es toda la sustancia intermedia en la que se narra la creación de la famosa red social.
Otro ingrediente que la hace interesante es ver el mundo de Harvard que para muchos es tan lejano, como quienes estudian allí en su mayoría además de ser millonarios son también grandes emprendedores y finalmente cuenta como se crea una gran corporación con todos sus temas de poder y manipulación. Y es esa sustancia la que nos mantiene despiertos y atentos porque seamos sinceros, Zuckerberg es un personaje despreciable, un nerd semi autista pequeño y flaco que traicionó a todos los que confiaban en él solo por llamar la atención, por ser reconocido y al que ni siquiera le importan los millones que ha generado. Tal vez la mayor cualidad de él, no es ser un gran programador, sino que toma decisiones de gran riesgo más allá de las consecuencias que pueda tener.

Sobre las actuaciones, en general son buenas sin embargo creo que la prensa ha exagerado en las flores que lanzan diariamente sobre Jesse Eisenberg, tal vez para los que por primera vez lo ven actuar les parezca más que sobresaliente, pero esta actuación no se diferencia en mucho de otras que le he visto, siempre entre la frialdad y la fragilidad.

The Social Network es en definitiva una muy buena cinta, en especial si tenemos en cuenta que la temática no es tan atractiva ni emocionante, tampoco es la mejor de Fincher, creo que Seven y Zodiac son muy superiores tanto en historia como en realización, pero definitivamente el estilo de contar un cuento es el que diferencia a cada cuentero y esta vez Fincher nos hipnotizó y nos abrió los ojos sobre como de una pequeña idea puede nacer un negocio gigantesco.

Rabia

Esta película colombo- española, producida por el mexicano Guillermo del Toro y dirigida por el ecuatoriano Sebastián Cordero, es para mi la cinta más importante que he visto en el año en cuanto a cine en español se refiere. No podría decir que es mejor que El secreto de sus ojos de ninguna forma, pero si es tal vez la más importante ya que nos demuestra como en el llamado mundo globalizado, fuerzas de diferentes países se unen para convertir una pequeña historia en una pieza de calidad extraordinaria. Algo curioso es que así como es una producción pequeña e independiente, solo se ha presentado en pequeños festivales, sin el glamour de los Oscar o Cannes, pero de forma segura ha logrado importantes galardones en Japón, Canadá y México entre otros.

Esta película personalmente es un compendio de recuerdos, recuerdos de buena cinematografía y en especial del cine de Roman Polansky. La cinta no es un homenaje, ni un reencauche, pero entre escena y escena podemos saborear la angustia envolvente de El bebé de Rosemary, el encierro demencial de El inquilino, la obsesión perversa de Luna de hiel, la profunda y paranóica oscuridad de La muerte y la doncella y hasta el desgaste físico de la cinta de Polansky que menos me gusta, El pianista.

Tras dos semanas de encuentros furtivos y casi sin conocerse, Rosa y José María, una pareja de inmigrantes latinos en España se entregan a la pasión. Rosa no sabe que su amante cuando no está con ella es un obsesivo que reacciona de forma violenta ante toda situación y es esta ira la que lo lleva a asesinar accidentalmente a su jefe. El decide esconderse de las autoridades en el desván de la mansión donde trabaja Rosa como empleada de servicio, desde allí, en la oscuridad, se convertirá en el observador de la vida de los dueños de casa y de su amada, quien ha quedado embarazada, pero que se encuentra indecisa debido al dolor que representa la ausencia de José María y los abusos por parte del hijo de sus patrones, aunque el resto de la familia la acoge y apoya.
Luego de un tiempo Jose María descubre la forma de continuar una relación a la distancia con Rosa y se vuelve pieza clave en los sucesos de la mansión, pero su encierro se convierte en una trampa de locura y sufrimiento de la cual no puede escapar.

La cinta protagonizada por Marina García y Gustavo Sánchez Parra, destaca por las buenas actuaciones pero sobre todo por su impresionante edición y fotografía, con tomas de gran factura, el uso de interminables Dollys (mmm recordé el Cuchillo en el agua) y muy buenas escenas oscuras. La violencia de la historia es demasiado sutil y se aleja de otras películas españolas cargadas de escenas extremas. Gustavo Sánchez Parra además no solo actuó bastante bien como para merecerse los premios que ha ganado sino que tuvo un gran desgaste físico y psicológico para encarnar de forma efectiva a este vigilante enamorado, ya que tuvo que bajar 13 kilos y luego del rodaje tuvo fuertes depresiones.

La película al igual que la francesa Partir, nos muestra esa Europa oculta, donde las razas se mezclan, donde todos buscan su propio futuro, donde los europeos no son millonarios, donde se vive en una economía en picada a base de inmigrantes. También nos muestra las dos caras de la moneda, tanto el aprecio y la solidaridad como la intolerancia y el abuso, pero lo mejor es que la cinta no cae en los clichés de siempre y muestra como en el interior españoles y latinos vivimos y sufrimos por igual.

Rabia es una tragedia que se convierte en silenciosa obsesión, una pequeña historia que se convierte en una gran película y una cinta española en la que podemos resumir toda la filmografía del maestro Polansky bajo la visión del buen director ecuatoriano Sebastián Cordero.

Nánjīng! Nánjīng! (Ciudad de Vida y Muerte)

Esta cinta china ganadora del festival de San Sebastián en el 2009 llegó hace poco a nuestro país. Su historia cruda y desgarradora nos cuenta la tragedia de los habitantes de la ciudad de Nánjing durante 1937 (en ese entonces capital de China) luego de que fuera arrasada por el ejército nipón al iniciar la segunda guerra chino-japonesa, que más adelante se convertiría en la guerra del pacífico para finalmente fundirse con la segunda guerra mundial.
Este suceso histórico conocido como la masacre o la violación de Nánjing, debatido por algunos y condenado por otros, es el equivalente asiático de lo que fue el holocausto judío en Europa. Tanto por su historia como por su realización en blanco y negro esta cinta para muchos es la versión oriental de La Lista de Schindler.

La película se puede dividir en dos: La masacre, en la que se narra la toma de la ciudad por los japoneses y como sus gigantescas murallas finalmente solo sirvieron para convertir a la ciudad en una trampa inmensa, en la que luego de la rendición son masacrados 450.000 hombres entre soldados y civiles. La segunda parte es la violación: Esta se diferencia de la anterior en que se construye una trama con personajes bien contextualizados y no simplemente se muestran hechos. En esta segunda parte todo gira en torno a una llamada zona de seguridad, instaurada por el hombre de negocios y partidario nazi John Rabe, quien hace lo posible para garantizar la seguridad de los refugiados que en su mayoría son mujeres, hombre mayores, niños y hombres enfermos. La zona de seguridad es manejada por el asistente de Rabe, el señor Tang y su cuñada, una maestra de escuela, quienes luchan día a día aún a costa de su seguridad contra el deseo japonés de invadir la zona.
Poco a poco los esfuerzos de esta pareja y los extranjeros se ven aminorados y comienzan a haber abundantes casos de asesinatos y violaciones por parte de los soldados japoneses (se cree que diariamente se violaban 1000 mujeres de las cuales casi todas eran asesinadas). Luego de los reclamos por parte de Tang y Rabe, los japoneses piensan que la solución es que de la zona de seguridad se presten 100 mujeres voluntarias durante dos semanas, quienes serían utilizadas como mujeres de comfort y finalmente devueltas. Sin embargo es tanto el abuso que la mayoría de ellas mueren. Al finalizar este periodo y debido a sus constantes quejas contra los japoneses Rabe es solicitado por Hitler en Alemania, lo que genera el pánico y la angustia de que la poca tranquilidad existente va a desaparecer. El desenlace es inevitable y estará lleno de tragedia y dolor para todos sus protagonistas.
Aunque la cinta gira en torno al contexto histórico, su originalidad reside en que toda la historia es vista a través de los ojos de Kadokawa, un oficial japonés que vive todo el infierno de la guerra desde el punto de vista humano y que no comparte el objetivo ni los métodos de la misma y de un niño (soldado chino) que está presente en los momentos definitivos de la historia. Ambos personajes no solo enriquecen la trama sino que la bajan del plano documental al humano.
Una producción gigantesca, una hermosura visual única, con tomas inolvidables como el la del baile ritual japonés y con la exigencia del blanco y negro hacen de esta, una magnífica pieza de imagen y sonido.
Su cadencia es propia del cine asiático, con grandes espacios de reflexión que indudablemente aburren, pero al mismo tiempo con tomas llenas de emoción, una emoción diferente a la occidental que no cae en el el melodrama sino que va directo al estómago del espectador: dolor, sufrimiento y desesperación son la base de toda la historia.

Ciudad de vida y muerte nos afirma el sinsentido de la guerra, así como que la violencia solo genera más violencia, frases que ya conocemos pero que para quienes no hemos vivido una guerra de esta proporciones, directores como Lù Chuān o Spielberg nos recrean crudos pero claros ejemplos.

Paranormal Activity 2

Ya en enero anticipaba la segunda entrega de la historia creada por el ahora millonario Oren Peli. Pues bien la fecha llegó con una precuela de la historia original, con mucha más lógica y un argumento menos soso y más elaborado, pero con la misma fórmula de la primera parte, lo que le quita sorpresa a la nueva historia.
La cinta se centra en el origen del espectro que azota a la pareja de Katie y Micah en la primera parte, descubrimos que originalmente es despertado tras el nacimiento de Hunter hijo de Kristi, hermana menor de Katie y que es este niño el verdadero motor de la furia del monstruo ya que lo quiere poseer. El desarrollo de la trama es muy parecido al de la cinta anterior y tal vez la diferencia es que en esta hay más protagonistas y más cámaras (6 en total), lo que se traduce en mayor evidencia, más muertos y más gritos, pero ninguna nueva sorpresa.
Las manifestaciones son prácticamente iguales a las de la primera parte y en su parte final se entrelazan ambas historias ya que se muestra cuando el espíritu es transferido a Katie y la escena de cuando Micah estrena su cámara, este giro final es talvez lo que más causa expectativa en la audiencia pero lamentablemente el desarrollo que se le da es decepcionante aunque nos cuenta el destino final de Katie tras asesinar a Micah, uno de los interrogantes que dejó abierto la historia original.
Tal vez los puntos a favor que tiene esta precuela son que a diferencia de la primera mantiene un ritmo mucho más uniforme, sin esos vacíos enormes de diálogos cotidianos que aburrían y definitivamente el atar hilos es mucho más satisfactorio para el espectador, sin embargo la fórmula repetida de las cámaras fijas provoca muchas más risas que gritos y se apela al igual que la primera al uso de susticos intercalados.

Actividad paranormal 3 ya se viene, no sabemos porque si la historia ya quedó cerrada, pero ya sabemos que a Hollywood le gusta escurrir hasta la última gota de una historia y hasta el último centavo de cada espectador.

Partir

Una película llena de pasión y locura protagonizada por la inglesa Kristin Scott Thomas y el español Sergi López. Nos narra la historia de Suzanne una mujer de clase media alta, esposa y madre de familia que vive una vida normal al sur de Francia. Cuando decide volver a montar un consultorio para su profesión se enamora de Iván, uno de los obreros, y lo que en un principio parece un desliz pasajero se transforma rápidamente en una obsesión por la cual Suzanne lo abandona todo si medir las consecuencias, y lo que se pensaba era una historia de amor y libertad, se derrumba cuando el esposo ofendido usa todas sus influencias en una guerra de humillación y poder, que da como resultado el retorno a casa de ella y un desenlace en el que todos pierden.

La historia es desarrollada de forma sencilla con el clásico esquema de novela europea (el triángulo amoroso). Los personajes son bien definidos y aunque Iván es el amante, realmente el peso de la pasión es Suzanne que sin una razón mayor a la de su propio placer arrastra su familia y a Iván al desastre.
La cinta agrada por su fotografía y ambientación, dejándonos conocer parajes hermosos del sur de Francia y Cataluña donde la pareja de amantes da rienda suelta a sus emociones y aunque es una película con varias escenas eróticas, es mucho más fuerte el drama como hilo conductor.
Bajo la superficie de la cinta también podemos saborear un poco de la Europa actual, de su situación económica de la cual España lleva la peor parte, de la mezcla de idiomas y de la vida del inmigrante, en este caso no de un inmigrante foraneo sino de los mismos comunitarios que van de un país a otro.
Una historia de reflexión sobre el matrimonio, la libertad, la pasión. Sobre medir las prioridades y sobre como un capricho puede terminar en tragedia.

El Placer siempre Vuelve

Hola, Placeres Privados retorna luego de unos meses de inactividad y vuelve con algunos cambios que espero les agrade, integrado de mejor forma a las redes sociales y con las últimas noticias y tops de Rotten Tomatoes, la red más importante de crítica de cine.

Durante estos meses han pasado cientos de películas en cine y DVD que por falta de tiempo no serán referenciadas, pero a continuación les recomiendo algunas que no se pueden perder:

Shutter Island es un thriller psicológico dirigido por Martin Scorsese y protagonizado por Leonardo Di Caprio, sobre un hombre que debe resolver un misterio para descubrir su pasado.

Séraphine nos narra la increíble historia de la pintora Séraphine de Senlis, quien siendo una mujer madura fue descubierta por Wilhelm Uhde y de sirvienta pasó a ser una pintora reconocida, no solo por la belleza de sus obras sino por sus técnicas en las que utilizaba materiales naturales, pero cuya vida estuvo siempre marcada por la soledad y la locura.

Precious, la dramática vida de una joven negra, obesa, madre prematura, pobre, violada por su padre, embarazada y contagiada de sida en la sociedad de los 80`s, un canto a la vida y al optimismo, con excelentes actuaciones de todo su elenco y que le significó a la comediante Mo'Nique el reconocimiento mundial por su papel como la despiadada madre de Precious.

Die Welle (La Ola), cinta alemana basada en una historia real ocurrida en Estados Unidos sobre un profesor que convierte su clase en un experimento social en el que pretende demostrar lo fácil que sería que en Alemania volviera a imperar la autocracia, experimento con consecuencias fatales.

Celda 211, una de las mejores cintas de acción española que he visto, narra la historia de Juan Oliver, un funcionario inocente que se ve envuelto en un motín carcelario, en el que lo perderá todo pero descubrirá su verdadero yo.

Los hombres que no amaban a las mujeres. La primera cinta de la saga Millenium, sobre un escritor que junto a una Hacker de oscuro pasado, tratan de resolver el misterio que atormenta a una de las familias más poderosas de Suecia, una cinta misógina llena de fuertes escenas y una trama poderosa.

Mi Villano Favorito es talvez la mejor cinta animada para 3D que he visto, de esta nueva ola que inunda nuestras carteleras, aunque al escribir esto no he visto Ga'Hoole. Realmente se destacan sus escenas que aprovechan al máximo esta tecnología, así como sus personajes bien definidos y una historia llena de momentos hilarantes.

Y para finalizar García, una cinta colombiana protagonizada por Margarita Rosa de Francisco y el mexicano Damián Alcazar. Una historia sencilla, de contexto popular que nada ente el misterio policial y la comedia, que se nutre en la infidelidad y la avaricia y que termina en tragedia.

The Lovely Bones

Peter Jackson durante su pelea con New Line por las ganancias del Señor de los Anillos, decidió trabajar en dos proyectos, el primero fue King Kong y luego esta cinta basada en un libro del mismo nombre.

Es 1973 y Susie Salmon, una adolescente con muchos sueños y esperanzas en el amor, la fotografía y sus estudios, es cruelmente asesinada por su vecino George Harvey, quien guarda su cuerpo en una caja fuerte dentro de su propia casa. En ese momento comienzan dos historias paralelas: la de Susie quien queda atrapada en una especie de purgatorio desde el que puede ver como crece su familia, como esta se ve afectada por su muerte y como su asesino nunca es atrapado; pero a la vez otra historia en la que su padre y hermana no cesan en la búsqueda de la verdad.

La cinta cargada de efectos especiales en las escenas del cielo/purgatorio es un poco floja en su ritmo el cual es afectado de forma desproporcional por el exagerado uso que hace Jackson de la cámara lenta, que de habérsela ahorrado la película no habría alcanzado las dos horas.
La recreación de la época, la edición y efectos especiales tienen el sello perfeccionista de Jackson, las actuaciones son muy buenas en especial las de Saoirse Ronan como Susie Salmon y Stanley Tucci como el taimado asesino en serie George Harvey, actuación que le valió varias nominaciones a premios. También destacables Mark Wahlberg como el incansable padre de Susie y Susan Sarandon como Lynn, su divertida abuela, la única que queda rezagada es Rachel Weisz como la madre de Susie en un rol bastante apocado.

Es extraña la selección de Jackson para la dirección de esta historia, un director que nació en el terror y que se inmortalizó en la acción épica. The Lovely Bones es tal vez su primer ensayo dentro del género dramático y es notable que fue un ejercicio fallido ya que nunca ahonda en la reflexión espiritual, que es el verdadero objetivo del libro y toda la historia queda reducida a un thriller policiaco, con diálogos de segunda y el desperdicio de un excelente elenco que hizo su mejor esfuerzo.

The Lovely Bones, cuya espantosa traducción al español fue Desde Mi Cielo, intenta ser una cinta reflexiva sobre el significado de la muerte, el duelo y el crecimiento, termina siendo otra historia más de asesinato y venganza.

Up In The Air

Esta es la primera de las nominadas a los Oscar 2010 que veo. Cinta dirigida por el ya nominado Jason Reitman (Juno), que trata la historia de Ryan Bingham (George Clooney), un solitario hombre con una vida totalmente consumida por el trabajo, un trabajo que consiste en viajar por todo Estados Unidos despidiendo gente. La cómoda rutina de independencia y sofisticación que promulga este hombre se ve interrumpida cuando la joven ejecutiva Natalie Keener, llega a la empresa e impulsa un plan de reducción de costos haciendo que todos los despidos se hagan vía online. Bingham ve amenazado su estilo de trabajo y se muestra en contra de la iniciativa. El decide mostrarle a la joven de que se trata el trabajo que siempre se ha hecho y la lleva a uno de los toures, en este recorrido lo que ella descubre es que eso no es lo que quiere hacer. en su vida Durante el viaje Bingham se involucra sentimentalmente con una mujer aparentemente igual a él y tal vez influenciado por el sentimentalismo de Keener, se arriesga a vivirlo sin importar las consecuencias. Esto se agudiza cuando viaja con esta mujer al matrimonio de su hermana, situación en la que descubre sentimientos y se expone a ellos vulnerando su propia filosofía, exponiéndose al dolor y la decepción.

Una historia muy simple pero interesante que lamentablemente es presentada con una total falta de ritmo, pero con muy buenas actuaciones de las dos coprotagonistas y un George Clooney tan aburrido como solo él puede serlo. Una buena producción, un tono gris en el ambiente que acompaña perfectamente a este solitario ser y una banda sonora interesante y popular.

La historia nos muestra una realidad social que aunque podemos creer distante, la vivimos a diario en las urbes, solo que para Bingham es además su propia elección, una elección en la que se siente cómodo y por la cual puede interpretar el mundo a su gusto.

Interesante las nominaciones a actriz de reparto de Vera Farmiga y Anna Kendrick, las dos coprotagonistas de la cinta, con papeles muy normales pero muy bien ejecutados. Obviamente no pudieron frenar el impulso con el que venía Mo'Nique, con su fuerte papel en Precious, pero a mi gusto es muy interesante que la academia tome en cuenta actuaciones medidas y normales ya que para sobresalir requieren un esfuerzo mayor, eso si jamás entenderé la nominación de Clooney con una interpretación afectuosa pero intrascendente.

Where the Wild Things Are

Tal vez esta historia no tiene mucha acogida en Latinoamérica porque el libro en el que se basa es 100% norteamericano y no es muy común su lectura entre niños de esta parte del continente, pero además está el tema central de la cinta que es la ira, lo que convierte a la película no en una pieza de entretenimiento infantil sino en una visión adulta de la niñez y un análisis psicológico de la psiquis del niño preadolescente. Lo anterior puede sonar muy aburrido y créanme este percepción se plasma en la cinta misma que tiene un ritmo muy lento, una cinematografía muy oscura y una temática entre absurda y profunda.

Max es un niño de 9 años solitario y muy aburrido, que reacciona con mucha violencia y descontrol ante diferentes situaciones. Luego de una discusión con su madre escapa de casa, encuentra un bote y emprende una travesía que lo conduce a una isla donde viven unas criaturas gigantes. Cada una de estas posee su propia personalidad y es notable el conflicto entre ellos. Max para no ser comido por las criaturas les dice que el es un rey que les traerá armonía y aunque en un principio las cosas funcionan, todo se saldrá de control y Max descubrirá poco a poco el porque de las cosas.

Una cinta muy interesante pero al mismo tiempo aburrida y poco creíble, con una producción bastante regular, sobre todo en lo que concierne a las criaturas, que son básicamente trajes grandes como los de cualquier promoción de producto, poca sensibilidad en sus facciones y unas bocas que hablan mucho pero nunca se mueven y los espectadores tenemos que adivinar quien está hablando.

Where the Wild Things Are es una historia con mucho potencial, que generó mucha expectativa en Estados Unidos pero que aunque interesante, cuando las luces se encienden solo queda un sinsabor evidente.

The Rebound

Cuando una cinta de 97 minutos se hace eterna es porque algo no está funcionando bien y eso pasa con esta comedia romántica que realmente es poco cómica y si muy dramática.

Sandy (Catherine Zeta-Jones), una acomodada ama de casa descubre la infidelidad de su esposo y sin mediar palabra decide llevarse a sus dos pequeños hijos a la ciudad y buscar trabajo. Allí encuentra a Aram, un joven deprimido, fracasado y sensiblero que le ayuda con sus hijos. Aram, quien ha vivido una relación tormentosa con su anterior pareja, no sabe que quiere de la vida y descubre en su trabajo como niñero y en su relación con Sandy la catarsis que necesita para volver a sentirse bien. Poco a poco se entablará una relación entre los protagonistas que termina luego de que Sandy crea que está embarazada, esta situación la hace reflexionar concluyendo que la relación con un hombre menor 15 años es absurda. Años después el destino vuelve a juntarlos de manera sorpresiva.

Una película donde el personaje principal no es el eje de la historia, donde el género es confuso, donde los personajes secundarios no aportan, donde las pocas situaciones cómicas rayan en lo absurdo y donde definitivamente no hay nada que comentar al final de la función, hablan de un proyecto con una mala ejecución. El problema más grande es que las cosas buenas, que definitivamente las tiene, están desagregadas y en ningún momento resaltan: la historia es buena y por momentos profunda, esta toca temas de conocimiento personal, madurez y descubrimiento tratados desde una perspectiva muy humana y realista. Las actuaciones son buenas, salvo por los roles secundarios que son totalmente caricaturescos. La música, muy bien escogida es un complemento perfecto a una buena edición.

Sin embargo el vacío es grande, la falta de ritmo manifiesta y el aporte totalmente inexistente. Mi segunda vez, como se titula en español, es una cena bien servida pero sin ningún sabor.

The Princess And The Frog

6 años tuvieron que pasar para que alguien en Disney se decidiera a realizar un proyecto con técnica de animación clásica, el temor por el rechazo o ser aplastados por la ola de 3D que azota el mundo cinematográfico eran las mayores causas. Y es que mirando los últimos movimientos de la empresa como fusionarse con Pixar, comprar a Marvel y eliminar a Miramax no hay que ser un genio para adivinar que simplemente la empresa se mueve para donde las tendencias se mueven y que todo aquello menos popular será descartado. Pues bien, los señores Ron Clements y John Musker fueron los encargados del proyecto, eso si bajo la batuta del ahora todo poderoso ejecutivo John Lasseter, creador de Pixar.

La historia es muy simple, una repetición de la historia de cualquiera de las otras chicas Disney: una joven de clase baja, con un gran corazón que lucha por cumplir sus sueños y que termina conociendo al amor de su vida (un príncipe que por hechizo se convierte en sapo) mientras sortea cientos de aventuras y lucha contra un malvado enemigo. Simple, ¿no?

Hay que ser honestos y decir que la historia además de simple es muy rosa, tal vez una de las más inocentes que he visto. New Orleans de principios del siglo 20 es el lugar en el que se contextualiza la trama utilizando todos los elementos más conocidos de su cultura negra, en especial la magia negra y la música Jazz. Es este punto el diferencial con otras historias similares, ya que la princesa Tiana se corona como la primera protagonista de raza negra que promueve Disney.

Sobre el estilo de animación, aunque en general es de técnica tradicional, utiliza, al igual que en Kungfu Panda, diferentes estilos dependiendo del contexto, siendo para mi la más espectacular la usada en las secuencias de Jazz. Y es que la música es la gran protagonista y la responsable que no nos venza el sueño debido a la extensa y totalmente innecesaria duración de la película en especial para un espectador de mi tipo que muy poco disfruto de los animales parlanchines y los ojos redondeados típicos de Disney.

Una cinta bonita pero poco trascendente, que sin embargo es un refrescante y original oasis en medio de ese cada vez más evidente desierto creativo dominado por nuestro amigo el 3D.

Sherlock Holmes

Al parecer Guy Ritchie quería sacudirse de ese bloqueo creativo que mantuvo durante todos sus años de relación con la super estrella Madonna y es que Ritchie era lo más parecido a un músico de los que llamamos One hit wonder, que solo pegan una canción y luego se diluyen en el tiempo.
Pero Ritchie, fiel a su tradición de cineasta pendenciero volvió y esta vez nos trae una versión interesante pero subjetiva del detective Holmes. Y es que esta faceta del célebre personaje se parece más a una reproducción inteligente y un poco más sofisticada del personaje de Brad Pitt en cerdos y diamantes que a aquel personaje de la Inglaterra victoriana... Si es Sherlock Holmes pero con un nuevo lema: si no puedes resolver los crímenes con lógica resuélvelos sin camisa y a los golpes.

A mi modo de ver Guy fue muy sagaz o muy suertudo al lograr que fuera Robert Downey, Jr. quien se apropiara del papel, ya que realmente el peso de la trama lo lleva él y no solo eso sino que fue el responsable de dar veracidad a esta nueva etapa del personaje y digo nueva porque claramente pronto veremos por lo menos una secuela.

Y fuera de Downey que más hay? un buen ritmo, algo muy importante en una historia de misterios y detectives. El arte aunque a veces me parece sofisticado es muy bueno, e tono gris azulado es útil en la creación de una atmósfera londinense. Las demás actuaciones están bien sin ser nada del otro mundo, Jude Law luce apropiado como el doctor Watson pero también es muchas veces opacado por la versatilidad de Downey. De lo que si carece la cinta totalmente es de antagonistas, que según la tradición deben ser hombres tan o más inteligentes que el propio Holmes, pero la verdad fueron rivales aburridos y de segunda.

Lo que queda es la satisfacción de una historia refrescante y bien contada pero el temor de que la secuela esté a la altura del buen detective.

Zombieland

Y ya para finalizar este terrorífico ciclo, una comedia de acción y zombies, la muy divertida Zombieland. La cinta es una burla a las películas de zombies, tal como lo fue la comedia británica
Shaun of the Dead (ambas diferentes y ambas entretenidas), y porque no un homenaje al cine cómico y de terror, sobre todo a los cazafantasmas.

El argumento es interesante pero nada del otro mundo, lo realmente hilarante son los pequeños detalles del guión, como la introducción de la cinta en la que el personaje principal, Colombus (Jesse Eisenberg) que narra como ha sobrevivido al holocausto zombie gracias a unas reglas que él inventó, también el que los personajes no tengan nombres reales, los diálogos inteligentes y genuinos, el look de Tallahassee (Woody Harrelson, casi recordándonos a Mickey Knox), los pequeños encuentros con zombies, la historia del primer contacto de Columbus con los zombies y de las estafas de Wichita y Little Rock, entre muchos otros.

Columbus, un inseguro y debilucho joven, ha sobrevivido varios meses el terrible holocausto zombie, gracias a un manual de reglas psicorígidas. Cuando decide ir a buscar a sus padres, se encuentra con Tallahassee un buscapleitos que odia a los zombies, juntos emprenderán un viaje en el que encontrarán a Wichita y Little Rock, dos hermanas estafadoras que siempre hacen quedar mal a los dos hombres y por su puesto deberán enfrentar a un montón de zombies hambrientos.

Sobre la producción es muy buena, la música, los escenarios y sobre todo la introducción son de gran factura. Las actuaciones caen muy bien en especial las de los actores masculinos, también es interesante ver a Abigail Breslin como una linda adolescente ya que hasta hace poco la recordábamos por ser la pequeña miss sunshine.

Litros de sangre, buena música, mucha acción, pero sobre todo montones de carcajadas es lo que nos deja esta película que hace un muy buen esfuerzo por entretener de forma diferente.

Martyrs

Bueno y siguiendo con mi jornada de terror de principio de año, tenemos esta sorprendente película francesa; y digo sorprendente porque los franceses realmente no son muy cercanos al género del terror y tal vez sea uno de los países grandes de Europa de los que nunca había visto una producción del género, a diferencia de ingleses, alemanes, italianos, daneses que han disfrutado con la sangre y las cuchilladas desde los inicios del cine y últimamente españoles y rusos que se han unido a la causa.

Mi primer contacto con la cinta fue a través de Amazon, donde estaba con un buen descuento y quería comprarla pero una voz me dijo: No, esa cinta nadie la conoce, para que comprarla. Pues dejé a un lado el antojo y me abstuve, para meses después encontrar información sobre la cinta, casi siempre con calificaciones positivas y elogios, tanto para esta película como para otra llamada À l'intérieur. El arrepentimiento fue inmediato, pero lamentablemente en Colombia la cinta NO existe, así que opté por el desesperado y último recurso de los amantes del cine: “Descargarla por la web” (señores no hagan esto en casa, ni en la oficina porque según el papa Benedicto, la piratería es uno de los nuevos pecados que incluyó en su catecismo y no me gustaría que se fueran al infierno por mi culpa, y según el FBI, hasta prestar una cinta de nuestra propiedad es un delito, vea pues).
Aunque la búsqueda no fue fácil, finalmente la encontré y afortunadamente con subtítulos. La vi dos veces seguidas ya que la primera vez la disfruté tanto que realmente no la analicé; lo primero que puedo decir es que la cinta además de ser de terror, es de una violencia y un sadismo extremo, algo que no es nuevo en el cine francés del que hemos podido ver cintas perturbadoras como Viólame o Irreversible y definitivamente es la cinta sobre martirización, más profunda que he visto incluso por encima de algunas asiáticas que hasta ahora tenían la bandera.
Pero más allá de lo gore, la cinta es bastante hermosa, la producción y fotografía son sencillas pero efectivas y las actuaciones desesperantes pero justas.

La historia está dividida en 2 partes claras, la primera podría llamarse de liberación y la segunda de sacrificio. La película comienza con la pequeña Lucie, huyendo de lo que aparentemente era un sitio de tortura y con signos evidentes de maltrato y degradación física. Ella es puesta en un orfanato en el que conoce a otra niña, Anna, la única persona con la que Lucie realmente logra hacer contacto y mantener una relación de amistad. Anna por su parte siempre ayuda y encubre a Lucie, tratando de que supere sus traumas que están encabezados por el alma de una mujer que tortura y hiere a Lucie cada vez que quiere.
15 años después Lucie ingresa a una casa de una familia acomodada y asesina a toda la familia segura de que la pareja de esposos, fue la causante de su tortura y de que matándolos calmara su sufrimiento. Anna quien no está segura de que lo hecho por Lucie sea lo mejor, pero que espera la alivie de su dolor, ingresa a la casa y se horroriza con lo sucedido, además todo parece haber salido mal ya que a pesar de lo hecho el ser sigue atormentando a Lucie incluso con mayor violencia. Anna descubre que la madre de la familia sigue aún con vida e intenta ayudarla pero cuando Lucie se da cuenta la asesina de forma brutal, en ese momento el ser se congratula con Lucie y esta se suicida liberando su dolor. Anna cada vez más consternada limpia el cuerpo de Lucie y trata de ocultar los demás, mientras esto sucede descubre un pasadizo que conduce a una escalera y luego a unas recámaras especiales en el sótano de la casa donde encuentra a una joven desnuda, torturada, encadenada a una silla y con un artefacto clavado a su cabeza que le impide ver, ella la saca e intenta ayudarla, pero un grupo de seguridad entra y mata a la joven, entierran los cuerpos, interrogan a Anna, y la esposan sin explicación. Un rato después una mujer misteriosa entra y habla con Anna quien se encuentra en shock, le explica que luego de muchos intentos descubrieron que solo las mujeres jóvenes y decididas logran sobrepasar el dolor y hacer contacto con Dios. Que son unos seres escasos pero necesarios para entender lo que sucede después de la muerte y que el único camino hacia dicho éxtasis es la martirización. Luego de esto la mujer se va y Anna es esposada a la misma silla de la joven, a la casa se muda una nueva pareja y comienza la tortura, durante muchos días ella trata de resistirse, pero luego entiende que se debe entregar, una entrega que culminará mucho peor que cualquier cosa imaginable.

Jennifer's Body

Bueno, esta es la cuarta película de terror que reseño de las vistas en el nuevo año y al igual que las otras tres el peso de la historia recae sobre las mujeres, en este caso en dos mujeres muy lindas: Anita, interpretada por la talentosa Amanda Seyfried y Jennifer, por la muy sexy Megan Fox.

La historia que es bastante femenina y transcurre entre el horror y la comedia para adolescentes, a mi modo de ver tiene muchos bajones en especial porque al igual que en la serie Twilight, nos muestra un mundo adolescente demasiado estúpido y en este caso es peor ya que el personaje de Fox es totalmente decadente, vanidoso y superfluo, pero incrementado a la máxima potencia por una muy mala interpretación de esta actriz quien básicamente hace de una devoradora y tonta bomba sexy.
Lamentablemente hay que decir que si bien, Diablo Cody se ha anotado muchos goles en su carrera como escritora, esta vez se pifió de principio a fin: la historia, los diálogos y en especial el enfoque del personaje Jennifer son totalmente mal manejados, ligeros y llenos de clichés.

A pesar de sus diferencias, Anita, una nerda, linda pero asustadiza y tímida chica y Jennifer, la escultural y provocadora cheerleader de la secundaria, son las mejores amigas desde la infancia, manejando una relación de dependencia que raya en la obsesión. Pues bien, una noche Jennifer convence a Anita de ir a ver la presentación del desconocido grupo de Rock Low Shoulder a un bar en las afueras de su pueblo, durante el evento sucede un incendio, del cual logran escapar pero en el que mueren muchas personas. Al salir de allí Jennifer decide irse en la camioneta junto con los miembros de la banda, quienes al parecer tienen algo planeado para ella y Anita regresa sola a casa muy preocupada. Horas más tarde una Jennifer totalmente ensangrentada y poseída visita a Anita, se torna violenta y vomita una especie de aceite negro lleno de agujas, luego desaparece. Anita queda absorta con lo ocurrido y mientras ella parece destrozada, al otro día se encuentra en la escuela a una muy radiante, sensual y sarcástica Jennifer. Desde entonces comienzan a suceder unas extrañas muertes de jóvenes que son hallados desmembrados y con partes de su cuerpo que han sido comidas. La explicación es que la banda quiso realizar un sacrificio al diablo y de esta forma obtener éxito en su carrera, pero para tal ritual debían utilizar una mujer virgen y Jennifer no lo era, lo que hizo que el resultado del ritual cambiara y el demonio quedara atrapado en el cuerpo de Jennifer, este debe comer periódicamente carne humana para no debilitarse, y es por esto que caza a los jóvenes del pueblo, sin embargo su propia conciencia sigue siendo la del ser que habita y es por esto que siendo Jennifer una joven promiscua, es el sexo la herramienta que utiliza el demonio para acercarse a sus víctimas. Luego de esto comienza una batalla de situaciones entre las dos chicas, por la cual Ana tendrá que transformar sus sentimientos y en la que ninguna saldrá victoriosa.

Sinceramente aunque la actuación de Seyfried es bastante buena, el resto de la cinta es tan deplorable que lo único que queda para el recuerdo es la muy interesante banda sonora repleta de grupos nuevos o underground.

The Box

Aunque nos han vendido a The Box como una historia de terror, realmente nos encontramos con una mezcla de misterio y ciencia ficción. Al verla uno solo puede pensar que hay historias muy interesantes pero muy mal contadas. Lo más interesante de la cinta es que aparte de tener una muy buena producción artística y musicalización, la intriga sucede durante toda la película, aunque creo que muchas veces no es intriga sino confusión ya que es muy difícil entender la trama real, hasta mucho más allá de la mitad de la historia.

Durante los años 70's una pareja joven y exitosa, conformada por Norma, una bella profesora (Cameron Díaz) y Arthur, un científico de la Nasa que aspira a astronauta, ve como el destino les empieza a ser adverso y como su futuro económico puede estar comprometido. Durante dicha crisis una noche reciben un misterioso paquete que contiene un artefacto: una caja de madera con un botón rojo en la parte superior. En la tarde del día siguiente un misterioso y deforme hombre llamado Arlington Steward, llega a la residencia con un maletín y le hace una propuesta a Norma que consiste en que si ella o su esposo presionan el botón en un lapso de 24 horas, recibirán un millón de dólares en efectivo (el dinero que lleva en el maletín, pero que cuando lo opriman alguien que no conocen morirá. Si a las 5 del siguiente día no han apretado el botón simplemente le hará la oferta a otra familia. Luego de mucho discutirlo y de revisar el artefacto, por un impulso Norma acciona el botón, en ese momento, no muy lejos de ahí, una mujer muere por un disparo.
En la tarde el señor Arlington regresa y entrega el dinero, cerrando así el trato, aunque ellos no querían aceptarlo por remordimiento. Desde ese momento la pareja de esposos junto con su pequeño empezarán a sufrir una serie de situaciones que cada vez más los convence del error que cometieron, así de que todo lo que está pasando es una conspiración de grandes proporciones de la que nada bueno ganarán. La historia se sigue desarrollando entre el misterio policial, situaciones absurdas, mucho drama y ciencia ficción, con la única seguridad de que Norma y Arthur pagarán por su culpa.

Las actuaciones son decentes, Cameron Díaz tan hermosa como siempre aunque en un papel muy diferente al que nos tiene acostumbrados y la imponente presencia de Frank Langella como el señor Arlington, quien es la clave de todo lo que sucede.

The Box es una cinta con muy poco ritmo, con un libreto que falla y se enreda con frecuencia, interesante para ver en una tarde de domingo, pero que defrauda y no cumple sus expectativas.

Antichrist

El año pasado en el festival de Cannes se midieron pulso a pulso dos de los más consentidos directores de dicho festival, nada menos que el austriaco Michael Haneke con su producción The White Ribbon (cinta que esperamos sea exhibida pronto en Colombia) y el Danés Lars von Trier con Antichrist (que tampoco ha sido estrenada pero tuve la fortuna de ver). Ambos directores siempre caracterizados por ser polémicos, por desarrollar cintas oscuras y difíciles de digerir, pero también por ser grandes innovadores y perfeccionistas.
El ganador obviamente fue Haneke quien se llevó la Palma de Oro, pero el ganador en los medios fue von Trier ya que su película fue una fuente de polémica absoluta, debido a su perturbador desarrollo.

La historia es sobre El y Ella, una pareja de esposos que pierden a su pequeño hijo quien cae por una ventana mientras ellos hacen el amor, y debido al trauma que esto genera en ella, él, que es un reconocido psiquiatra, sugiere una terapia de exposición en la que ella debe enfrentar su mayor miedo, que al parecer es el bosque y específicamente una cabaña llamada Edén, en la que ella realizó su tesis de especialización que trataba el tema de la violencia contra las mujeres. Al principio ella parece estar superando su temor pero el bosque y los temores interiores representados en los tres vagabundos: el ciervo, el cuervo y el zorro, la convierten poco a poco en un ser insaciable de sexo y violencia y totalmente destructivo. El comienza a descubrir que mientras ella llevaba a cabo su tesis investigó sobre cacería de brujas, misoginia, oscurantismo y que sus escritos poco a poco se hacían más violentos y desordenados, también descubrió unas radiografías donde se veía una deformidad que su pequeño hijo tenía en los pies de la cual él no sabía y fotografías de ella y el niño donde este tenía los zapatos cambiados de pie, lo que indicaba que la deformidad había sido inducida por ella. En su investigación de tesis ella concluye totalmente convencida que la mujer es un ser maligno.

En un ataque de desesperación en el que piensa que él la va a abandonar, ella lo ataca, rompe sus testículos e inconsciente lo masturba hasta que él eyacula sangre, luego con un taladro agujera una de sus piernas y le atornilla una pesa para prevenir un escape. Al despertar él trata de escapar pero es nuevamente hallado por ella, quien lo lleva a la cabaña y lo ataca con unas tijeras con las que posteriormente se automutila cortándose el clítoris. Ella le había predicho a él momentos antes que cuando los tres vagabundos se junten alguien deberá morir; en un momento de silencio y mientras él intenta quitarse la pesa, el ciervo, el cuervo y el zorro entran a la cabaña desencadenando un final entre trágico y surrealista.

Narrativamente la historia está dividida en un prólogo, 4 capítulos y un epílogo, cada uno con su propia estética y tratamiento. La edición, fotografía y dirección artística son impecables, la gran cantidad de situaciones surrealistas e incluso las grotescas escenas de sexo y violencia tienen el mejor tratamiento visual. La perturbación a la que se expone el espectador es gigantesca, es un terror sin escape, sucio pero bello, las actuaciones de Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg son desgarradoras, entregadas y profundas. La temática confusa y abstracta pero con base en el dolor en todas sus formas es finamente expresada en algunos capítulos y violentamente impactante en otros.

Esta cinta no es para disfrutar, es una obra maestra del horror en sus formas más crudas y no la recomiendo para personas muy sensibles. La polémica que suscitó está bien ganada y fue tal que el jurado de Cannes le dio un anti-premio, llamándola la película más misógina de su director (el cual ya había sido acusado de expresar odio hacia las mujeres en varias de sus anteriores obras), sin embargo esta decisión enfureció al director del festival que la calificó de censura. Por otra parte Gainsbourg ganó el premio a mejor actriz con su interpretación entre sádica, insaciable y traumada.

Antichrist definitivamente es una buena cinta, muy difícil de interpretar, llena de dolor desde su concepción ya que von Trier sufría de depresión clínica mientras escribió el guión y durante gran parte de la filmación. Una cinta no apta para todos y que tal vez despierte más odios que alabanzas, pero que sin dudar goza de una belleza irrepetible en muchos de sus aspectos.

Paranormal Activity

Que mejor que empezar el 2010 con una costalada de películas de terror en todos sus formatos posibles: comedia de horror, misterio, acción, ciencia ficción, etc.

Y empezamos con la renombrada y exitosa Actividad Paranormal que casi 3 años luego de finalizar su producción y luego de varias reformas sugeridas por Steven Spielberg por fin pudo ver la luz en las carteleras mundiales. Hay que empezar por decir que el éxito de esta cinta es impresionante, teniendo en cuenta que a duras penas gastó 15000 dólares en su producción y que ya se acerca a los 150 millones de dólares en ganancia. Obviamente el grueso de este acumulado proviene de Estados Unidos y es debido a dos ingredientes: el primero es que el terror que se propone en la cinta no es para todo el mundo, en países donde vivimos el terror a la vuelta de la esquina y en todos los titulares de prensa, lo que muestra la cinta a duras penas nos da risa, pero en un cultura del miedo como la norteamericana y sobre todo del miedo a lo improbable es lógico que esta cinta logre su objetivo principal que es el de asustar. El segundo punto es que la campaña publicitaria es muy efectiva, casi engañosa, ya que nos presenta esta cinta como la más aterradora de la década y en los trailers, la edición está muy bien realizada para convencer al espectador de asistir a un teatro y dejarse asustar.

La propuesta del señor Oren Peli es novedosa, no cae en los clichés que tanto han degradado al género y definitivamente no se puede dejar de reconocer todo el esfuerzo que este hombre realizó para sacar un producto decente, teniendo en cuenta las limitaciones de presupuesto, tanto así que la cinta se grabó en su propia casa y no tuvo guionista, es más, nunca hubo guión, solo argumento.

La técnica utilizada del Found Footage, no es original, tanto en Hollywood como en producciones independientes se ha utilizado numerosamente y la podemos recordar en cintas como The Blair Witch Project, Cloverfield y hasta en la ya clásica Holocausto Caníbal, aquí es bastante bien utilizada y es una buena base contextual para el argumento, el cual nos cuenta la historia de Katie y Micah, una joven pareja de novios que se acaban de mudar juntos. Katie toda su vida ha tenido que lidiar con experiencias sobrenaturales y está segura que un espíritu ha acosado desde siempre. Micah, aunque escéptico decide ayudarla a solucionar su problema y cree que como la mayor parte de las manifestaciones suceden en la alcoba principal, sería una buena idea instalar una cámara que grabe toda la actividad que pueda suceder mientras duermen. Como vemos la película en teoría son las grabaciones que hallaron las autoridades sobre lo ocurrido en la casa, y básicamente nos muestra todo lo que fue grabado incluso en el día, bromeando, en escenas íntimas o rutinarias de la vida en pareja. En un principio el espíritu se manifiesta de forma tímida e incluso muchas noches no aparece, pero debido a la cámara y a las constantes provocaciones por parte de Micah, cada vez se vuelve más violento y es notable la influencia que tiene en el comportamiento de Katie a quien parece querer poseer, un factor que a veces funciona a favor de la cinta y otras en contra es el desespero, ya que noche tras noche se espera que pase algo interesante, pero son muy pocas las veces que algo sucede. En el último tercio la cinta se torna un poco más desesperante y tras un par de muy buenas escenas todo termina trágicamente.

Es indiscutible que la idea general es muy buena, pero definitivamente la pobreza en la producción, el relleno de montones de escenas donde no pasa nada, de diálogos improvisados y de algunos personajes que no tienen ninguna trascendencia, la tornan muchas veces risible y otras aburrida. Para un espectador colombiano, a diferencia de un norteamericano, no logra su objetivo de asustar pero si el de desesperar, no en una manera visceral sino con el afán de que se acabe pronto.

Una buena idea independiente pero con muchas deficiencias en su realización y con un resultado apocado, pero convertida gracias a los medios en un éxito comercial indiscutible. Hay que verla sin lugar a dudas pero no hay que esperar mucho o la decepción será mucho más aterradora que la cinta.

La Visita De La Banda

A mediados del 2009 se presentó en los teatros colombianos la hermosa cinta israelí del 2007, La visita de la banda, una sorprendente pero sencilla pieza de humor y drama, cuya base argumental es muy básica y su temática casi inexistente.

La banda ceremonial de la policía de Alejandría, Egipto, es invitada a un festival de bandas en Petah Tiqva, Israel. Luego de llegar a Tel Aviv y debido a un engaño toman el bus equivocado y terminan arribando a un pequeño, aburrido y casi deshabitado poblado llamado Bet Hatikva, al no haber bus de retorno y gracias a la generosa iniciativa de una misteriosa pero sensual tendera llamada Dina (Interpretada por la muy hermosa Ronit Elkabetz), el coronel Tawfiq Zacharya y su banda deciden pernoctar en el pueblo, siendo repartidos en diferentes casas. La historia se centra entonces en Dina y el coronel, dos seres solitarios que comparten una noche de experiencias y autoconocimiento.

El humor y los diálogos finos e inteligentes salpican una edición sobresaliente, de la que se destaca una fotografía y música que buscan exhibir el alma de los protagonistas en cada primer plano. La soledad como tema central de la cinta es reflejada en toda la producción, desde las tomas desérticas, los paisajes desolados, la fría oscuridad nocturna, así como en cada una de las interpretaciones: desde sus miradas hasta los frecuentes silencios. La cinta de transcurrir lento nunca es aburrida y las situaciones entre absurdas y dramáticas, son bastante graciosas.

Una noche inolvidable que sucede por culpa de una equivocación, una pieza de arte deliciosa y sencilla que no se equivoca ni en el más mínimo detalle, una cinta que con más de 20 premios internacionales merecidamente ganados, nos dice que el buen cine siempre aparece en el rincón que uno menos espera.

Avatar

Decir que Avatar no es visualmente exquisita y sorprendente sería falso, decir que su ritmo, arte y efectos no la hacen demasiado entretenida también sería falso, pero lo que si sería definitivamente una mentira es decir que es una historia original y trascendente. El mismo Cameron confiesa que su historia se ha basado en otras, especialmente Selva Esmeralda y Danza con Lobos, y es que la similitud con esta última raya en la vil copia. Pero obviamente lo que más disfruta un espectador en Avatar no es la historia que de todas formas es inteligente y emotiva, sino el resultado de una gran producción e innovación en sistemas de filmación y efectos especiales, no por nada ya tiene la corona de ser la cinta más cara de la historia y es que Cameron estaba decidido a batir sus propios records históricos que ya poseía con la insufrible Titanic, la más cara y la más taquillera hasta el momento. Muy seguramente en cuestión de un par de semanas también conseguirá el segundo objetivo y en esta oportunidad sin que los espectadores derramen una sola lagrima ni sufran la tortura de las canciones de Celine Dion.

Aunque el eje narrativo de Avatar es el argumento de Danza con Lobos, en esta Cameron trata temas muy actuales, como la guerra, la paz, la intolerancia o ignorancia hacia otras culturas, la destrucción ambiental y la invasión de potencias a otros territorios debido a los recursos naturales.

En el año 2154, una corporación minera explota una gigantesca luna llamada Pandora, este es un planeta totalmente lleno de recursos naturales y abundante en un mineral energético que serviría para suplir la crisis energética que afronta la tierra en esos momentos. El problema es que los aborígenes, una raza de gigantes humanoides llamados Na’vi, que tienen grandes habilidades físicas y psíquicas, se oponen a la explotación y han cortado todo tipo de negociación con los humanos. Dentro de la corporación invasora existen dos facciones, una militar que se opone a la diplomacia y que simplemente apelan a tomar por la fuerza los yacimientos, y un grupo de científicos que trabajan en el proyecto Avatar y tienen como misión el conocimiento de los aborígenes y la negociación con ellos. El proyecto Avatar funciona como un medio pseudo virtual para poder visitar de forma libre el planeta, que es bastante hostil y además no posee oxígeno. Los científicos crean con el ADN de humanos, cuerpos biológicos iguales a los de los aborígenes, estos no tienen conciencia, pero cuando el humano del que fue desarrollado el cuerpo se conecta a este a través de una cápsula de hibernación, el cuerpo se anima y funciona normalmente. Jake Sully, un Marine que ha sido incapacitado por parálisis ha sido contratado para reemplazar a su hermano gemelo fallecido dentro del proyecto Avatar, ya que su ADN es igual al de su hermano los científicos buscan que pueda usar este avatar y no perder la inversión.

Jake quien no tiene formación científica, acepta el reto pero es coaccionado por el coronel Quaritch, quien le dice que si le informa de todo lo que aprende, al terminar su misión le regalará la operación para volver a caminar. En su primera incursión en el bosque y luego del ataque de varios animales, Jake se pierde de su grupo y es rescatado por Neytiri, princesa del clan Omaticaya, quien lo lleva a su tribu, la chaman del clan decide que Jake debe vivir con ellos y aprender toda su cultura y destina a su hija Neytiri como instructora. Jake se enamora no solo de la aborigen sino de la cultura y luego de la destrucción que los humanos ejercen para evacuar a los indígenas y conseguir el mayor hallazgo, él junto con el grupo de científicos y todos los clanes Na’vi, se revelan y declaran la guerra a los humanos.

Algo muy interesante y creativo es la forma como Cameron nos muestra la relación que tiene los Na’vi con su medio ambiente, ya que no es solo espiritual como sucede con los aborígenes humanos, sino que todos los seres del planeta poseen un conector que relaciona sus energías de forma física, de esta forma todo el planeta funciona como un ente biológicamente único y que actúa como una red de información en la que todos los seres intercambian datos en forma de energía y es por esto que todo el planeta es casi fluorescente y los aborígenes pueden llegar realmente a dominar todas las especies.

Creativa, espectacular, con un argumento que ya hemos visto varias veces, pero con un buen mensaje y un arte que no ahorró detalles, Avatar es una cinta imperdible que es mejor disfrutar en todo su esplendor: Imax-3D.