Lemon Tree

Una estupenda cinta Israelí sobre una hermosa mujer que toda su vida, ha vivido de los productos encurtidos en base al limón que realiza de forma artesanal, y cuyo origen es el bosque de limoneros heredado de su familia, que posee en los alrededores de su vivienda. Pues bien, esta mujer palestina verá interrumpida su hasta ahora humilde pero apacible vida cuando a su lado se pase a vivir nada menos que el Ministro de Defensa de Israel y su esposa, sobre todo cuando el servicio secreto alerta de la posibilidad de un ataque terrorista desde los árboles y anteponen un recurso para el sellamiento y la posterior tala de los árboles.

Zalma, la mujer, no se da por vencida y contrata los servicios del abogado Ziad Daud quien logra llevar el caso hasta la corte suprema de justicia israelí y llamar no solo la atención internacional, sino la de la esposa del ministro que comprende y comparte el dolor de Zalma.

Algo interesante de la cinta es que aunque obviamente la mujer palestina es la víctima/heroína, no se trata de una historia sobre el conflicto israelí-palestino en su estado político o militar, sino de las secuelas que este conflicto produce en la cotidianidad. Además nos muestra a judíos y palestinos como personas normales, que a pesar de su rol tienen sentimientos encontrados y que además pueden compartir pensamientos.

La producción es muy buena, la música es de gran factura, y la fotografía árida y conmovedora, pero más allá de la excelente historia están las fascinantes actuaciones dos mujeres tan hermosas como talentosas: Hiam Abbass (Zalma) y Rona Lipaz-Michael (Mira Navon, la esposa del ministro).

El árbol de lima es un canto a la dignidad que todos merecemos y al triunfo interno que todos anhelamos.

Tekkon Kinkreet

Una cinta animada, llena de acción, color y sobre todo imaginación. La historia de Kuro (Negro) y Shiro (Blanco), dos hermanos sin hogar que conforman la temible pandilla conocida como los gatos, que mantienen el orden en un distrito japonés conocido como la Ciudad del Tesoro, pero que serán separados al enfrentarse con la mafia Yakuza.

La película que es más que un animé y que tiene un estilo propio y depurado, trata en su argumento temas muy profundos y actuales, y también sirve como mirada crítica a la violencia urbana y como la inocencia de la niñez es tal vez la esperanza final para un mundo de dolor.

Definitivamente la dependencia psíquica y sentimental de los hermanos es el eje de la película, una dependencia que sirve a ambos para sobre vivir en un mundo que no esta hecho para dos pequeños, pero que deberán enfrentar y no darse por vencidos.

Kuro es salvaje y sanguinario, Shiro es inocente y muy sensible, ambos son el reflejo de una sociedad decadente pero que aún conserva la esperanza de un futuro mejor. Gran cinta, grandes diálogos, personajes muy definidos y un viaje lleno de color por la Ciudad del Tesoro.

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull

Hace poco una lectora del blog comentó que yo debería dejar de realizar comentarios sobre cintas de acción porque siempre las califico mal y me recomendó no verlas más porque siente que no las disfruto. Pues esta nueva película sobre el arqueólogo aventurero Jones me genera una contradicción frente a la propuesta de la lectora, ya que si disfruté la cinta, tiene bastantes escenas graciosas y el humor está focalizado a molestar a Harrison Ford (Indiana) debido a su edad, además es un humor inteligente y sano, pero dentro de la objetividad que me acomete hay que ser sincero y debo decir que es una de las peores películas que he visto en los últimos tres años, esto básicamente por lo absurdo de su argumento. Yo no concibo como el señor Lucas que es un veterano de la industria pudo siquiera considerar ese argumento como decente.

No tengo nada contra las actuaciones: Karen Allen y Harrison Ford lo hacen muy bien, Cate Blanchett no es graciosa pero hace un buen esfuerzo y Shia LaBeouf en el mismo papel de tonto suertudo y testarudo de siempre. Tampoco tengo nada contra los diálogos, menos contra la producción, los efectos no fueron los mejores pero eran pasables, el ritmo era bueno y la música emocionante... pero que horror de argumento, pasar de los nazis o tribus ancestrales a extraterrestres con esqueleto de cristal????? no hay más que comentar porque de ahí en adelante es peor.

The X-Files: I Want to Believe

Nadie puede negar que esta cinta parece más un capricho de Chris Carter que una necesidad dentro de la historia de los X Files, y aunque es un placer volver a ver a Duchovny y Anderson en los papeles que los hicieron famosos, también hay que ser sincero y decir que no hubo una razón especial ni verdadera para la realización de esta cinta más allá de la simple melancolía del señor Carter.

Yo no vi la película en cine; como fan de la serie que seguí durante 9 años me negué rotundamente a ver este film luego de leer un centenar de críticas negativas sobre la misma, también me pareció que Carter simplemente quería aprovechar la moda de las precuelas o remakes que tanto se están haciendo y que en su gran mayoría solo han servido para ganar unos cuantos dólares a costa de buenas pero ya concluidas historias.

Debido a que el canal Moviecity pasó la cinta me decidí a verla y debo decir que a pesar del sinnúmero de malas referencias que tuve, no me desagradó tanto como a otros. Puedo decir que Carter se dió el lujo de hacer un nuevo capítulo de la serie y que no explotó de forma negativa la historia, ni retornó a la línea original de la misma, la cual se usó en la anterior película y respetó que dicha trama ya se había cerrado incluso antes del último capítulo de la serie.

La Historia es un nuevo capítulo, un nuevo misterio que resolver ,un reencuentro doloroso y nostálgico de los protagonistas quienes se compenetran bien y que asumen nuevamente su personalidad veligerante: Danna profunda y cuestionadora y Mulder buscando una verdad para creer.

La cinta peca por su profundidad, por algunos diálogos que solo entendemos los seguidores de la serie, pero sobre todo por ser lenta, cosa que no pasó con la primera que podría clasificar en el género de acción. Las actuaciones en general son buenas y la de Anderson más que destacable, en cambio Duchovny no hace el mínimo esfuerzo por convencer. También es graciosa y hasta fuera de lugar la aparición de Skinner. El final es lo peor, muy pobre, no se sabe realmente el destino de los villanos ni de las víctimas rescatadas, la música es muy buena y los efectos apenas.

El rumor crece de que el señor Carter quiere hacer otra película, a mi me gustó ver ésta a pesar de sus falencias, se que a muchos no y no hacer la próxima tal vez sea la mejor decisión, solo esperemos que este misterio no dure por resolverse 6 años como en esta ocasión.

Batman: Gotham Knight

A mediados del 2008, Warner lanzó una precuela de la cinta Batman: The Dark Knight, copiando el exitoso modelo que tuvo Animatrix, donde con unos cortometrajes animados se mostraron diferentes historias sucedidas entre la primera y segunda parte, en Gotham Knight se pretendió hacer lo mismo. La cinta que nunca fue lanzada en Colombia presenta 6 cortometrajes animados por directores japoneses. Estos se enfocan en como Batman se consolida como un vengador solitario y nos muestra la profundidad de sus padecimientos y también la visión que los ciudadanos tienen de él.

Aunque todos los cortometrajes son buenos y tienen historias y estilos técnicos propios, es sin duda el primero: Have I Got a Story for You, el más diferencial, gracioso e imaginativo de todos. Este fue realizado por Studio 4°C y es inevitable hacer referencia al cortometraje Beyond que realizaron para Animatrix, también el más luminoso e imaginativo de dicha entrega, este estudio utiliza una técnica que se aleja tanto del Manga como del Comic de héroes occidental y que podemos disfrutar totalmente en la cinta Tekkon Kinkreet.

En términos generales es una muy buena recopilación de aventuras que a diferencia de Animatrix no necesitaron experimentar en argumento ni en personajes ya que pertenecen a una historia muy consolidada y de esta forma dejando a los escritores en la libertad de ahondar más en la personalidad del superhéroe y su entorno.

The Strangers

Esta cinta de terror se presentó en Colombia bajo el nombre Los Extraños, un año después de su estreno mundial, aunque fue mantenida en cartelera muy poco.
La cinta tiene lo que se podría calificar como dos frentes muy diferentes: por un lado una historia muy pobre, cliché 100% y totalmente predecible; por otro lado la cinta es dirigida de una manera extraordinaria, tanto que por muchos momentos olvidamos la deficiencia argumental y logramos asustarnos.

La historia nos presenta a una pareja de novios Kristen McKay y James Hoyt, quienes luego de una cena romántica en la que James le propone matrimonio a ella terminan con una pelea sentimental, sin embargo según lo que James ya tenía preparado, deberían pernoctar juntos en la casa de descanso de los padres de James, cuando llegan allí y luego de discutir un rato más, comienzan a presentarse ruidos y la visita de una mujer que pregunta por otra. Este es el punto de partida de una noche de terror que tendrá un desenlace trágico. Como podemos ver la historia es la misma de siempre; sin embargo el director Bryan Bertino (quien dirigió la cinta por encargo) se amarra el cinturón y no ahorra recursos para presentarnos esta historia de una forma más que decente, el manejo de cámaras, la iluminación, el manejo de sonido, la actuación, la música, la estética de los agresores y ese toque sutil pero interesante de nunca mostrarnos sus rostros, hace que la historia de Los Extraños si bien no da un gran vuelco si nos muestra la mejor cara y de gran manera ya que la cinta no hace uso de violencia gráfica sino un uso acertado del más puro terror psicológico.

La cinta de la que ya se anuncia segunda parte, tuvo relativo éxito, buena parte de este debido a la publicidad que la anunciaba como una historia de la vida real, lo cual es absolutamente falso.

El señor Bertino es un director novato que lamentablemente fue lanzado en la industria con un libreto que nadie quería, pero que supo darle forma y salir con la cabeza en alto ante tal reto, esperemos que continúe así y veamos nuevas cintas con esta buena factura.

Ice Age: Dawn of the Dinosaurs

Continuando con los llamados estrenos de verano, pude disfrutar de la tercera parte de La Era De Hielo, una saga que definitivamente en Colombia tiene muchos seguidores. La cinta que se podría tomar como la competencia directa de Up de Pixar, llegó con gran expectativa debido a que el trailer se exhibió desde octubre del año pasado; para ser sincero no me entusiasmaba demasiado ir a verla ya que sin duda en el campo de la animación ni Fox, ni Dreamworks, ni las otras cintas de Disney han podido competir con Pixar ni en genialidad ni argumento y aunque hiera susceptibilidades la primer Era de hielo me pareció solo una pálida y tonta copia de Finding Nemo, y en la segunda, si no hubiera sido por las locuras de Crash and Eddie, el sueño hubiera sido dominante.

Pues bien, Fox ha sabido cerrarme la boca, o mejor, abrírmela, ya que la cinta es hilarante de principio a fin, sin duda el gran acierto fue el nuevo personaje Buck: una comadreja realmente desquiciada.

Pensando en la competencia a pesar de que Up tiene un argumento mucho mejor y emotivo, también pienso que esta La Era de Hielo es mucho más directa en sus objetivos y en el lenguaje que utiliza, el otro gran acierto es que mientras que el 3D de Up pasa desapercibido, La Era De Hielo es tal vez la mejor cinta hecha para 3D que he visto desde nuevo boom, escenas verdaderamente pensadas para el efecto de profundidad, también es cierto que esta es una película de acción a diferencia de sus dos antecesoras que son mucho más lentas. Pero lo mejor es que es muy graciosa, con unas secuencias donde uno no para de reírse, un humor sano pero imparable, que nos hace olvidar o ni siquiera percibir el vacío argumental.

La "nueva" era es pura diversión, véanla en 3D, vale la pena.

Transformers: Revenge of the Fallen

La segunda parte de Transformers es decepcionate, si bien hay mejoras indiscutibles a nivel técnico, gráfico y de producción, son más los logros perdidos de la primera parte que los alcanzados en esta.
Estoy seguro que la expectativa por esta segunda entrega fue mayor que la primera, en la primera éramos los fans ochenteros que queríamos ver como esos dibujitos se podrían traducir a un universo real, pero para esta parte de la saga eran ya muchas las personas que queríamos ver más, y tal vez ese fue el problema, Michael Bay nos dio más, a mi gusto demasiado: demasiada velocidad, demasiada destrucción, demasiados prejuicios racistas, demasiados chistes malos y personajes sobreactuados, pero poco, muy poco argumento. Es tan pobre el argumento que la misma Megan Fox dijo en entrevista que el argumento estaba relativamente bien para una película de acción, pero que su participación se vio afectada por este. Obviamente el señor Bay quien no solo dirige la saga sino que la escribe, se fue lanza en ristre con la actriz a quien le dijo que antes le agradeciera que fue por él que ahora todo el mundo la conoce.

Yo no niego el impacto visual de la misma, en especial las batallas son espectaculares, más aún en Imax, la mejora técnica muestra con gran detalle el proceso de transformación de los robots, el avance fue tal que se pudieron usar mas de 40 transformers diferentes en toda la cinta, también es innegable que el giro que tuvo en esta cinta la presencia de Optimus Prime fue muy importante, en este sentido también hay un problema: mientras que en la primera la contextualización y cercanía de cada personaje con la historia fue clave, en esta la mayoría de personajes son extras, en muchos casos como el de Megatron o Michaela, simples y pálidas caricaturas de lo que fueron hace dos años. Esto mismo dio la sensación de que no había un enemigo palpable, ni Megatron, ni The Fallen, ni muchomenos StarScream, tienen el suficiente peso argumental, simplemente eran ...los Decepticons, hasta Devastator con su impresionante poder no generaba realmente una gran preocupación. The fallen realmente pasó sin pena ni gloria, tal vez el Decepticon más poderoso de todos los tiempos (algunos dirán que era Galvatron) no nos demostró nada.

La cinta en ningún momento tuvo cadencia, algo muy importante en la primera parte y que servía para darle fuerza a la historia y para dejar descansar los ojos de la acción, aquí no, realmente es un homenaje de 2 horas y media a la destrucción, a las piedras que vuelan y el polvo que ensucia, hay algunas batallas notables, en especial una de Optimus contra unos 10 Decepticons, pero muchas eran una enredo de latas y polvo, eso si, no quedó patrimonio cultural de la humanidad en pie ya que el guionista fue enfático en destruirlo todo.

Pero tal vez lo más molesto de todo el guión fue el sentido del humor bajo, ramplón y siempre de doble sentido. Megan Fox tenía razón y Michael Bay también, ella no era nadie antes de Transformers y gracias a esta cinta es hoy la mujer más sexy de Cybertron y todo el universo por encima de Angelina Jolie, pero también es cierto que el guión la rebajó a un objeto sexual, a una loba en celo y lo peor es que todas las mujeres de la cinta tenían el mismo papel. También es notable el racismo en todos los diálogos de los robots gemelos Mudflap y Skids. Los personajes de soporte que fueron claves en el desarrollo de la primera historia aquí solo son bufones llenos de comportamientos sexuales tontos y de esto no se salvaron ni los robots, fue realmente patético a lo que redujeron un personaje de la importancia de Wheelie, quien en la serie original llegó a ser el líder de los Dinobots y aquí nada más que un perrito faldero que se frota en la pierna de Michaela. Situaciones estúpidas e inverosímiles hay por montones, incluso los ataques de imágenes que sufría Sam Witwicky no tuvieron ninguna trascendencia y eran verdaderamente ridículos, de estas escenas también se destaca el comportamiento infantil y gritón de la madre de Sam.

Es cierto que si uno va a ver una cinta de acción no puede esperar profundidad de diálogos, o grandes actuaciones, pero es claro que simplemente por el impacto visual de la misma no podemos dejarnos meter los dedos a la boca y decir que esto fue una maravilla, cuando la realidad y dos minutos de reflexión nos dice que no fue así. Felicitaciones a todo el equipo técnico de Michael Bay que en menos de dos años logró ir más allá de lo esperado, pero definitivamente un universo tan grande y rico como el de Transformers daba para un poco más, entre otras cosas para respetar más a la audiencia que no es tonta y que apreció y aplaudió una primera entrega fresca e inteligente pero que debe exigir algo mejor en la tercera, algunos críticos dicen que ha sido la peor película de la década, otros, que lo único bueno fue su banda sonora, yo no creo ni lo uno ni lo otro, fue un poco mejor que eso, pero muy poco.

L'Heure d'été

Esta cinta que traduce Las Horas Del Verano, es la nueva a puesta del director francés Olivier Assayas. En esta podemos apreciar una obra de estilo naturalista, propio del cine francés, que nos cuenta una historia simple, sin artilugios, pero con un entramado fuerte y profundo.
La historia narra como tres hermanos deberán decidir que hacer con los bienes heredados de su madre luego del fallecimiento de ella. De esta forma la cinta toca temas profundos como el duelo, el desprendimiento, el recuerdo y sentido de apropiación sobre los objetos familiares, los recuerdos de una casa, las promesas rotas, la desintegración lenta pero visible del núcleo familiar y la dispersión de la misma. También es notable como mucho del sentimiento de la cinta es vivido por parte de Eloise, la empleada de la casa quien es el personaje con el mayor sentido de duelo debido a la situación.

En su producción la cinta es impecable, una hermosa pero sencilla puesta en escena, un manejo de la luz profundo y una cámara que trata de capturar conversaciones de más de tres personas de forma agradable. Este estilo me recuerda la forma narrativa de algunas cintas de Woody Allen como Maridos y Esposas y también algo del cine Dogma en especial Celebración.

El elenco es bastante bueno así como sus interpretaciones, naturales, diferenciales y muy creíbles y aunque la cinta se promociona sobre los hombros de Juliette Binoche, es realmente Charles Berling, quien interpreta a Frederic el mayor de los tres hijos, el eje central de la historia y quien debe soportar el peso de hacer efectiva la venta de los objetos y además ser el más arraigado a ellos.

Las horas del verano es dramática, fresca y por muchos momentos cotidiana y divertida, pero por sobre todo es un espejo o una reflexión de una situación que tarde o temprano afrontaremos todos.

Up

Una bonita historia de reconciliación con la vida nos presenta Pixar, esta vez sin el despliegue de texturas ni realismo de Wall-e, sino con unos personajes bien caracterizados y un trasfondo humano muy interesante.
Up nos trae a Carl Fredricksen un anciano, que vivió una vida sencilla y bondadosa y luego de haber perdido lo que más amaba y hastiado del atropello constante del mundo moderno decide cumplir el sueño que junto con su esposa tejieron toda la vida: tener una casa sobre Cataratas Paraíso, una especie de mundo perdido en la selva venezolana. Pues bien, Carl convierte su casa en una especie de nave gracias a miles de globos de helio. A esta aventura se une Rusell, un pequeño y gordito explorador, y junto con él deberán enfrentar al ambicioso Charles F. Muntz, un antiguo explorador que quiere atrapar a toda costa a Kevin, un gigantesco pájaro prehistórico.
En general no hay mucho que criticar y si bastante para disfrutar, Up es divertida, emotiva y su personaje Carl es bastante complejo y humano, eso si el 3D no le aporta nada.

Caché

En este post voy a extenderme por diversos temas ya que esta cinta ha generado en mi una gran reflexión sobre la influencia de la crítica, el esnobismo de la misma, la comercialización y la opinión del público.
Todo comienza en los años 60 cuando aquel magnifico grupo de realizadores franceses que se unieron en un movimiento llamado la nueva ola, quiso diferenciarse de los demás mortales y en textos de Godard y otros se inventaron los términos cinéfilo y cine arte, este último solo como un embuste literario para que sus cintas no se mezclaran con otras películas del género drama, el verdadero género al que pertenecen casi todas las cintas de este movimiento y obviamente para partir cobijas con el dominante cine americano.
Desde entonces todos los mamertos de bufanda terciada y gafas redondas han querido meternos los dedos a la boca proliferando su condición de cinéfilos y por su puesto, su preferencia única y encarnizada hacia el llamado cine arte.
Mi rechazo hacia este término es visceral, realmente creo que el término correcto es Cine de Autor, una expresión que leí a mis 15 años y que hasta el día de hoy nadie ha podido tumbar, y que se refiere a los directores cuya realización es tan original o novedosa o que tienen un estilo determinado y atractivo que sobrepasa al género en el cual se enmarcan los guiones que dirigen.
Sumándose a los queridos cinéfilos están las tiendas de alquiler de películas y los distribuidores de DVD que han tenido el pepazo de crear un estante llamado cine arte, en el que básicamente ponen cintas que no son gringas, que no saben donde poner o que han ganado muchos premios. Estas tiendas además están en una maratónica carrera de rebajas que aunque favorables para el comprador, dejan mucho que desear en la calidad de lo que venden.

Pero bueno vamos al grano, una noche esperando a una persona en un centro comercial entro a una de estas tiendas solo por curiosear y me encuentro con que sus rebajas están enfocadas en el estante llamado CINE ARTE, realmente lo que había ahí eran cintas clásicas, algunas extranjeras ¿pacto con lobos cine arte? y otras premiadas. Dentro de estas últimas encontré una llamada Caché, de la cual nunca había oído hablar y que me causó curiosidad ya que la portada solo muestra una mancha de sangre. Una de las frases promocionales la describía como terrorífica (uuu me gusta) y la comparaba con la obra de Hitchcock (mi director favorito, mmm) y además exhibía un sinnúmero de premios que había ganado (3 cannes entre otros vea pues), su director es el austriaco/alemán Michael Haneke (la pianista, bien, ganador este año de la palma de oro, muy bien), sus protagonistas son de calidad (Daniel Auteuil y Juliette Binoche, aguantan) y el precio era bueno así que me decidí a comprarla.
Yo que pensé haberlo visto todo me he encontrado con la cura a todos los problemas de insomnio, un ladrillo en forma de CD imposible de ver, tuve que intentarlo 5 veces para poder completar toda la cinta uniendo las partes que veía entre cada jornada de sueño.
Y es que una cinta por lenta o somnífera no significa que sea mala, para la muestra Allegro una muy buena película pero que en cierta escena hizo que absolutamente toda la sala con excepción de mi novia se durmiera, o las cintas de Wong Kar-wai, un señor que definitivamente camina a otro ritmo, que no tiene afán, que no cree en la cadencia pero cuyas cintas son demasiado hermosas.

Realmente en lo que peca esta cinta es en el esnobismo de querer presentar un método como el eje central de la narrativa, un método en el que se mezcla tomas de video a cámara fija con la narración general, haciendo que la película aunque de perfecta factura sea un suplicio visual, el no uso de banda sonora también aporta su granito a la lentitud de la misma. Sinceramente es la película más aburrida que he visto en la vida, por encima de una francesa que vi sobre tres personas millonarias que hacen una especie de retiro para lograr un objetivo: no hacer nada. También está por encima del esnobismo moralista y católico de Kieślowski, de quien soporté no solo su trilogía de colores sino su tortuoso Decálogo (10 cortometrajes basados en los 10 mandamientos hechos para televisión).

Sin embargo esta cinta de Haneke sobrepasa cualquier resistencia ocular a que se cierren los párpados, además el que se promocione como cinta de terror es un gran fraude, a pesar de que los grandes críticos digan que su temática es una metáfora sobre el miedo a que se descubran nuestros oscuros secretos, en realidad esto es un drama familiar salpicado con gotas de misterio. El terror se define como la sensación de sentirse atrapado por algo que nos invade, que crece constantemente y que supera nuestras fuerzas. En las obras de cine y literarias para que el terror sea efectivo debe ser constante, no dejar huecos, debe hacer que el espectador lo sienta como propio, no es que tenga que asustar (ese es el horror), no es que tenga que dar asco y salpicar sangre (ese es el gore), el terror tiene que asfixiar, angustiar, como una boa constrictor que se apodera de su presa. Pero por favor en esta cinta no pasa eso, la temática está en tan enlagunada por el drama familiar y por la contextualización lenta de los personajes y aún más por la técnica de edición, que nunca logra su objetivo.

Caché, que en español se llama Escondido es otra de esas banderas que los críticos alzan para dar sus clases de análisis cinematográfico, para decir yo reinaré, pero que en realidad no creo que nadie en su sano juicio pueda disfrutar ni recomendar, ni siquiera por venganza.

Whisky

El cine Uruguayo está en alza, el año pasado nos sorprendió con El baño del Papa, y aunque la cinta de la que hablaremos hoy es anterior a esa, del 2004, realmente nos muestra un estilo cinematográfico de historias cortas y sencillas pero muy bien argumentadas y realizadas.

Whisky nos presenta a Jacobo y Herman, dos hermanos judíos dueños de fábricas de medias. El primero vive una vida de soledad y amargura ahondada por el cuidado que tuvo que hacer a su difunta madre durante su enfermedad terminal, el segundo, joven, exitoso y alegre que llega de Brasil para visitar a su hermano y asistir a una ceremonia judía en honor a su madre.
Jacobo quiere aparentar una vida normal y le pide a Marta, su administradora, tan solitaria y frustrada como él, que se haga pasar por su esposa, esta aventura llena de fino humor se pone mejor cuando Herman invita a los “recién casados” a pasar unos días en la playa de Piriápolis.
La cinta es demasiado divertida, las caracterizaciones de los tres personajes son excepcionales, las situaciones llenas de silencios prolongados e incómodos pasan de lo desesperante a lo cómico y exploran el interior humano de los 3 protagonistas.
La fotografía es bastante buena, se nota la planificación de las tomas y las canciones de Leonardo Favio son el complemento ideal a la historia.

El argumento está además salpicado de puyas contra el prototipo judío del tacaño y explotador, presentando a Jacobo como este icono y a Herman como el antijudío que incluso hace chistes sobre su cultura.

Whisky es una gran sorpresa, un claro ejemplo de como realizar una idea sencilla y como cautivar a la audiencia con un humor diferente y natural.

Terminator Salvation

Desde que se anunció la nueva trilogía de Terminator se creó una gran expectativa alrededor, de ante mano se sabía la no inclusión de Cameron como director y mucho menos del gobernador Schwarzenegger como protagonista , haciendo que el peso de la prensa recayera sobre Christian Bale como la gran esperanza para revivir a John Connor. ya se sabía que la trilogía sucedería en el futuro, durante la época de la resistencia. Obviamente así como a Cameron le tocó esperar 7 años luego de la primera cinta para poder dar vida al T-1000, los espectadores tuvimos que esperar un mayor avance de la tecnología para que se pudiera recrear la guerra post-apocalíptica en que se desarrolla esta cinta, llena de increíbles máquinas y un realismo sorprendente.
Lo malo es que aunque la cinta es muy entretenida y lleva un ritmo frenético de principio a... bueno casi hasta el fin y a pesar de su atractivo visual y su sonido perfecto, el argumento es espantoso, totalmente lleno de coincidencias, con escenas repetidas de las demás cintas y muy pero muy predecible.
Los actores parecían caricaturas o la típica pandilla de mercenarios o pseudo soldados de cualquier película de acción tipo Resident Evil. Del casting de actores solo se salva Sam Worthington quien interpreta a Marcus Wright y quien es realmente quien lleva el peso de la historia. Esto hace preguntarnos que pasó con Christian Bale, y la respuesta es: nada, Bale no aporta nada a la cinta y mucho menos al personaje de Connor, su actuación es plana y simplemente es un energúmeno con pistola.

Si se piensa en la saga entera esta cinta nos acerca al mundo simple de la guerra que Cameron dejó entrever desde la primera entrega, pero no aporta nada nuevo. Ya se sabía que la guerra existiría, ya se sabía (desde la segunda) que Cyberdyne Systems crearía a Skynet luego de ser hacer grandes avances en biorobótica y que sería comprada por la fuerza aérea americana para desarrollar armas, ya se sabía que John Connor sería un líder mítico y amargado, ya se sabía que el protegería a Kyle Reese (su ¿futuro? padre), entonces para que sirve esta cinta? bueno, yo espero que solo sea el preámbulo para algo mejor, así como la amenaza fantasma fue necesaria para contextualizar el surgimiento de Darth Vader en Star Wars, pero si esto no es así, la cinta solo sirvió para demostrar hasta donde pueden llegar los límites tecnológicos en la recreación de seres cibernéticos y de un mundo sucio y destruido, porque es innegable la calidad de la producción, un ejemplo es el uso del proceso Oz de Technicolor para dar ese tono oxidado a toda la cinta el cual fue muy acertado. También hay muchas sorpresas agradables, como ver muchísimos modelos de máquinas pero sobre todo el nacimiento del T-800, algo realmente sorpresivo.

No puedo negar que disfruté la cinta, pero tampoco puedo decir que fue buena simplemente porque me gustó. Sumado a la deficiencia argumental presentada en la historia el final es deplorable, blandengue, casi estúpido y algo extraño es que no enlazó con ninguna escena (como es la moda) para sugerir algo de la nueva cinta o una continuación.

Terminator Salvation no sabemos porque se llama así, como no sabemos porque su director se hace llamar McG, lo que sabemos con certeza es que tal vez sea una gran nominada a premios técnicos en diferentes festivales, pero que más allá de un momento de adrenalina y acción no nos deja nada.

Star Trek

Luego del sinsabor de una precuela (Wolverine), vamos con el regocijo que produce otra: Star Trek.
Definitivamente es esta la consagración en el cine dde J.J. Abrams, uno de los grandes directores, escritores y productores para televisión de los últimos años, creador de series como Alias, Felicity, Lost y The Office y escritor para cine entre otras del gran éxito Armageddon. Ya Tom Cruise le había dado la confianza de dirigir Mission Impossible III, tal vez la mejor de las 3 cintas y ahora vuelve a sorprendernos con esta nueva versión de la serie Star Trek.

La historia básicamente nos cuenta como se forma la tripulación del Enterprise y los orígenes de sus dos principales integrantes: el capitán Kirk y Mr. Spock. No confundir con el origen de la flota estelar que ya se había tratado en la cinta First Contact y que no fue una precuela sino una misión de los personajes de The Next Generation.

Las cintas de Star Trek se podrían dividir en dos: las de acción y las que tienen un alto componente altruista o filosófico, esta se puede clasificar dentro de las primeras y conserva todos los ingredientes de la serie original; el humor, el sentido de superación, los viajes, el reconocimiento de los errores, etc. Aunque realmente no me convenció el tratamiento argumental con el que se presenta a Kirk (sobrado y hasta estúpido), los demás personajes son bastante convincentes y todos juegan un papel fundamental dentro de la tropa.

Los efectos son espectaculares, el ritmo frenético que Abrams le inyecta a sus trabajos no es avasallador sino impactante y definitivamente la ambientación de la nave, la ropa, los personajes, y hasta las voces, son un homenaje completo a la serie original, y es interesante como a pesar de ser una cinta de ficción, los efectos nunca son de mayor importancia que el argumento y las actuaciones.

Star Trek es la serie de televisión más exitosa de todos los tiempos y la que mayor cantidad de seguidores ha tenido y esta cinta es sin duda un regalo para los millones de personas que esperaban una nueva entrega de la saga y una muestra para la industria del cine que es posible hacer una precuela de gran calidad y no solo productos de oportunismo comercial.

X-Men Origins: Wolverine

El sinsabor de algo bueno que pudo ser y no fue, eso es lo que nos deja esta precuela de los X-Men, que me imagino que se llama así y no simplemente Wolverine porque pensarán hacer una para cada personaje. Cuando las luces se encienden uno se pregunta si Wolverine daba para hacer una cinta sobre él solo, la respuesta es si, pero no esta cinta sino algo mejor: Wolverine pasó de ser un extra en los comics de Hulk a ser el más importante y querido héroe de los X-men y su comic individual ha sido muchas veces escogido como el mejor comic de la historia.

La cinta aunque con un argumento interesante es repetitiva en sus escenas de combate y se demora demasiado en desarrollar la trama; la presencia de Gambito aunque esperada es exagerada, parece una mezcla entre Spiderman y un cantante de rock, algunos personajes son impresionantes y otros dejan mucho que desear en especial Dientes de Sable, aburrido y con una caracterización muy lejana a la del comic (mucho mejor la de Tyler Mane en la primera X-Men) y es sobre este personaje la mayor polémica ya que Marvel vuelve a entregarnos una nueva versión sobre la relación entre Wolverine y Dientes de Sable, mostrándolos como dos hermanos muy unidos y que poco a poco sus diferencias los separan hasta convertirlos en enemigos y digo nueva versión porque en los comics Origins se planteó alguna vez que Dientes de Sable era el padre de Wolverine y en otros comics se ha dicho que es Wolverine el padre de Dientes, hasta se ha llegado a decir que Dientes de Sable es la última mutación de Wolverine en el futuro y que regresa al pasado para destrruirse. Lo único cierto y que ha sido siempre confirmado por los creadores de ambos personajes es que estos dos enemigos, son canadienses del siglo 19, que pertenecen a familias relacionadas, que tuvieron diferencias en su infancia y que se volvieron a reunir como parte del proyecto Team X. Bueno y un tema que se deja abierto es el de Deadpool, que debido a los 3 finales alternativos que tiene la película no se sabe si él era Weapon XI y tampoco se sabe si Weapon X finalmente muere; en el comic Weapon X es un personaje nombrado más no desarrollado y algunas veces se sugirió que era Daken el hijo de Wolverine y hablando de Daken personaje que no fue tenido en cuenta en la cinta... tampoco se incluyó a Romulus, el verdadero y más grande enemigo de Wolverine.

Bueno como se puede ver el universo de Marvel es lo suficientemente grande y complejo como para hacer 100 (se dice que vienen dos más) películas sobre Wolverine, solo esperemos que la creatividad de los productores sea mucho mejor que esta vez.

Paul Blart: Mall Cop

Bueno seamos sincero, esta no es una buena película, definitivamente no va a a estar nominada a ningún premio, su historia la hemos visto cientos de veces, su guión es definitivamente para una audiencia familiar, pero por más defectos que le encontremos es innegable que hace reír mucho y que además es lo bastante fresca para alegrar una tarde en un fin de semana.

La cinta nos cuenta la historia de Paul Blart, un guardia de seguridad de centro comercial, gordo e hipoglicémico, que siempre ha querido pertenecer al cuerpo de policía pero por sus problemas de salud nunca lo ha logrado, ahora él debe enfrentar la misión más difícil de su carrera, ya que el centro comercial ha sido tomado por una banda de ladrones y que mantienen secuestradas a varias personas entre las que se encuentran Amy, una hermosa chica a quien Paul quiere conquistar y Maya, la hija de Paul.

Tal vez lo novedoso de la cinta es que el antihéroe Paul, realmente no es torpe, simplemente es gracioso pero su físico le falla cuando más lo necesita. Mall Cop es una cinta de comedia estándar sin pretensiones de grandes taquillas pero ideal para llevar a toda la familia y pasar un momento de carcajadas.

Das Wilde Leben

Creo que en mi vida he visto tres cintas sobre la vida de modelos, una fue la graciosa pero muy mala cinta de acción Domino, sobre la modelo convertida en caza-recompensas; otra fue la muy conocida cinta para televisión GIA, famosa por las escenas de lesbianismo de Angelina Jolie más que por su historia y ahora tengo la oportunidad de ver Das Wilde Leben, que se podría traducir como La vida salvaje, que nos cuenta la historia de la sexy bomba alemana de los 60's y 70's Uschi Obermaier.

Sinceramente nunca esperé ver una cinta de la calidad que presencié, es realmente una película de alta factura, un trabajo concienzudo de casting, realización y montaje, con interpretaciones fuertes y profundas y con el morbo que produce no solo conocer la vida íntima de esta mujer sino de sus amantes, en especial de Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones. Hablando de esto es una cinta tan cercana al rock que debo recomendar su banda sonora, una exquisita colección de piezas musicales que además me hace reflexionar en el sentido que las últimas cintas alemanas que he visto, todas han estado acompañadas de buenas bandas sonoras ya sea de rock u otros géneros pero todas con un muy buen gusto.

Lo interesante de esta cinta es que nos presenta a Uschi, tal vez la mujer más influyente en la generación del 68 no precisamente por su intelecto sino por su abierta búsqueda de libertad, y nos revela un ser humano que sufre las consecuencias de este libertinaje y que aunque no se arrepiente de sus actos, la tragedia que estos suscitan sirve para aterrizar a la protagonista de lo ideal a lo real y no como en Gia donde los familiares la muestran como una víctima de su entorno y como si ella no fuera consciente de nada (me gustaría saber que pensaría Gia si hubiera podido ver ese atrevimiento).

Natalia Avelon nos ofrece más que su hermosura en este difícil papel lleno de dolor y desnudos, pero dentro de las actuaciones lo que más me sorprendió fueron los actores que interpretaron a Mick Jagger y Keith Richards de un parecido sorprendente, este último parte importante de la trama ya que fue uno de los “novios” permanentes de Uschi, quien por varios años lo siguió por el mundo junto a otras groupies, en una época en la que el músico estuvo consumido por la heroína.

Una escena para no olvidar y que nos resume la vida de Uschi en estos años es en la que nos muestra un detalle de la habitación de hotel de Richards: una mesa con cocaína, una correa y jeringa de heroína, un revolver, una guitarra y la ropa interior de ella.

Uschi es una sobreviviente de su propio destino, una mujer que maduró a los golpes y que hoy vive una vida normal como diseñadora de joyas en California, una mujer que tuvo una vida de placer y locuras, un símbolo europeo para toda una generación que sufrió y pagó caro el precio de su propia fama y que nos regala un capítulo importante en la historia del hipismo (un hipismo que como vemos aprovechaba las cámaras para acelerar sus propósitos) y en general del último movimiento contracultural de occidente.

The Savages

Una fina comedia, muy citadina, con una realización austera y un tema muy profundo: el que hacer de los familiares de una persona con demencia senil. A diferencia de Away from her, donde se trataba el tema desde el punto de vista del amor y la relación de pareja, esta vez el problema se traslada a los hijos y como estos deben decidir de manera fría lo mejor para su familiar aunque por esto se sientan culpables de sus actos.

Muy humanas pero completamente diferentes las actuaciones que nos ofrecen Philip Seymour Hoffman y la hermosa Laura Linney, dos hermanos solteros y un poco alejados que de un momento a otro tienen que afrontar la enfermedad de su padre y recluirlo en un hogar para ancianos del estado, cuidarlo y tratar de seguir con su vida.

Una cinta poco exitosa comercialmente pero ganadora y nominada a montones de premios y festivales, fresca y reflexiva, hermosa y minimalista, pero sobre todo profunda y a pesar de lo dura, esperanzadora.

The Knowing

Alex Proyas, el director de The Crow y I robot, nos trae esta extraña historia que aunque muy entretenida y con una buena producción, más que un film sobre desastres es un completo desastre argumental: premoniciones, paranoia, desastres naturales, accidentes, fin del mundo, extraterrestres-ángeles, terror, acción, drama familiar, religión, conversionismo, yo creo que solo le faltó una escena de sexo y un animal parlante para completar este sancocho de temáticas y situaciones.

En 1959 una niña en una escuela escribe una serie de códigos en una carta que sería enterrada en una cápsula del tiempo y que luego de 50 años es expuesta y su contenido repartido entre los jóvenes alumnos de la misma institución. El papel con los códigos es entregado al hijo del profesor y científico de astrofísica John Koestler (Nicolas Cage), y el niño comienza a ser contactado por unos hombres misteriosos y a escuchar voces, por si esto no fuera poco Koestler cree haber descifrado en el código una serie de calamidades ocurridas en los últimos 50 años y también tres que aún no se han cumplido (todo esto lo descubre en una noche de borrachera e internet). Luego de esto presencia dos de los desastres que nos habían cumplido (que coincidencia ¿no?) y de ahí para adelante el cerebro de los espectadores se comienza a retorcer de la cantidad de disparates que siguen pasando.

Creo que Nicolas Cage está últimamente aceptando cualquier papel y realmente este raya en la mediocridad, no hay derecho a una actuación tan mala y sobreactuada. lo peor es que si uno analiza la historia, su personaje además del del descubrimiento del código no aporta nada fuera de sus exageradas caras de tragedia, es un personaje totalmente inocuo, estéril, realmente son mucho más importantes los roles de los niños.

Muy rescatable la producción, hay dos escenas de desastre de lo mejor que he visto, creíbles, con mucho caos y física, bien realizada, intensas y lo suficientemente impactantes como para dejar mudo al público.

Premoniciones además del dolor de cabeza argumental es solo una mezcolanza de pedazos de películas que ya hemos visto, un descache de un director que siempre nos ha sorprendido y un descache que deja un sinsabor de propaganda religiosa que nadie había pedido.

Slumdog Millionaire

Esta cinta me produjo el mismo efecto que La Escafandra y La Mariposa, el efecto que toda buena experiencia deja en la vida, un silencio, un sin palabras y la buena sensación de la satisfacción interior, en este caso desde el punto de vista artístico, la belleza, la imagen, el sonido.
Aunque la vi hace mucho, solo hoy puedo escribir algo razonable, pero lo mejor que puedo decir es véanla, cómprenla, alquílenla, lo que sea, pero no se queden sin disfrutarla, ojalá si pueden en una sala de cine y no tan lejos de la pantalla.

La cinta es la consagración de Danny Boyle como tal vez el director independiente, vigente e inglés más importante del momento, y digo vigente porque a mi gusto no hay nadie que se le acerque al maestro Peter Greenaway, quien lamentablemente ha decidido dedicarse a la docencia y dejar el cine que considera muerto y del que dice, últimamente solo produce basura. Hay que aclarar que Danny Boyle codirigió la cinta con Loveleen Tandan, una directora india, que en términos generales se encargo de hacer el casting, traducir a los actores indios y dirigir a los niños.
Y aunque muchos no saben quien es Boyle, lo cierto es que no es ningún desconocido y que él ya había vivido su momento de gloria con su segundo film Trainspotting, además a pesar de solo haber rodado 8 films en su carrera 4 de ellos han sido muy premiados.
De todas formas Slumdog Millonaire es sin lugar a dudas su obra cumbre, y no es producto de una casualidad o genialidad, es el resultado de sus experimentos, su trabajo dedicado y todo lo que ha hecho en su carrera, la influencia cinematográfica de sus anteriores films en este es notable, en especial la fotografía, manejo de cámaras y color es muy similar a su trabajo en sus dos filmes de horror: 28 Days Later y Sunshine.

La historia si se mira desde el plano general es sencilla, hasta tonta, una historia de amor imposible con un final feliz, algo extraño en las temáticas que Boyle suele llevar al cine, pero la magia de esta película es su narrativa, la inteligencia del guión, de los parlamentos, la puesta en escena, las buenas actuaciones, el humor en medio de la tragedia, la música que adorna el caos de Mumbay y ese sabor colorido y picante que deja La India en el espectador.

Jamal Malik un joven sin hogar Indio, que fue pordiosero y ladrón en su niñez, se encuentra al borde de cambiar su vida al estar a una respuesta de ganar el concurso ¿Quien Quiere Ser Millonario?, el problema es que la policía lo captura y tortura sospechando que ha hecho fraude y solo si explica de manera satisfactoria cada una de las respuestas que ha dado podrá volver a la libertad antes de que vuelva a comenzar el show. Todo lo que pasa de ahí en adelante son las mágicas vivencias de un pobre joven que solo trata de lograr su sueño: conquistar a Latika.

La cinta altamente exitosa en occidente, ha sido objeto de una tonelada de críticas por parte de la comunidad India en especial de la cinematográfica que la consideran mala, irreal y muy por debajo de las producciones Indias, en lo que más centran su ataque es en el hecho de que haya sido rodada en inglés y que no muestra la realidad de Mumbay. Lo cierto es que la obra de Boyle no es un documental, es una historia de ficción que pudo ser rodada en las favelas de Brasil o las comunas de Medellín o cualquier lugar pobre del planeta y en ningún momento trata de ser una película India, es una película inglesa realizada en la India. Boyle no es un novato y siempre ha sobrepuesto su sentido artístico al dinero o la fama, esta cinta casi no pudo ser realizada por falta de presupuesto, pero Boyle triunfó en premios, taquilla y crítica, el cine indio a pesar de ser el más prolífero (es el mayor productor de cine del mundo) y uno de los más caros, nunca ha querido internacionalizarse, sus producciones a pesar de ser hermosas e interesantes son casi desconocidas en occidente por su propia decisión, debían aprender un poco más de los chinos, quejarse menos y dejar que Boyle y esta buena camada de actores disfruten de su éxito, un éxito más que bien merecido.

U2-3D

Bueno, hace unos mese se estrenó de forma fantástica una sala de cine Imax en Bogotá con una cinta documental llamada Dinosaurios de la Patagonia, la cinta además fue acompañada por la primera exposición de fósiles de dinosaurios traídos desde la Argentina y digo primera por que al parecer los dinosaurios no gustaban mucho de nuestra geografía montañosa y no vivieron por aquí.

El teatro, que nos ofrece una experiencia realmente impactante, nos trae esta gran producción llamada U2-3D, una recopilación de los conciertos que hizo U2 en su gira por Latinoamérica dentro del Vertigo Tour en el 2006, enfocándose más específicamente en los recitales de Argentina.
Realmente no hay mucho que decir más que la edición de esta película nos transporta en medio de la gente, al lado de los artistas, podemos ver el sudor de estos, lo grande del escenario, disfrutar del sonido que es envolvente, corear con los asistentes, etc, las escenas más emotivas son aquellas donde quedamos a la misma altura de los espectadores y podemos ver de la misma forma como ellos lo hicieron. Este formato es tal vez el futuro del cine, hace poco Dreamworks anunció que todas sus cintas animadas iban a ser realizadas en Imax y aunque no lleguen a Colombia, gran parte de las cintas americanas se están filmando en este formato, que es caro, pero que realmente nos hace estar inmersos en la trama de una manera eficaz, aunque claro sería muy extraño ver un drama francés en este formato.

No hay mucho por opinar o calificar , es solo ir y disfrutar, y se los dice una persona que no es para nada fanática de U2 y que espera con ansia algún día nos traigan el Shine A Light que también está realizado en Imax.

Canciones de amor en Lolita´s Club

Los libros llevados a la pantalla grande siempre han sido un dolor de cabeza, aún si uno como espectador no se ha leído el libro muchas veces da la sensación de que éste no puede ser tan malo.

Vicente Aranda el director de Carmen y Juana La Loca, nos trae esta cinta llena de violencia, mafia, drogas y sexo. La historia es sobre Raúl, un violento policía antidrogas quien debe retirarse un tiempo debido a las amenazas que la mafia ha hecho contra él, es así como decide regresar a su pueblo de origen, allí se entera que su hermano gemelo Valentín, que es retrasado mental, está trabajando en un prostíbulo y que está enamorado de una de las prostitutas, él decidido a sacarlo va al club pero termina obsesionado con la misma mujer que su hermano, interpretada por la colombiana Flora Martínez, esto desencadena un montón de situaciones trágicas y de autodestrucción...
lo malo es que también desencadena que la historia pierda su rumbo, que las situaciones se vuelvan predecibles pero al mismo tiempo incomprensibles, que no haya trama, que el argumento zigzaguee una y otra vez en todas las direcciones y que el final sea tan extraño e insatisfactorio que uno realmente siente o que no entendió nada o que perdió su tiempo, mucho tiempo. Como curiosidad debo decir que la historia hace referencia no solo a la mafia y droga de Colombia sino a la trata de blancas (específicamente de Risaralda), aunque nunca ahonda mucho en el tema... como en nada.

A favor las actuaciones de los dos protagonistas, Eduardo Noriega interpreta de forma creíble tanto al iracundo como al retrasado, en lo que puede ver que no fue un trabajo fácil ya que hay muchas escenas donde aparecen juntos. Flora Martínez por su parte luce espectacular, su papel no es muy diferente del de Rosario Tijeras: paisa, ardiente y eternamente drogada y no se si es lamentable que la cantidad de escenas desnudas que realiza son el fuerte de su personaje.

Lolita´s Club pinta bien, pero se enreda y se enreda y se sigue enredando a tal punto que lo poco bueno termina perdido en un agujero negro argumental.

The Darjeeling Limited

Wes Anderson, el director de este film, sufre del mismo mal que los hermanos Cohen: todas sus cintas son muy similares, con el agravante que Anderson utiliza además los mismos actores siempre y es un poco difícil recordar cual es cual. Esta vez Anderson nos trae otra tragicomedia, sobre 3 hermanos que no se han visto por más de un año, que además cada uno se encuentra viviendo una situación difícil y que deciden encontrarse en un tren en la India para emprender un viaje de conocimiento y reconciliación que sufre muchos inconvenientes pero que al final termina siendo lo mejor para todos.

La cinta es bastante graciosa, el argumento escrito a 6 manos es muy inteligente, profundo y real, La India como marco de fondo es exuberante, colorido y alegre, las actuaciones de los 3 hermanos: Owen Wilson, Adrien Brody y Jason Schwartzman son muy buenas, llenas de personalidad y aunque es una comedia no hacen exageraciones ni payasadas (recuerdan Burn After Reading).

Esta cinta del 2007 fue anunciada en Colombia pero nunca presentada, es más no recuerdo la primera cinta de Anderson que haya sido proyectada en el país de forma comercial, es una lástima no ver a un director que pone tanto detalle en la producción, en el manejo del color y en las actuaciones. La banda sonora es muy buena con música India y varias canciones de The Kinks.

Este viaje es un regocijo, casi una recocha, pero también es el camino que toman estos hermanos para su renacimiento espiritual y porque no, para darnos un buen momento de diversión y entendimiento.

Los Girasoles Ciegos

Así como Estados Unidos continúa produciendo cintas sobre la segunda guerra mundial, España también sigue explorando su guerra civil y la época franquista. Una de las últimas producciones exitosas con esta temática es Los Girasoles Ciegos, basada en el libro del mismo nombre. En esta nos narra paralelamente la historia de Elena y Salvador; ella una hermosa mujer que vive con el temor de que se descubra el secreto que guarda en casa, y él, un diácono transtornado por la guerra que comienza a dictar clases en el colegio al que asiste Lorenzo, el hijo de Elena y su obsesión por esta mujer a quien comienza a acosar al creerla viuda. Elena deberá enfrentar al diácono y su creciente fijación día a día, arriesgando su vida y la tranquilidad de su hijo; su secreto es que no es viuda, sino que su marido, un activista político de izquierda ha vivido durante 4 años en un escondite dentro de la casa.

La cinta denuncia con un ejemplo particular, el tema de la persecución política, los crímenes de estado y el deterioro mental a los que son sometidos los diferentes actores de un conflicto.
La película que se enmarca en 1940, recrea de forma muy delicada la estética de la época y lo más interesante de esto es que tanto el manejo de color como la cinematografía se inspiran en las técnicas de la época, haciendo que la cámara fija y los planos cortos reinen durante todo el rodaje; solo hay un zoom en toda la cinta y los paneos son escasos.

En cuanto a la actuación de los 3 protagonistas: Maribel Verdú, Javier Camará y Raúl Arévalo nos regalan unas interpretaciones más que dignas, sin exageraciones y llenas de dolor, aunque cabe decir que hay muchas escenas cómicas que le dan aire a la trama. La actuación del niño es también destacable y graciosa, su papel se podría reconocer más como un testigo de la injusticia que como víctima, aunque definitivamente el argumento nos muestra como finalmente son los inocentes los mayores afectados.

Los girasoles rotos es una buena cinta con múltiples nominaciones y premios pero más que eso es un testimonio familiar de la injusticia diaria, de la persecución, la intolerancia y las ironías de la vida.

Mamma Mia!

La máquina de hacer dinero Mamma Mia, un musical para adolescentes pero protagonizado por actores veteranos, basado en las canciones del grupo ABBA, confirma el porque siento mucha aversión hacia el género musical, que crei que estaba en recuperación con buenas y modernas propuestas como Dancer in The Dark, Moulin Rouge y Dreamgirls, entre otras...
Pero No!!!! a pesar de la buena interpretación de Meryl Streep quien canta bastante bien y se ve rejuvenecida y hermosa, la cinta, su argumento y las 200 canciones que se interpretan durante la misma son una completa tortura, una historia estúpida y predecible, personajes caricaturescos e irreales, más allá de las coreografías no hay nada, ni puesta en escena, ni siquiera es medianamente graciosa.

Pero los productores están tan felices con la cinta y tienen porque, siendo la producción inglesa más taquillera de la historia y el DVD inglés más vendido, lo malo: ya nos están amenazando con la segunda parte.