In the Valley of Elah

Esta cinta que por fin podemos disfrutar en Colombia, ha sido muy polémica, sobre todo en Estados Unidos. La película trata sobre el desorden de estrés postraumático en un grupo de soldados americanos que vuelven de descanso de la guerra en Irak. El tema que ha sido tratado desde hace muchos años, incluso en cintas como Rambo y más recientemente en documentales, y hasta comedias, es un dolor de cabeza para el ejercito norteamericano que debido a la inmersión de violencia que se hace a los soldados durante su entrenamiento y a las órdenes inhumanas que deben seguir en el tratamiento de prisioneros, esto resulta en un quiebre psicológico que se puede manifestar en reacciones muy violentas.
El argumento basado en una historia real cuenta la historia de Hank Deerfield, un investigador retirado de la policía militar que presiente que algo malo sucedió con su hijo, quien al regresar de descanso de su misión en Irak no se ha comunicado con él. Deerfield comienza a recorrer los pasos de su hijo y con ayuda de la detective Emily Sanders, quien al principio se muestra fría con el caso, pero luego gracias a varios descubrimientos se sensibiliza y se sumerge en este. Descubren una historia de horror sin sentido y encubrimiento oficial.
La cinta deja ver como el servicio militar ha perdido su sentido de honor y ahora solo se centra en la destrucción del enemigo. También muestra como las autoridades no hacen nada por tratar estos casos ni por enfrentar sus errores, y que solo quieren arroparse en una imagen falsa de armonía y servicio ante los medios de comunicación.
La cinta obviamente hizo levantar ampollas y algunos críticos la descalificaron como cruel e irrespetuosa. pero es evidente que este no es el sentido de la historia y que si su contenido molesta es solo porque es el reflejo de una realidad actual. Las dos horas de la cinta son intensas a pesar de ser una historia dramática, el misterio y el hilo son muy bien manejados por el director Paul Haggis. A mi gusto podemos disfrutar de la mejor actuación de Tommy Lee Jones en su carrera y una discreta pero intensa interpretación de la irreconocible Charlize Theron. otro punto que llamó mi atención fue la edición, en especial el montaje musical, con bellas composiciones de Mark Isham, que salpican de forma dramática y en su debido momento la profundidad de la historia.

En la memoria nos queda, el llanto de una madre que pierde a sus hijos y la bandera izada hacia abajo, símbolo de que algo malo pasa, pero también la esperanza de que alguien puede ayudar.

Die Hard 4.0

Para los que vivimos nuestra infancia en la década de los 80 y nuestra adolescencia en los 90, es imposible no haber gozado, si, gozado con las películas de acción de los musculosos del momento, un tipo de héroes que ya no existen y que han sido reemplazados por tipos más tiernos, depresivos y normales. Uno de ellos fue Bruce Willis, quien a diferencia de sus colegas Stallone y Schwarzenegger, siempre le imprimió asus personahes mucha humanidad pero sobre todo humor y esto es porque Willis viene de la comedia, su serie de televisión Moonlighting fue una comedia muy exitosa en los 80 tanto así que gracias a esta él se ganó un Emmy y un Golden Globe.
El saltó a la fama gracias a su personaje de John McClane en la Cinta de 1988 Die Hard y tal vez sea este su personaje más recordado siempre, la cinta además de ser un éxito en taquilla, fue muy bien recibido por la crítica.

Pasaron 12 años desde la última aparición del teniente McClane en las pantallas para llegar con una cinta fresca y divertida, con un Willis mucho más mordaz y una producción como siempre impecable. Esta cinta tiene una trama parecida a las demás: El teniente que siempre está en el lugar equivocado, en el momento equivocado, un enemigo en principio desconocido y con una aparente causa, pero que al final se sabe que solo quiere dinero, un compañero de aventura que muchas veces estorba pero que en los momentos clave ayuda y una forma de resolver el problema como solo McClane lo sabe hacer: destrozando todo lo que vea a su paso.

La cinta en general es muy entretenida, algunas escenas son absurdas y otras impresionantes, la mayoría de estas fueron realizadas por equipos de efectos especiales físicos ya que ni Willis ni el director Len Wiseman querían que estos se generaran por computador, salvo lo estrictamente necesario. Tal vez lo peor de la cinta es el antagonista, un supuesto “hacker”, que solo hace malas caras.

Dentro de la saga a mi gusto es la tercera muy por encima de la segunda parte que fué la única que se alejó de la temática, el argumento parece una respuesta a otra cinta de Willis del 2005 llamada 16 Blocks, en la que Willis tiene una misión parecida: escoltar a un sospechoso a la corte, solo que esa vez su personaje era un decepcionado policía corrupto, alcohólico y cincuentón, sin estado físico, con el pelo blanco y gordo.

Bueno al parecer Bruce Willis a sus 53 años sigue más que intacto, lleno de humor y el personaje de McClane aunque no hay que abusar de él, puede que aguante para una o dos cintas más.

10,000 BC

Roland Emmerich casi siempre ha escrito sus películas y nadie lo puede negar tiene una gran imaginación, que aunque nunca se ha caracterizado por ser muy profunda ni generadora de grandes tramas, si nos ha llevado a mundos fantásticos y acción ilimitada. Pero este ¿film? es realmente un adefesio, la historia es más que absurda; está bien cuando un escritor crea hipótesis sobre algunos acontecimientos históricos para poder contextualizar una historia, pero juntar mamuts, las pirámides egipcias, tribus africanas y europeas, en una historia supuestamente prehistórica, es más que imaginación, es un completo descache.

Ahora bien, Emmerich tampoco puede negar que ha copiado casi que en su sentido más amplio la trama y ritmo de Apocalypto, así como escenas de 300, One Million Years B.C. entre otras. Esto además hace no solo que la cinta sea mala, sino un fraude, por momentos parece la tercera parte de La Era de Hielo.

Pero Emmerich no es tonto, el sabía que ese sancocho de historias y remiendos solo podía funcionar bajo su sello, el sello de una gran producción con excelentes efectos especiales (esto es indiscutible), y una fórmula argumental usada una y otra vez, pero siempre exitosa. La cinta no desagrada al público común, a los niños y a las mamás (a la mía le encantó), pero deja esa espinita, la espinita de Titanic y de muchas otras cintas que son una ofensa al sentido común de la cultura humana, del arte, pero que por su espectacularidad o porque son fáciles de digerir, seguirán siendo las reinas de la taquilla y las seguiremos viendo los domingos en todos los canales de televisión.

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street

La sangrienta adaptación de la obra musical de Stephen Sondheim no hubiera sido tan gratamente recibida por mí, ya que en general el musical es uno de los géneros del cine que menos afecto me produce, si por otro lado no hubiera sido dirigida tan acertadamente por uno de mis directores favoritos: Tim Burton. Sin haber leído entrevistas puedo asegurar que Burton tal vez cumplió uno de sus mayores sueños ya que es un gran aficionado a los musicales y aunque ya había dirigido dos, es la primera vez que lo hace con actores reales, no con animación, así como la primera vez que lo hace con una obra reconocida.

Un hombre que fue injustamente acusado, separado de su familia y condenado de por vida, logra escapar y volver a Londres transformado en un monstruo desalmado que solo quiere saciar su sed de venganza y para esto recurre a su profesión: la de barbero, y a la ayuda de su sangrienta y práctica vecina que vende pasteles de carne. Aunque busca vengar la supuesta muerte de su esposa y el rapto de su hija por parte del corrupto juez Turpin, en su locura decide que todos son culpables y comienza a matar indiscriminadamente a sus clientes, mientras las señora Lovett se lucra al utilizar los cuerpos de sus víctimas como insumo para sus pasteles y fantasear con el amor del señor Todd. Una historia sobre lo peor de los sentimientos humanos, con un final tan trágico como el principio, pero tan sorpresivo que ni el mismo Todd se lo esperaba.

Actuaciones estupendas de Johnny Depp y Helena Bonham Carter en los roles principales; una dirección artística de gran factura que nos muestra a Londres como una extrema y sucia cloaca de tonos grises donde solo resalta el color de la sangre; La música finamente interpretada que combina a la perfección con las voces de los actores, sobre las que destaco la de Bonham Carter, fina y estremecedora a la vez. En genaral el sognido es magnífico, tal vez una de las últimas cintas que he visto con tal calidad sonora y una buena edición de principio a fin. Los efectos, en especial los de tomas de degollamiento, son de gran significancia ya que cada una posee su propia personalidad de acuerdo a la víctima de turno.

Una cinta que nos recuerda al Burton gótico, oscuro pero divertido, que nos ha llenado la imaginación de personajes parecidos y memorables. Por ejemplo el atuendo de Todd y el salón de barbería ubicado en el alar de la casa, nos manda de regreso a escenas del joven manos de tijeras.

En general la cinta es más que sobresaliente, es entretenida e inteligente tanto visual como argumentalmente. Una obra de gran valor artístico que es una bofetada para los críticos del género musical, que lo refresca pero lo sacude hacia un nuevo plano, hacia un mundo donde no hay bailarines ni vestidos de pompa, sino salpicaduras de sangre por doquier.