Bella

Es la cinta debut del mexicano Alejandro Gomez Monteverde, una película norteamericana pero enfocada en la comunidad latina de New York.

La cinta es hermosa en fotografía, gama cromática y tiene una excelente banda sonora. Su argumento es un doble drama que se cruza: José una estrella mexicana del fútbol que pierde la chispa de su vida en una desafortunado accidente y Nina una mesera norteamericana que es despedida el día que se entera que está embarazada. Ambos emprenderán un viaje de reflexión y búsqueda durante un día que les cambiará la vida y les traerá nuevas esperanzas y alegrías.

Una cinta hogareña graciosa y emotiva, con un mensaje moralista pero bien manejado que más que en contra del aborto es realmente un canto a la alegría de vivir y seguir adelante. Otro punto a favor de Bella es la visión positiva que da la cinta sobre la comunidad latina, sin grosería, sin narcos, sin ilegales, sin mulas ni pandilleros, personas sencillas y bondadosas que han salido adelante con su trabajo y tratan de conservar su idiosincracia.

Bella es un buen debut, algo sobrevalorado, ganadora de múltiples premios, con una producción limpia pero un argumento no muy solido,con flashbacks confusos y actuaciones melodramáticas pero que logra su objetivo de anteponer lo sentimental a lo argumental y que deja una sonrisa, una buena moraleja y la esperanza de seguir disfrutando de un buen director.

28 Weeks Later

Lo malo de esta cinta es que ya hay planes de hacer la tercera, lo bueno es que no es tan mala como uno podría imaginar. La secuela de la exitosa 28 Days Later, llega mucho más sangrienta, más vertiginosa, tal vez con más presupuesto, pero menos sorpresa, menos profundidad, menos humanidad y extrañamente menos terror.

Se nota que hubo un esfuerzo interesante en realización con la contratación de buenos actores, una buena utilización de locaciones, efectos especiales de altura, una fotografía convincente y aunque sea por los laditos se nota la mano de Boyle quien aunque no la dirigió, porque en ese momento filmaba Sunshine, estuvo involucrado en la realización, pero lamentablemente la historia es extremadamente plana, los personajes no están vivos el tiempo necesario como para poder crear una conexión con ellos, el argumento cae en la cinta típica de zombies pero lo peor de todo es que a pesar de ser tan gráfica no asusta, no perturba.

Aunque Boyle alista su andamiaje para la tercera entrega, la historia por lo menos en este momento no da para más y ya en la próxima cinta no habrá más virus para regar ni más cuellos para morder.

Apocalypto

Es una lástima cuando la influencia de comentarios subjetivos hacen daño a una obra bien realizada, este es el caso de la cinta de Mel Gibson que se estrenó en el 2006 y que en Colombia no fue objeto de buena prensa y duró muy poco en cartelera. La semana pasada tuve la oportunidad de verla en el canal Movie City y es lamentable no haberla visto en la pantalla grande.
Esta obra sobresale por su esfuerzo artístico; digo artístico porque fue recreada con tal detalle que destella pinceladas en cada uno de sus cuadros. También digo esfuerzo porque Gibson renunció a los efectos digitales y simplemente recurrió a los mejores arquitectos y artistas para recrear el imperio Maya, además que las locaciones fueron totalmente naturales.
El montaje y la mezcla sonora son espectaculares, fluidos y envolventes, aunque esto también se debe a que el ritmo de la cinta es vertiginoso. La fotografía es vibrante gracias a que fue realizada en video de alta definición y algunas escenas filmadas a gran velocidad gracias a el uso de una cámara suspendida.
Gibson esta vez se mete no en la recreación histórica sino en la ficción histórica, llevándonos a la vida de Garras de Jaguar, un indígena cazador cuya aldea es arrasada por una escuadra de guerreros Mayas en busca de esclavos para vender y sacrificar, la cinta es osada al trata de juntar la decadencia del imperio con la llegada de los españoles a América. Gibson repite el estilo de producción de La pasión de Cristo y trata de recrear fielmente el entorno: solo utiliza actores Chicanos, descendientes de Mayas o indígenas Norteamericanos, todos los actores llevaban expansiones en las orejas, piercings y tatuajes, algunos de tinta y otros de cicatriz, la ropa, armas, accesorios y peinados fueron estudiados antes de diseñarse y se basaron en gran parte en los jeroglíficos Mayas. la cinta se gravó en su totalidad en dialecto Maya Yucateco y la ciudad Maya fue construida con maquetas basadas en las ruinas.

Mientras Garras de Jaguar tiene que correr como loco para salvar su vida y la de su familia, Gibson tuvo que salir a dar explicaciones a cuanto programa de televisión y ser la burla de todos los comediantes debido a las declaraciones que dio en contra de los judíos al ser detenido por conducir ebrio, el problema es que se puso a patear la lonchera en una industria donde todos los dueños de los estudios y las casas distribuidoras son judíos, me imagino que el tendría sus razones y que el alcohol lo traicionó, en fin, esta se la cobraron algunos críticos que trataron de distorsionar el objetivo de la cinta al decir que era racista, desacertada y mentirosa ya que mostraba a los Mayas como asesinos violentos. Lo cierto del caso es que la crítica de muchos otros medios si fue objetiva, así como muchos directores de Hollywood y la verdad es que la cinta es interesante, entretenida y hermosa, tanto que ha recibido más de 20 nominaciones a premios de los cuales ha ganado bastantes en cinematografía, mezcla de sonido y actuaciones, pero eso si, ni una sola nominación a mejor director.

Eastern Promises

A David Cronenberg le fascina el sexo, las plagas infecciosas o deformaciones físicas y la violencia en exceso. Y aunque su trabajo en los últimos años ha dejado de lado un poco el tema sexual y el terror, cada vez explora más el tema de la violencia y nunca sus cintas han dejado el género del thriller psicológico.

El sigue desarrollando un cine personal y a sus 65 años, este canadiense es uno de los directores más provocadores, originales, polémicos y siempre exitoso. En sus comienzos a finales de los 60 y durante toda la década de los 70 su cine era calificado como basura, repetitivo, incoherente, sin tema y casi todas sus cintas fueron clasificadas como B-movies, pero la temática se repetiría una vez más en 1981 con Scanners y fue tal el éxito que se convirtió en una cinta de culto. Cronenberg es un director muy popular y aunque su nombre no es muy recordado basta con nombrar algunas piezas de su filmografía para recordarlo y darse cuenta de su estilo y grandeza: Scanners, Videodrome, The Dead Zone, La Mosca, Naked Lunch, M. Butterfly, Crash (Extraños Placeres), eXistenZ, Una Historia de Violencia y ahora nos trae Eastern Promises.

La cinta se centra en la comunidad rusa de Londes, específicamente en una familia de la mafia rusa, que se ve amenazada por Anna (Naomi Watts), una partera que solo cuenta con un diario escrito en ruso, para saber la historia de Tatiana, la adolescente que murió en su sala de hospital producto del maltrato y la explotación. El eje de la historia es Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen), el conductor del hijo del capo mayor, quien quiere ganarse el favor de su jefe para poder pertenecer a la “familia”. El resto de la historia se desarrolla de una forma inesperada e inteligente y se posa sobre las excelentes actuaciones de un elenco de actores maduros y de gran trabajo como la hermosa Naomi, el tal vez actor francés de carácter más popular del momento Vincent Cassel y la indiscutible y fantástica interpretación de Mortensen, quien se transforma en el frío y obediente asesino y conductor. La cinta que contiene gran cantidad de escenas de violencia psicológica y gráfica, requirió de Viggo un entrenamiento físico evidente, aprender a hablar ruso, manejo del cuchillo y lucha cuerpo a cuerpo. En esta película hay dos elementos poco comunes: el primero es respecto a la cinematografía y es el uso del enfoque centrado en la fotografía, algo que puede ser molesto y que prácticamente en el cine moderno no existe (se dejó de utilizar masivamente en la década de los 50) y que solo vemos en una que otra cinta más como un toque experimental o psicológico que otra cosa. La segunda curiosidad es el uso del cuchillo, a pesar de ser una cinta sobre la mafia, nunca se usan armas de fuego, todos los asesinos tanto ucranianos como rusos solo utilizan un cuchillo curvo de uso industrial. Los tatuajes y el estudio de los mismos dentro de la cultura mafiosa rusa también son parte fundamental de la trama y la música que salpica ocasionalmente las oscuras escenas está bellamente construida.

El fin de la vida de Tatiana es el comienzo de la vida de una bebé con un pasado desconocido, pero el punto de partida de una historia de venganzas y traiciones, de sangre y oscuridad y en algunos casos de perdón y bondad.

Elizabeth The Golden Age

La segunda parte (10 años después) de la exitosa Elizabeth, pone en evidencia los malos resultados de cuando se quiere explotar un producto exitoso. Cate Blanchett vuelve como la reina Elizabeth en su edad madura y en medio del conflicto bélico con España, pero la cinta se centra en un trío romántico y en embelesar la figura de la reina con un melodramatismo exasperante. El director Kapur pone la producción por encima de la historia: el detalle artístico es exagerado y la música intrusiva, pero lo peor es la tergiversación histórica y la evidente propaganda anticatólica.

Lástima que de una cinta con ese presupuesto, producción y casting no haya mucho que decir, es una segunda parte como la mayoría de secuelas, mala y exagerada.

Hancock

Las cintas con giros argumentales bruscos existen desde hace mucho, tal vez la más importante y no se si la primera en la historia fue Psycho de Alfred Hitchcock, incluso la historia del protagonista de nuestro anterior post Wall-E también sufre de este tipo de cambio. Hancock lo tuvo todo para ser una gran cinta, buena producción, actores reconocidos, humor inteligente, efectos especiales espectaculares, banda sonora bien realizada y una fotografía aunque por momentos molesta, de alta definición y muy buen trabajo cromático, pero... Que mal el giro argumental que se le da, realmente echa a perder todo lo bueno que se presenta durante la primera media hora y eso se nota en la audiencia la cual al principio reía a carcajadas con todas las ocurrencias del personaje sucio y sarcástico pero luego apenas si hay sonrisas con un Hancock torpe y apocado. La historia del origen de los personajes es más que absurda y fuera de contexto, y con el giro, el personaje de Charlize Theron parece convertirse en un archienemigo, pero no, y en toda la cinta Hancock nunca tiene un rival de su talla y mucho menos hay una historia única con un hilo conductor prolongado.

Hancock una cinta colorida, hecha para divertirse y que sin ir muy lejos lo logra, aunque todos salgamos... desilusionados.

Wall-E

Es difícil comentar una cinta sobre la que hay unanimidad tanto por la crítica como por la audiencia, pero tal vez no hay que buscar suspicacias donde no las hay y simplemente decir que la película es excelente, hermosa, graciosa, emotiva y altruista.

Una tierra abandonada donde solo conviven un robot compresor de basura y una cucaracha es visitada por una sonda cibernética que busca rastros de vida. Del encuentro de Wall-E (el robot) y Eve (la sonda), surge una hermosa historia de amor y conquista, en la que Wall-E deberá atravesar el espacio para lograr su objetivo: tomar la mano de Eve, y los humanos deberán despertar de su letárgico viaje interespacial poniendo su fe en una pequeña planta que los llevará de regreso a la tierra.

La cinta estéticamente es impecable, la animación inmejorable, en especial la recreación de la tierra como una zona árida, abandonada y llena de basura, la expresividad de Wall-E e incluso de Eve son acertadas y creíbles, la música siempre romántica y fluida y el sonido impactante cuando debe serlo y relajante cuando se le necesita. El único punto inconexo es que mientras al principio de la cinta y cuando se hace referencia a grabaciones los humanos son actores reales, mientras que en la nave espacial estos son reemplazados por modelos animados muy Disney... pero bueno, olvidemos ese pequeño detalle y retomemos: otro punto importante es que la historia de fondo es muy actual, ecologista y reflexivo, acerca del papel del ser humano en la tierra, del desastre producto del descuido y deja como moraleja la unión para conseguir un objetivo mayor.

Aunque Andrew Stanton, el director de la cinta que ya había saboreado el éxito con Finding Nemo (tal vez la mejor cinta de Pixar hasta el momento), ha tenido que negar varias veces que el diseño de Wall-E sea una referencia directa a Johnny Number 5 (corto circuito), lo cierto es que la cinta si hace referencia directa al cine silente, también a anteriores películas del estudio como Monsters Inc y Toy Story, así como a Apple, ya que Wall-E tiene un iPod en el que ve videos y su sistema operativo es Mac. Pero estas son solo anécdotas que junto con la excelente trama, historia concisa pero bien contada y un gran esfuerzo estético y técnico, hacen de Wall-E no otra cinta más de vacaciones sino una pieza para recordar toda la vida.

The Good Shepherd

Robert De Niro nos trae su segundo film como director, una historia totalmente ficticia pero basada en hechos reales, acerca del surgimiento de la CIA, la guerra fría, del fracaso en la invasión a Bahía Cochinos y la historia de un hombre, Edward Wilson (Matt Damon), como testigo y miembro fundamental del nacimiento de la contrainteligencia norteamericana.

Hace poco vimos el caso de Requiem sobre como una cinta que tiene todos los atributos para ser buena resulta en todo lo contrario, esto mismo sucede con El buen pastor, aunque en esta además se suman un gran presupuesto, una producción impecable y un elenco de estrellas y la verdad es que el resultado deja entre dicho el papel de De Niro como director ya que es en este único aspecto en el que la película falla, pero es tal vez el aspecto más importante ya que la edición final y el montaje son la cocción donde todo el esfuerzo de la producción se moldean como el producto que se le venderá a los espectadores.

En una palabra la cinta es aburrida y para complementar mal contada. La cinta de dos horas y media da demasiados saltos a través de flashbacks innecesarios (con el primero se hubiera podido hacer un hilo conductor, sin necesidad de otros), tratando de contextualizar la vida de Wilson y ofreciendo en cada salto muy poco al espectador, fuera de eso hace ver la vida de los espías como el trabajo más aburrido del mundo, casi todos los personajes son inexpresivos y ni siquiera las escenas de violencia que son varias logran acelerarnos el pulso. E insisto en que por demás tiene todos los ingredientes para ser una gran película, de hecho la historia aunque ficticia es muy interesante, ver el aspecto humano y deshumanizado del patriotismo y de los servicios de inteligencia, su creación, desarrollo y su operatividad interna es fascinante, así mismo la actuación de Matt Damon y Angelina Jolie son demoledoras, personajes con mucho dolor interno, serios, diferentes, resignados, que cambiaron una vida feliz por estabilidad. Una fotografía impecable, que se mezcla con escenas de cine y televisión de la época, buen uso del sonido, excelente elenco de actores de respaldo encabezados por el propio De Niro y un final demoledor, estos entre muchos otros atributos hacen que esta cinta no pase del todo desapercibida.

Edward Wilson renuncia a su futuro y ofrece su alma a una bandera, a la idea de libertad y dominio, convirtiéndose en una máquina racional e insensible y arrastrando a todo lo que quiere a un abismo de dolor infelicidad.