L'Heure d'été

Esta cinta que traduce Las Horas Del Verano, es la nueva a puesta del director francés Olivier Assayas. En esta podemos apreciar una obra de estilo naturalista, propio del cine francés, que nos cuenta una historia simple, sin artilugios, pero con un entramado fuerte y profundo.
La historia narra como tres hermanos deberán decidir que hacer con los bienes heredados de su madre luego del fallecimiento de ella. De esta forma la cinta toca temas profundos como el duelo, el desprendimiento, el recuerdo y sentido de apropiación sobre los objetos familiares, los recuerdos de una casa, las promesas rotas, la desintegración lenta pero visible del núcleo familiar y la dispersión de la misma. También es notable como mucho del sentimiento de la cinta es vivido por parte de Eloise, la empleada de la casa quien es el personaje con el mayor sentido de duelo debido a la situación.

En su producción la cinta es impecable, una hermosa pero sencilla puesta en escena, un manejo de la luz profundo y una cámara que trata de capturar conversaciones de más de tres personas de forma agradable. Este estilo me recuerda la forma narrativa de algunas cintas de Woody Allen como Maridos y Esposas y también algo del cine Dogma en especial Celebración.

El elenco es bastante bueno así como sus interpretaciones, naturales, diferenciales y muy creíbles y aunque la cinta se promociona sobre los hombros de Juliette Binoche, es realmente Charles Berling, quien interpreta a Frederic el mayor de los tres hijos, el eje central de la historia y quien debe soportar el peso de hacer efectiva la venta de los objetos y además ser el más arraigado a ellos.

Las horas del verano es dramática, fresca y por muchos momentos cotidiana y divertida, pero por sobre todo es un espejo o una reflexión de una situación que tarde o temprano afrontaremos todos.

Up

Una bonita historia de reconciliación con la vida nos presenta Pixar, esta vez sin el despliegue de texturas ni realismo de Wall-e, sino con unos personajes bien caracterizados y un trasfondo humano muy interesante.
Up nos trae a Carl Fredricksen un anciano, que vivió una vida sencilla y bondadosa y luego de haber perdido lo que más amaba y hastiado del atropello constante del mundo moderno decide cumplir el sueño que junto con su esposa tejieron toda la vida: tener una casa sobre Cataratas Paraíso, una especie de mundo perdido en la selva venezolana. Pues bien, Carl convierte su casa en una especie de nave gracias a miles de globos de helio. A esta aventura se une Rusell, un pequeño y gordito explorador, y junto con él deberán enfrentar al ambicioso Charles F. Muntz, un antiguo explorador que quiere atrapar a toda costa a Kevin, un gigantesco pájaro prehistórico.
En general no hay mucho que criticar y si bastante para disfrutar, Up es divertida, emotiva y su personaje Carl es bastante complejo y humano, eso si el 3D no le aporta nada.

Caché

En este post voy a extenderme por diversos temas ya que esta cinta ha generado en mi una gran reflexión sobre la influencia de la crítica, el esnobismo de la misma, la comercialización y la opinión del público.
Todo comienza en los años 60 cuando aquel magnifico grupo de realizadores franceses que se unieron en un movimiento llamado la nueva ola, quiso diferenciarse de los demás mortales y en textos de Godard y otros se inventaron los términos cinéfilo y cine arte, este último solo como un embuste literario para que sus cintas no se mezclaran con otras películas del género drama, el verdadero género al que pertenecen casi todas las cintas de este movimiento y obviamente para partir cobijas con el dominante cine americano.
Desde entonces todos los mamertos de bufanda terciada y gafas redondas han querido meternos los dedos a la boca proliferando su condición de cinéfilos y por su puesto, su preferencia única y encarnizada hacia el llamado cine arte.
Mi rechazo hacia este término es visceral, realmente creo que el término correcto es Cine de Autor, una expresión que leí a mis 15 años y que hasta el día de hoy nadie ha podido tumbar, y que se refiere a los directores cuya realización es tan original o novedosa o que tienen un estilo determinado y atractivo que sobrepasa al género en el cual se enmarcan los guiones que dirigen.
Sumándose a los queridos cinéfilos están las tiendas de alquiler de películas y los distribuidores de DVD que han tenido el pepazo de crear un estante llamado cine arte, en el que básicamente ponen cintas que no son gringas, que no saben donde poner o que han ganado muchos premios. Estas tiendas además están en una maratónica carrera de rebajas que aunque favorables para el comprador, dejan mucho que desear en la calidad de lo que venden.

Pero bueno vamos al grano, una noche esperando a una persona en un centro comercial entro a una de estas tiendas solo por curiosear y me encuentro con que sus rebajas están enfocadas en el estante llamado CINE ARTE, realmente lo que había ahí eran cintas clásicas, algunas extranjeras ¿pacto con lobos cine arte? y otras premiadas. Dentro de estas últimas encontré una llamada Caché, de la cual nunca había oído hablar y que me causó curiosidad ya que la portada solo muestra una mancha de sangre. Una de las frases promocionales la describía como terrorífica (uuu me gusta) y la comparaba con la obra de Hitchcock (mi director favorito, mmm) y además exhibía un sinnúmero de premios que había ganado (3 cannes entre otros vea pues), su director es el austriaco/alemán Michael Haneke (la pianista, bien, ganador este año de la palma de oro, muy bien), sus protagonistas son de calidad (Daniel Auteuil y Juliette Binoche, aguantan) y el precio era bueno así que me decidí a comprarla.
Yo que pensé haberlo visto todo me he encontrado con la cura a todos los problemas de insomnio, un ladrillo en forma de CD imposible de ver, tuve que intentarlo 5 veces para poder completar toda la cinta uniendo las partes que veía entre cada jornada de sueño.
Y es que una cinta por lenta o somnífera no significa que sea mala, para la muestra Allegro una muy buena película pero que en cierta escena hizo que absolutamente toda la sala con excepción de mi novia se durmiera, o las cintas de Wong Kar-wai, un señor que definitivamente camina a otro ritmo, que no tiene afán, que no cree en la cadencia pero cuyas cintas son demasiado hermosas.

Realmente en lo que peca esta cinta es en el esnobismo de querer presentar un método como el eje central de la narrativa, un método en el que se mezcla tomas de video a cámara fija con la narración general, haciendo que la película aunque de perfecta factura sea un suplicio visual, el no uso de banda sonora también aporta su granito a la lentitud de la misma. Sinceramente es la película más aburrida que he visto en la vida, por encima de una francesa que vi sobre tres personas millonarias que hacen una especie de retiro para lograr un objetivo: no hacer nada. También está por encima del esnobismo moralista y católico de Kieślowski, de quien soporté no solo su trilogía de colores sino su tortuoso Decálogo (10 cortometrajes basados en los 10 mandamientos hechos para televisión).

Sin embargo esta cinta de Haneke sobrepasa cualquier resistencia ocular a que se cierren los párpados, además el que se promocione como cinta de terror es un gran fraude, a pesar de que los grandes críticos digan que su temática es una metáfora sobre el miedo a que se descubran nuestros oscuros secretos, en realidad esto es un drama familiar salpicado con gotas de misterio. El terror se define como la sensación de sentirse atrapado por algo que nos invade, que crece constantemente y que supera nuestras fuerzas. En las obras de cine y literarias para que el terror sea efectivo debe ser constante, no dejar huecos, debe hacer que el espectador lo sienta como propio, no es que tenga que asustar (ese es el horror), no es que tenga que dar asco y salpicar sangre (ese es el gore), el terror tiene que asfixiar, angustiar, como una boa constrictor que se apodera de su presa. Pero por favor en esta cinta no pasa eso, la temática está en tan enlagunada por el drama familiar y por la contextualización lenta de los personajes y aún más por la técnica de edición, que nunca logra su objetivo.

Caché, que en español se llama Escondido es otra de esas banderas que los críticos alzan para dar sus clases de análisis cinematográfico, para decir yo reinaré, pero que en realidad no creo que nadie en su sano juicio pueda disfrutar ni recomendar, ni siquiera por venganza.

Whisky

El cine Uruguayo está en alza, el año pasado nos sorprendió con El baño del Papa, y aunque la cinta de la que hablaremos hoy es anterior a esa, del 2004, realmente nos muestra un estilo cinematográfico de historias cortas y sencillas pero muy bien argumentadas y realizadas.

Whisky nos presenta a Jacobo y Herman, dos hermanos judíos dueños de fábricas de medias. El primero vive una vida de soledad y amargura ahondada por el cuidado que tuvo que hacer a su difunta madre durante su enfermedad terminal, el segundo, joven, exitoso y alegre que llega de Brasil para visitar a su hermano y asistir a una ceremonia judía en honor a su madre.
Jacobo quiere aparentar una vida normal y le pide a Marta, su administradora, tan solitaria y frustrada como él, que se haga pasar por su esposa, esta aventura llena de fino humor se pone mejor cuando Herman invita a los “recién casados” a pasar unos días en la playa de Piriápolis.
La cinta es demasiado divertida, las caracterizaciones de los tres personajes son excepcionales, las situaciones llenas de silencios prolongados e incómodos pasan de lo desesperante a lo cómico y exploran el interior humano de los 3 protagonistas.
La fotografía es bastante buena, se nota la planificación de las tomas y las canciones de Leonardo Favio son el complemento ideal a la historia.

El argumento está además salpicado de puyas contra el prototipo judío del tacaño y explotador, presentando a Jacobo como este icono y a Herman como el antijudío que incluso hace chistes sobre su cultura.

Whisky es una gran sorpresa, un claro ejemplo de como realizar una idea sencilla y como cautivar a la audiencia con un humor diferente y natural.

Terminator Salvation

Desde que se anunció la nueva trilogía de Terminator se creó una gran expectativa alrededor, de ante mano se sabía la no inclusión de Cameron como director y mucho menos del gobernador Schwarzenegger como protagonista , haciendo que el peso de la prensa recayera sobre Christian Bale como la gran esperanza para revivir a John Connor. ya se sabía que la trilogía sucedería en el futuro, durante la época de la resistencia. Obviamente así como a Cameron le tocó esperar 7 años luego de la primera cinta para poder dar vida al T-1000, los espectadores tuvimos que esperar un mayor avance de la tecnología para que se pudiera recrear la guerra post-apocalíptica en que se desarrolla esta cinta, llena de increíbles máquinas y un realismo sorprendente.
Lo malo es que aunque la cinta es muy entretenida y lleva un ritmo frenético de principio a... bueno casi hasta el fin y a pesar de su atractivo visual y su sonido perfecto, el argumento es espantoso, totalmente lleno de coincidencias, con escenas repetidas de las demás cintas y muy pero muy predecible.
Los actores parecían caricaturas o la típica pandilla de mercenarios o pseudo soldados de cualquier película de acción tipo Resident Evil. Del casting de actores solo se salva Sam Worthington quien interpreta a Marcus Wright y quien es realmente quien lleva el peso de la historia. Esto hace preguntarnos que pasó con Christian Bale, y la respuesta es: nada, Bale no aporta nada a la cinta y mucho menos al personaje de Connor, su actuación es plana y simplemente es un energúmeno con pistola.

Si se piensa en la saga entera esta cinta nos acerca al mundo simple de la guerra que Cameron dejó entrever desde la primera entrega, pero no aporta nada nuevo. Ya se sabía que la guerra existiría, ya se sabía (desde la segunda) que Cyberdyne Systems crearía a Skynet luego de ser hacer grandes avances en biorobótica y que sería comprada por la fuerza aérea americana para desarrollar armas, ya se sabía que John Connor sería un líder mítico y amargado, ya se sabía que el protegería a Kyle Reese (su ¿futuro? padre), entonces para que sirve esta cinta? bueno, yo espero que solo sea el preámbulo para algo mejor, así como la amenaza fantasma fue necesaria para contextualizar el surgimiento de Darth Vader en Star Wars, pero si esto no es así, la cinta solo sirvió para demostrar hasta donde pueden llegar los límites tecnológicos en la recreación de seres cibernéticos y de un mundo sucio y destruido, porque es innegable la calidad de la producción, un ejemplo es el uso del proceso Oz de Technicolor para dar ese tono oxidado a toda la cinta el cual fue muy acertado. También hay muchas sorpresas agradables, como ver muchísimos modelos de máquinas pero sobre todo el nacimiento del T-800, algo realmente sorpresivo.

No puedo negar que disfruté la cinta, pero tampoco puedo decir que fue buena simplemente porque me gustó. Sumado a la deficiencia argumental presentada en la historia el final es deplorable, blandengue, casi estúpido y algo extraño es que no enlazó con ninguna escena (como es la moda) para sugerir algo de la nueva cinta o una continuación.

Terminator Salvation no sabemos porque se llama así, como no sabemos porque su director se hace llamar McG, lo que sabemos con certeza es que tal vez sea una gran nominada a premios técnicos en diferentes festivales, pero que más allá de un momento de adrenalina y acción no nos deja nada.