No Country For Old Men

Esta cinta no ofrece nada de lo que el espectador espera, no es complaciente, su narrativa es difícil y su concepción confusa, aclamada por la crítica pero que genera en el público menos que un disgusto o rechazo.

Esta es una película que deja más interrogantes que respuestas, pero el principal es: una obra de arte debe ser complaciente con el espectador?, creo que la respuesta debe ser no, sin embargo mucha gente al comprar un ticket asume que su dinero automáticamente genera un sentido de apropiación sobre la obra y que esta debe satisfacerlo. El cine es un arte y aunque la mayoría de películas no le hagan honor a esta frase, sigue siéndolo y una obra solo debe tener sentido y apropiación para su propio autor en, este caso los hermanos Coen. El público debe asumir su lugar y observar, pero no puede juzgar solamente bajo el fundamento personal de gusto o disgusto.

Basada en un libro (y según dicen los que lo han leído es una reproducción bastante fiel del mismo), No country for old men es en términos generales un gran ejercicio visual; la historia se centra en la explicación de un Sheriff del sur de Estados Undos (Tommy Lee Jones) de los hechos que lo llevaron a su jubilación, y tal vez este es el punto que genera discordia ya que debido al método que se utiliza, el público no entiende que es una narración puramente reflexiva sobre este hecho y que es el Sheriff el protagonista de la cinta. La confusión narrativa se incrementa debido a que este personaje aparece por mucho como un simple espectador, no se sumerge en la trama (casi que la evita) y solo se atraviesa en ella ocasionalmente, mientras que los personajes de Brolin y Bardem, llevan consigo más del 90% del contexto argumental.

La cinta nos entrega una muy buena fotografía y recreación de los años 70 en los estados sureños y la frontera con México, pero su peso real son las estupendas actuaciones de los tres protagonistas, quienes se transforman instintivamente en los personajes que interpretan. Sin lugar a dudas la acogida que Bardem ha tenido en los medios es bien merecida. Esto además es reforzado gracias a que en el montaje se evita totalmente la utilización de música, lo que hace que el público pueda apreciar más a conciencia la caracterización física e interiorización de los actores.

Anton Chigurh no puede saciar su sed de sangre y se introduce como mensajero de la muerte en un círculo de violencia que se incrementa minuto a minuto y que se nutre de una guerra entre carteles y una persecución mortal. Una cinta con escenas de mucha violencia gráfica, oscuras y tensionantes secuencias de suspenso, acción y gran cadencia en los primeros dos tercios, abismo y decepción en el último.

Anton Chigurh es inseguro, inhumano, letal y muchas veces divertido, pero lamentablemente para el público Anton Chigurh es quien realmente se atraviesa en la vida del Sheriff Tom Bell, contándonos una historia fría pero emocionante.

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Bueno, más allá de la cinta y haciendo un poco de abogado del diablo: 3 hombres en la lejanía, una historia de muerte y ambición, un sheriff, una maleta llena de dinero, muertes en la carretera, asesinos que se mueven en autos robados, los hermanos Coen, cero música, un final incierto, nominaciones al Oscar...
estamos hablando de FARGO?

Y finalmente un agradecimiento a Bardem quien no solo nos complace de corazón con su interpretación sino con su estupenda pronunciación del inglés, ojalá les recomiende el curso que hizo a Banderas y a su novia Penélope Cruz quienes llevan años tratando y no han podido.

The Exorcism of Emily Rose

Una cinta interesante basada en los sucesos que se desencadenaron luego del exorcismo y muerte de una joven alemana llamada Anneliese Michel en 1978.
La película construye un argumento propio, con una historia parecida a la original pero actual y norteamericana, cargada de efectismos argumentales y audiovisuales y que se debate entre las cintas de juicios, el drama moral y el cine de horror.

La historia comienza tras la muerte de Emily aparentemente a causa de los descuidos sufridos durante y tras su exorcismo y cubre el juicio realizado al padre Richard Moore acusado de homicidio involuntario. La cinta nos muestra ambos puntos de vista, el racional y el espiritual tratando de argumentar los alegatos de una y otra parte, como trasfondo nos presenta además, una historia de la lucha de fuerzas ocultas que influyen peligrosamente en la vida de los protagonistas.

Buena producción y maquillaje (Los efectos especiales fueron basados únicamente en maquillaje), un sonido estremecedor y una muy física y buena actuación de Jennifer Carpenter como Emily, quien fue capaz de desprender gemidos tan impresionantes en casi toda su interpretación así como extrañas flexiones y movimientos de articulaciones en las escenas de genuflexiones y rigidez.

Emily era una mujer enferma o estaba poseída por los seis demonios que ella misma argumentaba?, era una mártir o simplemente una mujer traumatizada ególatra y sensible? El pensamiento diferente y las necesidades espirituales deben estar regidas por leyes y explicaciones científicas? un buen debate en una cinta poco trascendente, que no es tan interesante como la vida en la que estuvo basada pero que es lo suficientemente entretenida y bien realizada para ver una noche de domingo y no cambiar el canal.

The Bucket List (Antes de partir)

Sentimientos encontrados me genera esta cinta, por un lado un producto totalmente comercial, totalmente del mainstream norteamericano, por otro una cinta bien hecha con un muy buen desarrollo argumental, divertida y aleccionadora.

Cuando pensamos en las cintas que le gustan al pueblo americano, vemos un modelo repetitivo, cintas complacientes, repletas de escenas hilarantes y trágicas, lecciones de superación, del amor que lo puede todo, de la justicia que triunfa sobre el mal... y los ejemplos pululan y no solo de cintas de Estados Unidos sino de otras latitudes, claro, hechas con dinero gringo para público gringo (Forrest Gump, La vida es bella, Amelie, Milagros Inesperados, Titanic y la lista continúa y continúa). Antes de partir es un producto de estos: los últimos días de dos hombres que lo único que tiene en común es su deseo por encontrarse así mismos a través de una aventura en la que cumplirán sus sueños y pretenden no esperar la muerte postrados en una cama. Como es de esperarse al final lo que cuenta son las acciones sencillas que superan el esplendor y regocijan el espíritu.

Sensacionales actuaciones de Jack Nicholson y Morgan Freeman, que realizan una interpretación sin esfuerzo pero entera, con la misma base y método que utilizan normalmente en sus papeles: Un Nicholson arrogante, excéntrico, cruel, refinado y burdo a la vez, lleno de excesos y desafiante, y Freeman humilde pero inteligente, mesurado, analítico, con buen gusto y una sonrisa cargada de inocencia. El guión se mueve entre la comedia y el drama médico, enseñándonos un poco sobre el cáncer invasor, por lo menos desde el punto de vista del sufrimiento, también nos deja ver algunas maravillas del mundo y en general es muy bien llevado, buena iluminación y fotografía y un final inesperado complementan de buena forma la cinta.

Antes de partir es un producto digerible, que nos cuenta una historia muchas veces contada pero tal vez con un refinamiento y arte mucho mejor, una cinta que extrañamente no vemos en las nominaciones al Oscar, tal vez llego tarde a la competencia, pero ha recibido algunos galardones en otras premiaciones, una cinta suave con moraleja ideal para pasar el rato pero nada más.

Paraíso Travel

Año nuevo, fiasco nuevo…
Otra vez como ocurrió en el 2007, RCN nos quiere vender la “mejor película del año” y tienen razón, Paraíso Travel es años luz mejor que la truculenta y espantosísima tragicomedia Esto Huele MAL (MUY MAL), pero que no nos metan los dedos a la boca, esta es una cinta técnicamente suficiente pero cinematográficamente llena de falencias y desaciertos, lo malo del asunto es que a la gente se le vende la idea de que va a ver un producto muy bueno, cuando lo ven cree que es cierto (si se le compara con lo que siempre les han ofrecido) y cuando salen quedan convencidos de su excelencia, lamentablemente esto es falso, es una mera ilusión mediática y todavía nos falta pero mucho para llegar a la excelencia, aún con propuestas de gran factura como Satanás. Paraíso es lo que es y nada más: otro intento de un director de videos de hacer una película con todo el efectismo propio de un video musical y dejando de lado el lenguaje propio del cine.

NO hay mucho que decir: malas actuaciones, un argumento con todos los clichés tanto técnicos como interpretativos que uno se pueda imaginar, un John Leguizamo tan desperdiciado que uno se pregunta porque aceptó ese papel, unos vacíos argumentales gigantescos, como las coincidencias tipo ley de murphy que le pasan al protagonista a cada rato (se encuentra con todo el mundo en New York menos con la que está buscando, entre muchas otras); personajes innecesarios y con historias no contextualizadas: el loco del edificio, el cubano/boricua, la mamá de Reina, el personaje de Leguízamo; a esto sumémosle el efectismo melodramático: escenas de sexo puramente efectistas, la cámara en mano con ángulos cerrados y desenfoque premeditado; flashbacks excesivos y que no son congruentes con la línea del guión (salen porque si) ni tampoco tienen un inductor (recuerdos, sueños, pesadillas, reflexiones), esto recuerda un poco el desorden narrativo de El Paciente Inglés; Y una musicalización constante sin espacios. A propósito de esto último, algunos dirán que es un elemento interesante, pero la verdad es que cuando se utiliza en demasía y sin ser parte de lo que se llama el espiral argumental para lo único que sirve es para tapar falencias actorales o volver más lacrimógena alguna escena, no se donde Brand encontró tanta música de Sigur Ros, hermosa por cierto, para llenar tanto hueco pero lo hizo sin darle un respiro al espectador o un espacio silencioso y reflexivo a algún actor. Y ni hablemos de los clichés de siempre: la caleña fácil, los paisas ladrones y emprendedores, el gringo pervertido, el american dream, la ramplonería idiomática de mal gusto de siempre, el doble sentido del colombiano, los ladrones chicanos, solo faltó un pastuso para completar el chiste, claro esto no es culpa del director sino de Jorge Franco y su club de admiradores quienes lo consideran un buen escritor.

Algunos puntos a favor son las buenas actuaciones del protagonista y de la mexicana Ana de la Reguera, quien es bastante natural y profunda en su interpretación de Milagros. Una buena edición final, limpia con buen sonido y ningún altibajo. Extrañamente dentro del contexto argumental lo más interesante son precisamente los flashbacks, donde se inmersa al espectador en la esta odisea que es pasar ilegal a través del hueco y no del hueco corto desde México sino del largo desde otros países de Centroamérica. La cinta cuenta con secuencias divertidas, en especial gracias al talento de Múnera y Leguízamo, hermosas mujeres y en general es bastante agradable a la vista, urbana, sucia, interesante en lo visual.

Paraíso Travel no es ningún paraíso, solo un ejercicio cinematográfico gracioso pero totalmente intrascendente, esperemos al próximo mes para ver la nueva “mejor película del año”.

I Am Legend

Francis Lawrence no trae una nueva versión de la historia del último hombre en una tierra habitada por zombies.La importancia de la novela original es que ha sido la base por más de 50 años de las historias apocalípticas sobre plagas que convierten a la gente en zombies, muertos vivientes o vampiros y que ha sido de gran inspiración para varios directores, los cuales han creado prácticamente un género a partir de esta temática como George Romero.

La cinta cuenta con la buena actuación de Will Smith, y la muy plana pero de moda Alice Braga. La producción se aleja bastante de la historia original y el guión falla en la forma como contextualiza al espectador a través de flashbacks lentos dejando grandes vacíos en la explicación de los hechos; no se hace una diferenciación entre los zombies y los "aún vivientes" que son los que salen a la calle y el final realmente no explica el verdadero significado de la frase "Soy Leyenda", que le daría un vuelco total a la historia tal y como lo pretende la novela original. Aunque la cinta ha sido catalogada dentro del género acción la verdad es que el guión es tan inconexo que fácilmente se mueve por el terror, el suspenso e incluso el drama.

La producción por su parte fue bastante ambiciosa y para esto trasladó la historia a New York, donde el sentido de soledad se puede sentir con mayor intensidad. La edición de la cinta es impecable y el manejo de sonido excelente creando el ambiente perfecto para introducir al espectador en un ambiente de angustia, soledad y desesperación. Los efectos especiales dejan mucho que desear sobre todo en el aspecto de los zombies y sus perros, los cuales no asustan y parecen salidos de un videojuego.

Soy leyenda aunque no desagrada en lo absoluto, deja un sin sabor de que el resultado pudo ser mucho mejor.

Aliens vs. Predator: Requiem

Mientras que las cintas de Predator siempre estuvieron dentro del genero acción-ciencia ficción, las de alien siempre se movieron entre el cine fantástico de horror, algunas con más acción que otras; AVP Requiem lleva las dos criaturas dentro del subgénero gore (más gráfico pero menos profundo) y como en todas estas cintas nos muestra un grupo de personas (siempre con adolescentes incluidos) que huyen, gritan, corren, pero siempre terminan sin cabeza.

Aunque la cinta continúa donde termina su predecesora, lamentablemente parece una B-Serie, actores desconocidos, diálogos malogrados y demasiada oscuridad. Las secuencias de acción no son buenas, los personajes no se desarrollan lo suficiente y no se pueden apreciar a plenitud las criaturas en especial la híbrida. Es una lástima ver como se desperdicia una exitosa franquicia a través de un producto de baja calidad.

Les Triplettes de Belleville

Una hermosa cinta animada, ganadora y nominada a múltiples premios internacionales en el 2004, que recrea la historia de Champion, un ciclista francés secuestrado por la mafia y llevado a Belleville (una parodia de New York), en donde su abuela, su perro y las trillizas, tratarán por todos los medios de hallarlo.

La cinta se burla con gran acierto de los estereotipos de franceses y americanos y nos brinda una historia sencilla pero rica en fantasía y humor. La película no utiliza diálogos pero si un gran manejo del sonido gracias a la combinación de pantomima y efectos especiales, mostrando una gran influencia de las cintas de Jacques Tati. Respecto a la gráfica utiliza un estilo totalmente retro, influenciado especialmente por las cintas animadas de los años 30, en algunos casos con secuencias surrealistas que recuerdan las cintas de Betty Boop, pero contextualizada en un ambiente más moderno (años 60 o 70), con colores cálidos, hermosas texturas y una iluminación de excelente factura.

Chomet nos demuestra una pieza de originalidad absoluta, apta para todo público, con humor fino y belleza en cada detalle, una cinta arriesgada que no cae en las cursilerías de Disney ni en el ya poco imaginativo animé japonés.

30 Days of Night

El conocido director de videos David Blade nos presenta esta muy bien realizada cinta basada el el primer libro de la saga 30 Days Of Night, que trata sobre el ataque de vampiros a la población de Barrow, Alaska, durante los días que permanece en la oscuridad.

La cinta tiene un comienzo largo, aburrido e incoherente, el cual no sirve para contextualizar de forma efectiva la trama de la misma, pero solo basta esperar a que comience la matanza para que la historia tome forma y nos sumerja dentro de la misma. Aunque la cinta pertenece al sub-género gore y toma muchos elementos de las películas de zombies de este tipo (en algunos tramos recuerda 28 days later), es un gran ejemplo de originalidad artística y de creatividad dentro del mito vampírico, mostrándolos como seres ajenos al humano, como bestias insaciables con su propia filosofía de vida (racistas, puritanos y sectistas).

Un film con altibajos como las convincentes actuaciones de Josh Hartnett y Melissa George, pero planas actuaciones del resto del elenco que se evidencian aún más gracias a diálogos repetitivos y muy pobres. Pero como retribución, Blade que viene del mundo de la música, nos deleita con una edición perfecta, apoyada sobre una clase magistral de la utilización del sonido como elemento vital de la trama, aunque la cinta goza de un gran casting de locaciones, muy buena producción artística, hermosa iluminación (o ausencia de esta) y una fotografía con planos memorables (el barco anclado en la nieve, la coreográfica matanza vista desde el cielo, la muerte de billy, etc), el sonido es el que conduce, asusta, estremece, atormenta, calma, intriga, un sonido que fluye a través de una mezcla excelente de cadencias profundas y entrañables, trayendo como remembranza del trabajo de Ridley Scott en Alien.

30 Days es una cinta que aunque un poco subestimada por la audiencia, debutó en su premier como número uno en USA y sin contar con una gran historia, ni tampoco pretendiendo asustar hasta los huesos, no puede ser catalogada como una cinta más de terror, sino como una pieza de gran factura que ningún amante de las historias de vampiros se puede perder.

Beowulf

Una calificación justa para una cinta a medias cuyo mayor logro es en la parte técnica, al lograr por fin que una cinta realizada con la técnica motion-capture, lograra el realismo necesario para transmitir sentimientos, en especial es de destacar lo logrado con los ojos que ya no parecen muertos ni espectrales. Por lo más es una cinta de entretenimiento puro, con algunos vacíos en la cadencia y gran exhuberancia en su sonido y escenas de acción, que puede resultar entretenida y con una historia creíble para las personas que no han leído el poema Beowulf. Sin embargo el guión está plagado de lugares comunes, diálogos de baja factura y una increíble tergiversación de la historia hasta el punto de convertirla en menos que un chiste, haciendo que a veces uno crea estar frente a otra secuela de Shrek.

La historia es “novelizada” a tal punto que el 80 % de lo que sucede en esta, jamás pasa en el libro original, pero lo peor es que el sentido de caballería y honor que es la fuente de inspiración del escrito antiguo, es cambiado por lujuria y avaricia, esto aunque pueda parecer poco importante para algunos, es indiscutible que la película desinforma sobre todo a los niños (recordemos que la cinta a pesar de sus escenas con contenido sexual, lenguaje vulgar, apología a la violación de mujeres y excesos en litros de sangre digital es apta para todo público), quienes podrán tomar por literal el guión sin la oportunidad de leer nunca el libro.

Zemeckis desperdicia la oportunidad de realizar una pieza cinematográfica con la trascendencia de El Señor de Los Anillos y se conforma con una versión burlesca y vertiginosa de la historia original, la cual afortunadamente es fácil de olvidar.

Transylvana

Un hermoso viaje al interior de un ser y su búsqueda por algo que aunque no está definido se podría llamar la felicidad.

Tony Gatlif escribe y dirige una historia sin trama concreta, pero llena de magia, sentimientos y musicalidad, una cinta francesa que transcurre en una semi-rural Transilvania, mostrándonos una cultura que se aleja del concepto clásico europeo al que estamos acostumbrados y que forma una amalgama del folklore húngaro, rumano, sajón y gitano.

Zingarina que se funde en la oscuridad mientras huela la chaqueta de su amado; Los gritos de dolor que superan la algarabía del festival popular; El feto pintado sobre el vientre tatuado; Marie en absoluta soledad maldiciendo el mundo con un poema; Un exorcismo fraudulento pero eficaz; La lámpara de bohemia que ilumina el bosque; Una receta rápida para preparar ensalada; El oso que interrumpe la escena de sexo y muchas otras secuencias inolvidables y poéticas es lo que nos deja esta película enmarcada en una fotografía de gran factura, una iluminación íntima y evidente pero sobre todo una musicalización ininterrumpida y álgida, interpretada por protagonistas, extras o la banda sonora y editada sin sobresaltos, que nos muestra la alegría de este pueblo y la profundidad de los sentimientos de Zingarina, Marie y Tchangalo.

Un regalo a la vista y el arte es la actuación de la hermosa Asia Argento, tan inmersa en su papel que parece maldita, borracha, perdida. Transylvania es un buen ejemplo de cine de autor, difícil de clasificar pero fácil de disfrutar.

Lions for Lambs

Leones por Corderos es un esfuerzo de Robert Redford por mostrarnos diferentes ángulos de la acción bélica de Estados Unidos en Irak pero sobre todo en Afganistan, de sus culpas, errores y consecuencias.

Aunque la cinta ha sido muy mal recibida por la crítica gringa, en algunos casos por sus extensos y pseudo filosóficos diálogos, en otros por que dicen que la película no enseña nada nuevo y en otros simplemente porque la cinta critica la acción de la prensa durante el conflicto, lo cierto es que para un público extranjero es un buen escenario para apreciar diferentes puntos de vista de un conflicto que aunque es ajeno, repercute de diferentes formas en nuestra vida y que nos enseña a no tragar entero e ir más allá de lo que un noticiero nos puede entregar.

El Cantante

Una cinta que cubre la vida de Hector Lavoe desde su salida de Puerto Rico hasta su decadencia (Aproximadamente tres décadas).

El argumento de la cinta está basado en una entrevista que dio su esposa Puchi días antes de la muerte del cantante, haciendo de la historia subjetiva, vista solo desde el punto de vista de su esposa y por lo tanto dándole a Jennifer López un protagonismo sobresaturado y evidente, aunque gracias a este "defecto" del guión podemos disfrutar de una excelente actuación de su parte, quien se entrega por completo a un papel complejo y de gran carácter, opacando la vacía y por momentos aburrida actuación de su marido como Lavoe. Otro punto a favor de la cinta es la gran banda sonora, que no utiliza las versiones originales de las canciones sino interpretadas por los actores quienes en su gran mayoría son músicos de salsa consagrados en la actualidad, todo esto apoyado en una muy buena puesta en escena que recrea épocas y conciertos de manera efectiva.

La cinta sin embargo es repetitiva en escenas, tiene un excesivo uso del flashback que deriva en una cronología desordenada y confusa, esto además se acentúa debido a que la mayoría de los actores se ven iguales desde que comienza la película hasta que termina varias décadas después.

En términos generales, el cantante, sin ser una película buena es atractiva en muchos aspectos y deja una sensación más agradable de lo esperado.

American History X

La historia de Derek Vinyard se transforma en una interesante reflexión sobre el racismo, en especial como nace y se desarrolla en la actual sociedad norteamericana, pero también nos muestra como se puede salir de este círculo de odio.

Una hermosa cinta sobre el choque entre grupos, una educación ineficiente, el aprendizaje a través del dolor y el circulo de violencia que se repite una y otra vez. Gran actuación de Edward Norton quien se entrega totalmente al papel tanto física como emocionalmente, también para recordar la muy graciosa actuación de Guy Torry como Lamont, su compañero de trabajo en prisión, de raza negra, quien se complementa de forma fascinante con el siempre serio neo-nazi Vinyard.

Su director Kaye nos presenta una pieza con sonido y fotografía de trato exquisito, así como buenas actuaciones en general y una narrativa gráfica muy atractiva. Una excelente cinta que nos dice que el odio siempre estará ahí y que asumirlo o dejarlo es una decisión personal.

Más allá de la cuestión artística, la cinta tuvo su propio escándalo ya que el director Kaye se sintió ofendido por la alta participación que tuvo Norton en la edición final del film y quiso remover su nombre de la cinta, esta petición fue negada por la asociación de directores y Kaye demandó a la asociación por violar su derecho a la primera enmienda, en fin, mucha intolerancia y egocentrismo en una cinta que trataba de aleccionar sobre este tema.

Before the Fall (Napola)

Las Napolas eran las escuelas para la élite del Reich. Friedrich, un joven talentoso pero humilde es recomendado por un profesor para ingresar en estas, allí crea un profundo lazo de amistad con Albrecht, hijo de un alto funcionario nazi, quien se muestra como un gran escritor, crítico frente a la filosofía nazi y físicamente débil en comparación a sus compañeros.

La historia es una clara apología a la amistad, la libertad de expresión y de desarrollo de la personalidad y se aleja notablemente de los escenarios de guerra, el ser diferente, no tragar entero y denunciar sabiendo las posibles consecuencias negativas.

Interesantes actuaciones de los dos jóvenes protagonistas en esta historia enmarcada por una buena fotografía, sonido y recreación de la época, pero sobre todo una historia sencilla, profunda y con un desenvolvimiento interesante.

Madeinusa

Madeinusa es una joven que vive junto a su hermana y su padre en un pequeño pueblo perdido en la cordillera andina. Este pueblo se cierra durante las festividades de semana santa ya que no quieren que conozcan su costumbre típica de “Los días santos”, que van desde la muerte de Cristo el viernes santo hasta su resurrección el domingo, durante este periodo es permitido hacer cualquier tipo de actividad (incluidos crímenes) ya que como “dios está muerto” no hay pecados.

El entorno de la historia se posa en costumbrismos, folklore peruano, fanatismos religiosos, paganismo, idolatría, sexo, violencia, música indígena y andina, inocencia, ignorancia, venganza y un sin número de sentimientos profundos.

Una cinta con mezcla de bondades y decepciones; entre las primera encontramos una muy buena fotografía, vestuario, casting de actores y extras, musicalización y sonido, así como la trama que se mece entre el drama familiar, la comedia y el terror. Entre las decepciones encontramos actuaciones pobres y en muchos casos inadvertidas (en especial la del protagonista), vacíos argumentales, pero sobre todo, ese sinsabor que deja en general la cinta al presentar un cliché de las culturas más sencillas y aprovecharse de sus costumbres para mostrarlos como locos, retrógrados y hasta degenerados, aunque cabe aclarar que esto es parte esencial de la historia y que sin este matiz la misma no se hubiera podido desarrollar.

Madeinusa conoce el amor? Puede escaparse de su realidad? Puede cumplir sus sueños y olvidar su pasado? Esas son las preguntas para las que la directora Claudia Llosa nos trae una aterradora respuesta.

The Weather Man

Nicolas Cage y Michael Caine nos deleitan con esta tragicomedia sobre la vida de un hombre que siempre ha vivido bajo la sombra de su padre y que ad portas de su muerte, quiere demostrarle que puede estar orgulloso de él.

Una cinta que sin querer ser moralista nos presenta una historia de vida, sobre la madurez, la responsabilidad y el conocimiento de si mismo. Un muy buen guión lleno de parlamentos cotidianos y graciosos, un Nicolas Cage que además de narrar cumple la misión de parecer insignificante frente a los demás personajes. La cinta tiene una narrativa muy bien llevada que se puede ver en la impecable edición. Chicago parece una nevera en esta cinta donde sus paisajes reflejan la solitaria e insatisfactoria vida de este hombre a pesar de sus buenas intenciones.

Por favor los que no sepan que es una pata de camello véanse la película.

Machuca

Una hermosa historia sobre la amistad, la adolescencia y la vida.

Recreada alrededor del golpe de estado de Pinochet, en Santiago, nos cuenta la historia de dos niños; uno de clase muy baja y el otro acomodado, que se convierten en los mejores amigos y cada uno ingresa en el mundo del otro, sin comprenderlo ni compartirlo, pero disfrutándolo momentáneamente. El primer beso, la primera borrachera, la primera desilusión, la riqueza, la pobreza, la realidad, la vida cruda e injusta, son elementos que rodean a estos dos amigos y los sumergen en el conflicto social que vivía Chile en ese momento, hasta consumirlos en su totalidad.

Wodd logra una magnífica recreación del Santiago de los 70s, con primeros planos excepcionales, profundas actuaciones de los niños, un televisor como testigo histórico y una inolvidable escena de los cazas bombardeando el palacio presidencial.

Zodiac

Zodiac es una meticulosa cinta que cuenta la historia del asesino del zodiaco a través de un recorrido cronológico por las vidas de sus 3 más incansables perseguidores.

La película, de gran factura, es talvez el mejor logro artístico de Fincher como director recreando las poblaciones de California donde el asesino estuvo presente; la cinematografía, edición y efectos especiales son de muy buena calidad, así como la musicalización y actuaciones principales.

La cinta se basa sustancialmente en la obra de Robert Graysmith, talvez la única persona que pudo asegurar con cierta veracidad quien fue el asesino. Fincher nos trae nuevamente una cinta con gran contenido de terror y trama policial, cuyo único defecto es tal vez su falta de síntesis narrativa y las caídas en la cadencia que por momentos la tornan adormecedora, sin embargo es una amalgama de imagen, sonido y una muy interesante historia que nos tiene siempre al borde de la silla.

Ci qing (Mandala) (Spider Lilies)

Película que inauguró el Ciclo Rosa 2007 en Bogotá. Dirigida por la documentalista Zero Chou, esta hermosa cinta Taiwanesa, ganadora del premio Teddy, recrea el reencuentro de Jade y Takeko, dos jóvenes mujeres que buscan sanar heridas del pasado.

Una hermosa cinta cargada de emociones, buen gusto dramatúrgico y cinematográfico, flashbacks, primeros planos, mucha música y sonidos ambientales. Protagonizada de manera magistral por las estrellas pop Taiwanesas Rainie Yang e Isabella Leong, esta cinta nos muestra un buen ejemplo de utilización de íconos modernos, también hace referencia al estilo Cyberpunk, aunque sin meterse de lleno en él, es también notable la influencia japonesa y el estilo de Wong Kar-wai, desordenado pero muy estético en la narrativa visual y argumental.

El guión que no es muy impresionante en su trama, está bien contextualizado en el plano escénico, salpicado de humor, surrealismo y violencia. Una buena cinta, sencilla, con aciertos y defectos pero apropiada para disfrutar y enamorarse.

Broken Flowers

Don Johnston, un ejecutivo retirado, rompe con su novia y recibe una carta anónima en la que se le informa de su posible paternidad de un joven de 19 años. Así comienza esta divertida pero al mismo tiempo profunda historia de la búsqueda de sus propios pasos, de los amores de hace 20 años, despertar emociones olvidadas y recuerdos enterrados. Una muy buena interpretación casi inexpresiva de Bill Murray, complementada de manera excelente por el muy cálido Winston (Jeffrey Wright).

Las escenas en carretera son apacibles y profundas y se mueven a través de una banda sonora llena de mezclas y sabores de todo tipo de ritmos de muy buen gusto. Una historia con un final incierto que hay que leer entre líneas, con una sospecha que se convierte en esperanza y una esperanza que termina en desilusión. Flores Rotas es una pieza de buen gusto de principio a fin, nada hilarante pero trascendental y emotiva.

Renaissance

La historia toma lugar en París, en el año 2054 y nos presenta al detective Karas quien debe investigar el secuestro de una joven genetista. Durante su investigación descubre una conspiración con implicaciones delicadas para el futuro de la humanidad.

Aunque su guión es bastante aceptable lo interesante de esta cinta animada no es su historia sino la belleza de sus imágenes; cada cuadro, realizado con una técnica novedosa nos presenta escenas de una calidad artística impresionantes en blanco y negro puro; el detalle en los reflejos, las luces, la perspectiva, la expresión facial, la cadencia sonora y narrativa, son un ejemplo de dedicación y esfuerzo por parte de su director quien invirtió 6 años a la realización del film. La técnica utilizada requirió de 40 actores, quienes fueron filmados con trajes negros y marcadores, estas escenas fueron luego llevadas a un software especializado en la que se ¿calcaron? todos sus movimientos con personajes CGI y se integraron con el resto de la escenografía virtual para finalmente ser pasados por el efecto empastelado de blanco y negro.

Una historia entretenida, intrigante que podrá enmarcarse dentro del film noir francés y que nos deja momentos visuales inolvidables.

Vitus

Vitus es un niño prodigio que quiere toma el control de su vida, sentirse normal y así poder descubrir quien es y que quiere en realidad.

Desde Suiza llega esta hermosa fábula cómica que nos cuenta una historia llena de fantasía, sentimiento y mucho humor, protagonizada por dos niños que encarnan a Vitus a los 6 y 12 años (este último interpretado por el real prodigio del piano Teo Gheorghiu). Un niño que busca sus sueños y para esto se apoya en su abuelo, un ebanista soñador y muy sencillo que vive alejado de la sociedad urbana de Zurich, y que es puesto en escena por la magistral actuación de Bruno Ganz, quien sigue demostrando su talento luego de su memorable Hitler (El Hundimiento).


Esta cinta llena de vitalidad y buenos sentimientos es una agradable y fresca alternativa audiovisual, difícil de encasillar en un género específico y que gracias a su calidad se hizo merecedora al premio por la mejor película suiza del 2006. Vitus es una pieza diferente para ver y disfrutar.

Almost Famous

Cameron Crowe nos ofrece esta magnífica pieza cómica, llena de buenas actuaciones pero sobre todo de recuerdos y buena música.

La historia que aunque no es una autobiografía se basa en las vivencias propias de Crowe como escritor adolescente de la revista Rolling Stone y nos presenta al joven William Miller quien se ve envuelto en un eterno tour por los Estados Unidos junto a la banda ficticia Stillwater en la década del 70.

Una edición de lujo tanto en imagen como en banda sonora es el entorno que recrea una estupenda comedia de situaciones, llena de humor fino, secuencias mágicas y muy alejada de las insípidas comedias románticas que inundan la industria. Billy Crudup en su primer papel protagónico llena las expectativas, Frances McDormand en una de sus mejores actuaciones de los últimos años y Kate Hudson sobresale en un papel mucho más exigente y dramático que los que acostumbra interpretar.

Almos Famous es una cinta de culto, una muy buena idea realizada con poco pero con un excelente resultado: tanto la cinta como la banda sonora son piezas artísticas homenajeadas por la crítica y ejemplo de gran estética y buen gusto.

25th Hour

La hora 25 es una experiencia cinematográfica extraña: por un lado las muy buenas actuaciones de Norton, Seymour Hoffman, Pepper y Anna Paquin, la atmósfera estremecedora en la que se desarrolla la historia, la hermosa fotografía y musicalización, la edición impecable que funde escena tras escena en una sola amalgama sin dejar percibir los saltos de tiempo y finalmente, los muy creíbles diálogos de los personajes; por otro lado nos encontramos con una historia sin trama, sin desarrollo, sin conclusión, sin nada, rodeada de historias paralelas que sufren el mismo defecto.

El último día de libertad de un hombre, recuerdos celebraciones y especulaciones de un posible futuro, crean el entorno de una historia fantasma, de un vacío argumental; tal vez la vida real se parezca más a esta película, tal vez la vida no está llena de grandes conflictos por resolver, sin embargo, en este contexto la cinta nos muestra más una reflexión de 2 horas que una historia contextualizada y puesta sobre la narrativa cinematográfica regular.

Water

Una hermosa cinta que aborda el tema de los fanatismos religiosos y sus consecuencias, de las preguntas que no tienen respuesta por que así lo dicen los libros.

Agua recrea la historia de las viudas hindúes y su condición religiosa de penitentes en vida. La cinta que cuenta con muy hermosas escenas y cinematografía cierra el ciclo de elementos (tierra y fuego son las cintas anteriores) que la directora Deepa Mehta utilizó para poner el dedo en la llaga sobre diferentes problemas de la sociedad India que además se pueden sentir en otras sociedades a través de sus propias manifestaciones.

Agua que fue filmada en Sri Lanka y no en la India debido al violento boicoteo que sufrió por parte de conservadores Hindúes (El set fue incendiado), además de ser una cinta estéticamente hermosa con buenas interpretaciones y una excelente musicalización (algo a lo que nos acostumbra el cine Indio) es un canto al libre albedrío y en general a la libertad de expresión.